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Kommentar des Fotografen:

Der Titel des Bildes ist “The unknown photographer”. Es ist als Schnappschuss im Yoyogi Park in Tokyo mit einer Rolleiflex T entstanden, der Film ist ein Fuji NP 400 PR. Die unbekannte Dame blieb neben mir und meiner Begleitung plötzlich stehen und schaute vertieft in ihre Kamera. Alles musste sehr schnell gehen, ich wählte spontan die offene Blende 3,5 und fokussierte auf ihr Gesicht, dann war die Szene schon wieder vorbei.

Profi Douglas Abuelo meint zum Bild von Lars Frik:

Jedes Foto, das gemacht wird hält einen kleinen, subjektiven Teil eines großen Ereignisses in sich fest. Da der Fotograf dabei war, als das Foto gemacht wurde und das Ereignis aus erster Hand erlebt hat, hat einen gewissen Bezug zum Foto, den Betrachter nicht haben. Für den Fotografen ist das Foto eine lebende Erinnerung einer dreidimensionalen Erfahrung, während es für den Betrachter einfach eine beiläufige zweidimensionale Abbildung eines Ereignisses, Ortes oder einer Person darstellt.

Die Szene hier ist für den Fotografen offenbar ein erinnerungswürdiger Moment seiner Zeit in Japan. Ist das Foto jedoch ästhetisch stark genug, oder erzählt es eine Geschichte, die fesselnd genug ist, um für den Betrachter von Interesse zu sein?

Das ist hier leider nicht der Fall. Die Schwäche rührt von der Tatsache her, dass es nichts übermäßig Interessantes an dieser Szene gibt, das für jemanden, abgesehen vom Fotografen, von Bedeutung sein könnte. Obwohl die Komposition akzeptabel ist und durchaus zu dieser ruhigen Szene passt, peppt sie die Szene weder auf, noch erhöht sie ihren Aufmerksamkeitswert.

Damit ein Foto auf eine gewisse Art erfolgreich sein kann, muss es in seiner Zweidimensionalität einen Teil einer größeren Geschichte einschließen, der die Kuriosität des Betrachters anstachelt. Es muss eine Geschichte erzählen, ästhetisch ansprechend sein, oder etwas zeigen, das den Betrachter emotional oder intellektuell anspricht.

Erwartet der Fotograf, dass der Betrachter irgendeine Art von Beziehung zu seinen Bildern herstellt, liegt es in seiner Verantwortung, das Foto für jemanden, der nicht am Ereignis teilgenommen oder keine Verbindung zum Geschehnis hat, um sich damit zu identifizieren, interessant genug zu gestalten.

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Kommentar des Fotografen:

Aufgrund eines Online Kurses habe ich mir heute morgen (19.4.2010) dieses Gebiet in einem Naturschutzgebiet ausgesucht, leider etwas zu spät am Morgen. Gerne würde ihren Kommentar zum Bildaufbau, Licht etc. erfahren.

Profi Douglas Abuelo meint zum Bild von Dieter Joos:

Von allen Arten der Fotografie, die es gibt, bleibt die Naturfotografie eine der populärsten, möglicherweise weil die sich ständig verändernde Welt der Natur eine unendliche Vielzahl von Motiven bietet.

Ein anderer Grund könnte sein, dass, egal ob Du in einer großen Stadt, einem dichten Wald, oder sogar in einer sengend heißen Wüste bist:

Es gibt fast immer zumindest einen Baum, einen Hügel, oder ein bisschen Gras, das in ein einigermaßen ordentliches Naturfoto verwandelt werden kann.

Und dieses Bild scheint ein Beispiel dieser Prämisse zu sein: eine Szene, leicht zu finden, etwas interessant, aber nichts, weshalb wir unseren Atem verlieren würden. Auf diese Art ähnelt Naturfotografie einer Pizza: sogar, wenn sie nicht großartig ist, ist sie für die meisten Leute immer noch akzeptabel.

Aber wenn Du zu denen gehörst, die sich nicht mit halbakzeptablen Naturfotos zufrieden geben, und wenn Du eine Szene finden willst, die einigermaßen originell ist, dann ist das Erkunden praktisch unausweichlich. Hier wird nicht klar, worum es Dir ging; das Bild hat keinen eindeutigen Motivansatz und keine Aufteilung ind er Komposition, die wirklich spannend wirkt.

Erkunden bedeutet, die weniger benutzten Wege und Pfade zu wählen und sich so viel Zeit wie nötig zu nehmen, um genau den richtigen Ort zu finden, von dem Du Dein Foto ohne störende Elemente im Bild machen kannst.

Hast Du den richtigen Ort gefunden, musst Du immer noch daran arbeiten, den richtigen Ausschnitt (Komposition) zu wählen, und dann in der Nachproduktion Dinge wie Farben, Belichtung etc. bearbeiten.

In diesem Foto wird es offensichtlich, dass es nicht nur zu spät am Tag war, um den Vorteil des schönen Morgenlichts zu nutzen, sondern auch, dass nicht genug Anstrengung unternommen wurde, um den Ort und Ausschnitt zu wählen.

Beachtet man, dass die Farben ausgewaschen und künstlich erscheinen, und das Foto umzukippen droht, so hätte eine ausgewogenere Komposition und stärkere Farben einen großen Unterschied gemacht, um sogar diese – Verzeihung – stumpfe Szene aufzupeppen.

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Kommentar des Fotografen:

Diese Aufnahme stammt von einem wunderschönen Frühlingstag dieses Jahres. Ein Freund und ich waren im Wald (bei mir um die Ecke) spazieren und dabei ist dieser, wie ich finde, gelungene “Schnappschuss” entstanden. Die Kamera, mit der das Bild aufgenommen wurde, ist die legendäre Lomo-lca und der Film ein Ilford hp5+ (iso 400) schwarz/weiss. Zur Art der Belichtung ist folgendes zu sagen: Die Kamera funktioniert mit einer Belichtungsautomatik. Jedoch vermute ich, dass die Belichtungszeit eher kurz war (1/500 oder kürzer) und die Blende dementsprechend sehr klein (da es draussen sehr hell war,zudem iso 400 Film) und daraus resultierte die eher hohe Tiefenschärfe.

Profi Douglas Abuelo meint zum Bild von Elik Fyzzar:

Für einige Menschen ist die Fotografie hauptsächlich ein wissenschaftlicher Vorgang, während sie für andere einen magischen Prozess darstellt. Die technikorientierten Fotografinnen haben normalerweise jedes Detail und jeden Schritt geplant, bevor Fotos gemacht werden.

Für diejenigen, die in der Fotografie eher einen magischen Prozess sehen, liegt die Herausforderung darin, mit ein wenig Glück zur rechten Zeit am rechten Ort zu sein.

Dieses Bild ist das Ergebnis einer spontanen Einstellung der Fotografie gegenüber.

Der Fotograf war gerade mit einem Freund spazieren, als er einen interessanten Moment sah, ihn mit seiner LOMO Lca auf Film festhielt und damit dieser Art von Fotografie ein perfektes Kompliment machte.

Lomo Lcas, die ursprünglich in der ehemaligen UDSSR hergestellt wurden, haben heute Kultstatus, obwohl sie berühmt dafür sind, dass sie häufig Schrauben verlieren. Mit ihren sehr rudimentären Funktionen kann es eine echte Herausforderung darstellen, die Schärfe und Belichtung richtig hinzukriegen.

Das Nichtvorausplanen (sowie das Verwenden einer solchen Kamera) kann zwar zu einer Vielzahl unbrauchbarer Negative führen, mit ein wenig Geduld und Glück jedoch auch angenehme Überraschungen bereiten.

In diesem Fall hat all dies gut geklappt. Das Resultat ist ein Foto, das interessant ist, weil es unmöglich ist zu wissen, was genau passiert ist. Darum müssen wir uns unsere eigene Geschichte zum Bild kreieren, um die fehlende Information zu ersetzen.

Egal, was passiert ist, es ist das Geheimnisvolle, das dieses Foto ausmacht. Die einzelne, dunkel gekleidete Figur, die eine fast futuristische Sonnenbrille trägt, während sie durch einen tiefen, schattigen Wald läuft und einen intriganten Gesichtsausdruck hat, lässt uns viel Raum für allerlei denkbare Geschichten.

Macht es Dir also keine Schwierigkeiten, Dich auf DEin Glück zu verlassen und hast Du eine gute Portion Geduld, dann bleib am Ball. Früher oder später wirst Du die magische Seite der Fotografie wie von selbst kennen lernen.

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Kommentar des Fotografen:

Sylter Impressionen. Einfach aus der Jackentasche heraus geschossen ;-)

Profi Douglas Abuelo meint zum Bild von Frank Goebels:

Viele interessante und ästhetisch ansprechende Fotos sind eriner spartanischen Herangehensweise an die Komposition zu verdanken. Ein gutes Beispiel solcher Arbeit ist das Projekt „Seascape“ des Fotografen Hiroshi Sugimoto. Mit nur zwei rechteckigen Formen und einer Horizontlinie in jedem Bild kreiert Sugimoto eine beeindruckende, meditative Ästhetik der Natur.

Dies soll nicht bedeuten, dass großartige Fotos minimalistisch sein müssen. Beim Komponieren eines Fotos ist es jedoch oft eine gute Idee, zunächst den Gebrauch grundlegender kompositorischer Elemente in Erwägung zu ziehen.

Fotografen versuchen regelmäßig, zu viele Elemente in ihren Fotografien unterzubringen, wodurch chaotische, widerspenstige Eindrücke entstehen. Wird eine Szene in ihrer Komposition nicht anspruchsvoll gestaltet, geht die ästhetische oder meditative Qualitätdes Bildes rasch im Chaos verloren.

Obwohl ich dieses Bild nicht als übermäßig chaotisch bezeichnen würde, enthält es zu viele verschiedene Aspekte und hat kein klar definiertes Zentrum oder Objekt. Es gibt eine Vielzahl von rechteckigen und dreieckigen Formen sowie Linien, die zwar eine tiefe Perspektive erzeugen, unseren Blick jedoch durch das Bild und dann aus dem Rahmen hinaus leiten.

Gelänge es, diese Fotografie zu vereinfachen, würde sie visuell gestärkt. Du hättest eine andere Perspektive probieren oder einen engeren Zoom wählen können, so dass das ablenkende Geländer ausgeschlossen wäre. Eine andere Möglichkeit wäre ein Panorama gewesen, wie Du im Beispiel sehen kannst. Dies hätte die Linien und die Perspektive hervorgehoben, während es einiges vom belanglosen Inhalt entfernt hätte.

Welche Möglichkeit Du auch wählen magst, es ist immer eine gute Idee, zunächst zu versuchen, aus den einfachsten kompositorischen Elementen das Maximum herauszuholen, um dann in weiteren Schritten die Komplexität Deiner Kompositionen zu erhöhen, wenn es angebracht und geplant ist.

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Kommentar des Fotografen:

Das Bild entstand bei einem Shooting im ehemaligen Stahlwerk Brandenburg. Mich reizte der Kontrast und das Zusammenwirken zwischen der groben und interessanten Struktur der industriellen Umgebung und der Verletzlichkeit und Ästhetik des Körpers.

Profi Douglas Abuelo meint zum Bild von Bodo Viebahn:

Robert Kneschke hat in seiner Kritik „Junge Frau in einer Burg“ bereits geschrieben, dass “der Gegensatz junger weiblicher Haut und alten Steingemäuern” schon so oft fotografiert wurde, dass er zum Klischee geworden ist.

Das gleiche könnte über nackte Frauen in verlassenen oder herunter gekommenen Fabrikgebäuden gesagt werden. So viele solcher Fotos wurden bereits gemacht, und nur wenige sind es wert, betrachtet zu werden:

Zu oft scheinen Fotografen die technischen und kompositorischen Grundlagen zu vergessen und die immateriellen Werte zu ignorieren, nur weil eine Frau ihre Kleidung ausgezogen hat.

In diesem Bild ist die Schärfe gut, die Beleuchtung auf dem Körper der Frau ist gelungen und zeigt wahrlich ihre Verletzlichkeit, wenn auch etwas oberflächlich. Die Komposition ist ordentlich, sie folgt grob der Drittelregel. Die immaterielleren Werte jedoch scheinen übersehen worden zu sein, und es gibt ein paar kleine Details, die tatsächlich große Ablenkungen darstellen.

Zum Beispiel die Schläuche, die aus dem Rücken und Kopf der Frau zu kommen scheinen – so etwas sollte normalerweise vermieden werden. Außerdem sind sowohl die Schläuche als auch die Wand auf der rechten Bildseite zu hell, vergleicht man sie mit dem Rest des Fotos. Sie ziehen zu viel Aufmerksamkeit auf sich.

Neben den technischen und kompositorischen Grundlagen sollten die immateriellen Aspekte wie Stimmung, Atmosphäre, Harmonie, Spannung, Geheimnis oder Drama nicht vernachlässigt werden.

Die Kombination des Gesichtsausdrucks und der Art, wie sie ihre Hände auf dem Ventil hält, wirken zu kalt und gestellt. Sie steht definitiv in einer alten Fabrik, das ist offen zu sehen, jedoch gibt es keine klare Beziehung oder Interaktion zwischen ihr und der Umgebung. Sie hätte irgendwie mehr in ihre Umgebung integriert werden müssen. Hier steht einfach eine nackte Frau in einer Fabrik. Und damit endet die Geschichte.

Um ein Foto zu machen, das mehr bedeutet als seinen einfachen Inhalt, muss genauso viel Wert auf die immateriellen Werte gelegt werden, wie auf die technischen und kompositorischen Grundlagen.

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Kommentar des Fotografen:

Das Foto wurde am Gardasee aufgenommen, an einen tollen Sommertag. Im Hindergrund ging langsam die Sonne unter. Der Künstler hat mich so herzlich angelächelt, und da musste ich ihn abknipsen. Das Resultat: Ein Porträt, in dem der Künstler seine Arbeit macht.

Profi Douglas Abuelo meint zum Bild von Ken Wagner:

Die große Zahl an Elementen in diesem Bild machen es visuell komplex, denn die verschiedenen Objekte konkurrieren um Aufmerksamkeit.

Es war eine gute Entscheidung, das Hauptobjekt, den Künstler, als einziges Element scharf abzubilden. Ein scharfes Objekt im Foto während der Rest mehr oder weniger unscharf ist, ist eine Art, um auf einen bestimmten Bildbereich die Aufmerksamkeit zu lenken.

Leider ist dies allein nicht ausreichend, um die Schwäche der Komposition auszugleichen, denn es sind zu viele andere Gesichter, Formen und verschiedene Grautöne durch das Bild verteilt, die das Bild sehr beschäftigt wirken lassen.

Eine bessere Verteilung von Abständen hätte geholfen. Die zwei Zeichnungen direkt über dem Kopf des Künstlers lenken ab und erzeugen ein Ungleichgeweicht im Bild. Du hättest leicht einen besseren Abstand erzeugen können, indem Du etwas weiter nach rechts gegangen wärst und einen Blickwinkel von etwas weiter unten gewählt hättest. So wäre die Zeichnung in der Mitte des Fotos, zwischen dem Künstler, seiner Zeichnung und seinem Objekt.

Dies hätte Ausgewogenheit ins Bild gebracht, die meisten ablenkenden Elemente im Hintergrund entfernt und Linien angedeutet, die den Blick des Betrachters durch das Foto geleitet hätten. Am Auge des Künstlers beginnend, hätte das Dreieck der angedeuteten Linien zur rechten Seite geführt, durch die Augen der beiden Personen in den Zeichnungen, von da hinüber zum jungen Mann und der Zeichnung und schließlich zum intensiven Blick des Künstlers.

Du hast Hier ausserdem die Horizontale an den Bildkanten der auf der Staffelei aufgestellten Bilder ausgerichtet – und deswegen läuft der See nach rechts aus. Wo ein eindeutiger (Wasser-) Horizont ins Spiel kommt, sollten Bilder immer daran ausgerichtet werden – oder so bewusst dagegen, dass die Neigung des Horizonts als Kompositionsteil und nicht als Unachtsamkeit wahrgenommen wird.

Wie Dir jeder Künstler sagen würde: Die kompositorischen Elemente eines Bildes sind normalerweise genau so wichtig wie der Inhalt.

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Kommentar der Fotografin:

Marrakech: alte Bettlerin mit einem Gesicht, das tausende Geschichten vom Leben erzählen könnte… Habe zum erstenmal mein Teleobjektiv benutzt und wollte Vergleiche machen von Farb- und Schwarz-Weiss Portraits und sehen, wann und wie sich ihre Aussage ändert.

Profi Douglas Abuelo meint zum Bild von Petra Jaldon:

Ein überzeugendes Porträt zu machen, bedeutet, die Individualität Deines Objekts hervorzuheben. Wie sehr Du in die Tiefen ihrer Person eintauchst, liegt ganz an Dir.

Ein Anfang wäre, sich auf die stärksten physischen Eigenschaften der Person zu konzentrieren. Ein zweiter Schritt wäre, hinter die Fassade zu gelangen und etwas Tieferes über sie auszusagen.

Um dies zu tun, kannst Du warten, bis Dein Objekt sich wohl und ungezwungen fühlt und seinen Schutzschild ablegt. Auch, wenn dies nur für einen kurzen Moment geschieht.

Eine weitere Möglichkeit wäre, die Person in einer gewohnten Umgebung abzubilden, die etwas über sie aussagt, zum Beispiel zu Hause oder an ihrem Arbeitsplatz.

Welche Variante Du auch wählen magst, das Licht muss vorteilhaft genutzt werden, um die Aufmerksamkeit auf das Objekt zu lenken. Hier hebt das helle Sonnenlicht den Hintergrund und den Schal der Frau hervor. Ihr Gesicht ist jedoch einfach zu dunkel. Du hättest warten können, bis die Sonne ihr ins Gesicht scheint. Mit der richtigen Belichtungszeit hätte die starke Mittagssonne ein Netz von kontrastierenden Schatten und hellen Bereichen auf ihrem Gesicht und ihrer Haut erzeugt.

Ein wichtiger Aspekt der meisten interessanten Porträts sind die Augen. Die Augen werden nicht umsonst als Tor zur Seele bezeichnet. Egal, ob sie direkt in die Kamera starren oder nachdenklich zur Seite sehen, die Augen können sehr viel über die abgebildete Person aussagen. Abgesehen davon können sie es dem Betrachter erleichtern, sich mit dem Objekt zu identifizieren und eine Verbindung herzustellen.

Wie im Beispiel zu sehen, kann Nachbearbeitung viel an schlecht belichteten Bildern verbessern. Was jedoch nicht verändert werden kann, ist der Gesichtsausdruck der Person. In diesem Fall ist es ein unbehaglicher, unschmeichelhafter Ausdruck, der nichts Bedeutsames über die Frau verrät. Egal, welche Art von Fotos Du machst, das wichtigste ist stets, auf den richtigen Moment zu warten. Und das kann auch mal dauern.

Ungeachtet dessen, welches Objektiv Du benutzt, ob Farbe oder Schwarz-Weiß, bei Porträtfotografie ist es wichtig, das Objekt auf eine überzeugende Art zu zeigen, die dem Betrachter verdeutlicht, was die Person zu dem macht, was sie ist.

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Kommentar der Fotografin:

Selbstporträt

Profi Douglas Abuelo meint zum Bild von Adriana Navalesi:

Aus einer weich beleuchteten, verträumt pastellfarbigen Atmosphäre starrt eine junge Frau heraus – direkt in die Kamera und scharf in die Augen des Betrachters.

Ihre Arme sind schützend vor ihrem bloßen Oberkörper verschränkt, ihr Gesichtsausdruck ist mehrdeutig.

Den Objekten im Hintergrund nach, nämlich einem Bett und ein paar verschiedenen Kissen, können wir vermuten, dass sie sich zu haus in ihrem Schlafzimmer befindet. Wir wissen, es handelt sich um ein Selbstporträt, dennoch müssen wir uns fragen: “Was genau will sie uns sagen?”

Die Kombination der Atmosphäre, ihres Gesichtsausdrucks, ihrer Pose, Nacktheit und der Umgebung schafft eine gewisse Unstimmigkeit, die vermuten lässt, dass versteckt hinter der Sicht der Kamera etwas Böswilliges lauert. Dies unterscheidet das Bild von vielen Selbstporträts, die oft nur wenig mehr als eine oberflächliche Ästhetik abbilden. Hier gibt es eine Art von Tiefe, vermutlich Lebenserfahrung, vielleicht sogar quälende Erfahrung.

Obwohl das Ungewisse und die Mehrdeutigkeit dieses Foto interessant machen, hätte ein wenig mehr Klarheit es dem Betrachter einfacher gemacht, zu verstehen, was Du vermitteln wolltest.

So ist schwer zu sagen, ob Du grüblend, wehmütig oder genötigt bist, oder ob Dir einfach kalt ist. Eine kleine Veränderung Deines Gesichtsausdrucks, oder eine dramatischere Weise, Deine Hände und Arme um Deinen Körper zu schlingen, könnte viel vermitteln.

Vielleicht klingt es kleinlich, aber die alltäglichen Muster und Formen auf den Kissen kollidieren mit der verträumten, zeitlosen Atmosphäre. Weniger auffällige, weiße Kissen schienen angemessener.

So, wie es ist, könnte das Foto in einer Werbekampagne oder einem Artikel erscheinen, der sich mit häuslicher Gewalt oder Frauenrechten befasst, wobei die benötigte Klarheit aus dem dazugehörigen Text hervorgehen müsste.

Als ein Selbstporträt würde dieses Bild durchaus von etwas mehr Klarheit in der Aussage und mehr Stimmigkeit in der Atmosphäre profitieren.

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Kommentar des Fotografen:

Dieses Bild entstand als Bestandteil einer Serie “Black & White & Red” für eine geplante Ausstellung.

Profi Douglas Abuelo meint zum Bild von André Czarto:

Beim Fotografieren auf der Straße, wo das Ziel ist, das Zusammenkommen verschiedener Elemente spontan mit einem einzigen Klick des Auslösers festzuhalten, ist es verständlich, wenn es einige unvollkommenhafte Details im Bild gibt.

Gelegentlich kann es vorkommen, dass etwas aus dem Rücken einer Person herausragt oder sich ein oder zwei belanglose Elemente im Bild befinden.

Wenn es sich aber um Studiofotografie handelt, wo alles kontrolliert, arrangiert und wieder und wieder überprüft werden kann, muss das Ziel in einem möglichst perfekten Foto bestehen.

Darum ist es schwer zu verstehen, wenn Unvollkommenheiten in Studiofotos auftauchen:

In diesem Bild beispielsweise scheint die Kante, die sich durch die Unterlippe der Frau biegt, einen Zusammenstoß der Formen zu schaffen. Es sind kleine Details wie dieses, die den entscheidenden Faktor zwischen einem anständigen und einem sehr guten Foto ausmacht.

Hielte die Frau das Glas geringfügig tiefer, wäre das Bild nicht nur visuell ansprechender, sondern durch die dreieckige Form auch ihr Gesicht akzentuiert. Dies hätte ebenso das beabsichtigte umgekehrte Dreieck besser betont, das an ihren Augen beginnt, von dort über ihre linke nach unten zu ihrer anderen Hand verläuft, und dann wieder nach oben zu den Augen.

Die Beleuchtung kommt aus einem schönen Winkel, es gibt jedoch ein paar Bereiche wie das Haar, die Hände und das Glas, die deutlich überbelichtet sind.

Trotz alldem ergibt sich immernoch ein recht gutes Bild.

Nur: Arbeitest Du im Studio, dann lohnt es, sich die Zeit zu nehmen, um akribisch zu arbeiten, Probeaufnahmen zu machen und sie sofort am Rechner zu prüfen.

Bist Du voll zufrieden und alles ist perfekt, dann deklarierst Du die folgenden Aufnahmen als die endgültigen. Achte auf die Details und die Belichtung, und Du bist auf der sicheren Seite.

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Kommentar des Fotografen:

Dieses Bild habe ich mit einer normalem Digitalkamera (Canon PowerShot A1000 IS) in der Makroeinstellung und mir über Belichtung und andere Sachen überhaupt keine Gedanken gemacht, sondern einfach “drauf los fotografiert”. Mir persönlich gefällt das Bild gut, aber ich finde es fehlt ein wenig “der letzte Schliff”. Was hätte man an diesem Bild verbessern können? (Mittlerweile habe ich mir auch eine digitale Spiegelreflexkamera (Canon EOS 1000D mit Sigma DS 18-200 mm Objektiv) zugelegt.)

Profi Douglas Abuelo meint zum Bild von Julia Mallm:

Mir gefällt das Bild gut – und diese Aussage verlangt nach der Frage: Was genau gefällt Dir daran?

Ich persönlich mag es, wie beim so nahen Heranzoomen die Oberflächen zum Vorschein kommen, vor allem vom oberen Stein. Aber ich denke, Du hast recht: Es fehlt am letzten Schliff.

Willst Du Fotos machen, die Dir gefallen und den letzten Schliff haben, solltest Du als erstes genau überlegen, was Dir im Besonderen an Deinem Objekt gefällt, und dann die bestmögliche Art und Weise finden, um diese Aspekte visuell zu interpretieren.

Steine sind an sich nicht sehr aufregend, aber sie können visuell interessant dargestellt werden, wenn Beleuchtung und Komposition stimmen.

Die hauptsächlichen Probleme dieses Fotos sind der Mangel an Ausgewogenheit in der Komposition, der ablenkende Hintergrund, und dass der unterste Stein unscharf ist.

Runde Formen können schwierig sein, denn sie ziehen unseren Blick auf sich, leiten ihn aber normalerweise nicht weiter auf ein Objekt außerhalb ihres Kreises. Fotografiert man runde Objekte, ist es oft hilfreich, das Bild ausgewogen zu halten, indem es in der Mitte platziert wird, oder indem ein weiteres Objekt hinzugefügt wird, und so ein Vektor geschaffen wird, an dem unser Blick entlanggleiten kann.

Obwohl das Licht hier recht hart ist, hat dies auch Vorteile. Sieh, wie es die Beschaffenheit des oberen Steins hervorhebt. Sogar eine Mischung von hartem Licht und Schatten kann effektiv genutzt werden, so wie es hier geschehen ist, um die Aufmerksamkeit auf den einen Stein zu lenken.

Um einen störenden Hintergrund zu vermeiden, kannst Du entweder versuchen, weiter heran zu zoomen, oder ein Stück Papier oder Karton unter und hinter das Objekt zu stellen.

War es die Beschaffenheit und die Formen der Steine, die Dich am meisten ansprachen, dann könntest Du auch versuchen, mit Schwarz-Weiß zu experimentieren, wie im Beispiel. Es ist leichter, sich auf die übrigen Eigenschaften eines Objekts zu konzentrieren, wenn die Farbe entfernt wurde.

Entscheide, was Dich an einem Objekt besonders interessiert und konzentriere Dich darauf. Und dann nutze eine ausgewogene Komposition und interessante Beleuchtung, um ihm den letzten Schliff zu verpassen.

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Kommentar des Fotografen:

Berlin unterm Brandenburger Tor: Streetlife

Profi Douglas Abuelo meint zum Bild von Patrick Therre:

Im Vordergrund befindet sich, fast den schmalen Rahmen füllend, ein junger Mann, der gerade in die Luft springt und dabei mit seinen Füßen ein Skateboard inmitten einer Drehung manövriert.

Eine kurze Belichtungszeit hat die Bewegung scheinbar angehalten, was den Skater in der Luft hängen und das Publikum im Hintergrund in einem Zustand ewiger Erwartung dessen, was als nächstes kommen mag, erstarren lässt.

Das einzige verwischte Detail ist die Hand des jungen Mannes, die sich für die gewählte Belichtungszeit ein wenig zu schnell bewegt hat, um im Bild eingefroren zu werden. Ansonsten ist der Rest des Bildes relativ scharf.

Betrachtet man die Komposition und den Ausschnitt, dann scheint es offensichtlich, dass das Skater das Hauptobjekt des Fotos ist. Der schmale Rahmen in Kombination mit dem Hyperfokus (durchgehende Schärfe, siehe auch Hyperfokale Distanz), lässt das Publikum im Hintergrund jedoch zu präsent erscheinen, sodass es eine zu große Rolle im Bild spielt.

Es gibt drei Optionen, die Du leicht hättest anwenden können, um ein Bild mit stärkerer Aussage zu schaffen.

Die erste Option wäre die Wahl einer geringeren Schärfentiefe gewesen, wie in Beispiel Nr. 1 dargestellt. So schaffst Du eine Distanz zwischen dem Skater und dem Publikum, und es wird deutlich, was Dein beabsichtigtes Objekt wirklich war.

Als zweite Option hättest Du eine geringeren Tiefenschärfe wählen und dabei das Publikum heranzoomen können. Der Skater wäre immer noch im Vordergrund, jedoch nicht scharf, wie im zweiten Beispiel.

So hättest Du einen indirekten Eindruck der Szene geschaffen, indem die Gesichtsausdrücke der Menschen im Publikum gezeigt werden, während im Vordergrund das Hauptobjekt schemenhaft zu erkennen ist und erahnen lässt, was dort zu sehen ist.

Und drittens: War es tatsächlich Deine Absicht, dem Skater und dem Publikum ein gleiches Rollengewicht im Bild zuzuschreiben, wäre ein horizontales Bildformat eine gute Idee gewesen, denn so läge der Fokus weniger auf dem Skater, obwohl er nach wie vor im Zentrum des Bildes zu sehen ist.

Eine klare Entscheidung darüber, was Dein Objekt ist und wo Du den visuellen Schwerpunkt legen willst, kann zu stärkeren und harmonischeren Bildern führen.

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Kommentar des Fotografen:

Das Bild entstand auf dem Alaska Highway in Kanada im Februar 2009. Meine Absicht war, mit Hilfe des Highways den Blick auf die weiss verschneiten Berge im Hintergrund zu lenken.

Profi Douglas Abuelo meint zum Bild von Mirco Widmer:

Vor ein paar Wochen habe ich die Rezension zu einer Art minimalistischem Bild geschrieben, das zwei fast gleich große Bildhälften über und unter der Horizontlinie zeigte. Ich sagte, man solle sich entscheiden, welche der beiden Hälften mehr ins Gewicht fällt, und dass diese Hälfte den größeren Bildanteil einnehmen solle.

In jenem Fall war es wichtig, eine größere Hälfte abzubilden, vorzugsweise im Rahmen der Drittelregel, weil die Komposition zu statisch und ohne Höhepunkt war.

In diesem Bild hier schneidet ebenfalls eine Horizontlinie durch die Mitte des Bildes, aber in diesem Fall erscheint es mit der Komposition konform. Ein großer Unterschied ist, dass in diesem Bild viele Linien den Rahmen durchsetzen, die unseren Blick zum selben Punkt in der Bildmitte führen.

Der Himmel und die Wolken, die Baumlinie, der Schnee, die Straße und zuletzt die Berge im Hintergrund sind alles klare, einzelne Details, die sich nahtlos zu einem symmetrisch ausgewogenen und harmonischen Bild zusammenfügen.

Die prägnanten Linien und die Weite der Szene sind perfekt betont durch das Panoramaformat. Im Gegensatz zu vielen Fotos, in denen Spannung genutzt oder sogar gebraucht wird, um ein interessantes Bild zu schaffen, ist es hier die Harmonie, erzeugt durch die symmetrische Balance, die eine Idee von Natur hervorruft und betont.

Schwarz-Weiß war hier wegen der nahezu voll ausgeschöpften Tonwertskala eine gute Wahl, so betont und trennt auch die schwarze Linie der Bäume die Grau- und Weißtöne darüber und darunter. Die monochrome Einfachheit gibt der Szene etwas Majetätisches.

Ein wenig mehr Kontrast, wie im Beispiel gezeigt, würde dem Foto das gewisse Etwas geben, auch wenn dadurch die bewölkte Stimmung verändert wäre. Aber das liegt an Dir und Deinem persönlichen Geschmack.

Wie auch immer Deine Entscheidung ausfallen mag, es ist ein gelungenes Foto.

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Kommentar des Fotografen:

Ein Sonntagsspaziergang im März. Eigentlich ein langweiliges Bild… aber mich hat das seltsame flache allgegenwärtige Nachmittagslicht fasziniert. Und soweit möglich, konnte ich die ruhige Stimmung glaube ich auch festhalten. Wollte mal wissen, ob die Stimmung auch transportiert wird?

Profi Douglas Abuelo meint zum Bild von Thomas Fischer:

Von diesem Foto wendet man sich allzu schnell ab. Es gibt hier nichts Sensationelles oder Außergewöhnliches zu sehen. Obwohl es eine gewöhnliche Szene abbildet, vermittelt es eine Art atmosphärische Banalität. Dabei steckt einiges drin:

So wie die Komposition arrangiert ist, gibt es verschiedene Formen, die unseren Blick durch das Bild leiten. Das hervorstechendste Merkmal ist der gewundene Fluss, den der Fotograf an genau dem rechten Ort im Bild platziert hat. So wird unser Blick vom Fluss und den anderen Objekten, die seiner Windung folgen, z.B. den Bäumen und dem Weg, von der unteren linken Bildecke bis in die Mitte geführt. Von hier leiten uns die Strommasten und die Linie der Berge weiter durch das Bild. Es entsteht eine Tiefe, die noch dadurch verstärkt wird, dass der Vordergrund scharf, und der Hintergrund leicht unscharf gehalten ist.

Dieses Bild scheint eine gute visuelle Repräsentation dessen zu sein, wie der Fotograf den Zeitpunkt der Aufnahme erlebte: ein Sonntagsspaziergang an einem feuchten, kalten Wintertag. Langweilig, trübe oder belanglos, das Ambiente ist klar.

Ebenso interessant ist die Mischung von domestizierter Natur, Strommasten und Häusern.

Mit ein paar kleinen Veränderungen könnte ich mir vorstellen, dass dieses Bild für Werbezwecke oder eine Broschüre verwendet wird. Es gibt vieles, auf was eine solche Szene anspielen kann.

Eine Veränderung, die gemacht werden könnte, betrifft die Farben. Du könntest einfach die Farben ein wenig klären, wie in Beispiel Nr.1, oder ein wenig Stimmung erzeugen, z.B. mit Sepia wie in Beispiel Nr.2.

Obwohl Dein Bild vermutlich keinen Wettbewerb gewinnen wird, und unabhängig davon, für welche Farbveränderung Du Dich entscheidest, hat Dein Foto doch viel zu sagen.

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Kommentar des Fotografen:

Ein Sonnenuntergang auf dem Land, erste Versuche, frei Hand

Profi Douglas Abuelo meint zum Bild von Chris Wallnitz:

Ein leuchtend roter Sonnenuntergang füllt die obere Bildhälfte, während die untere von einem alles schluckenden Meer von schwarz bedeckt wird. Die beiden fast gleich großen Hälften werden von einer leicht gebogenen, nach oben strebenden Linie unterbrochen.

Leider ergeben die beiden gegensätzlichen Hälften kein überzeugendes Ganzes.

Obwohl kompositorische Regeln und Richtlinien nicht in Stein gemeißelt sind, kann eine Auflehnung gegen sie recht kontraproduktiv sein. Dieses Beispiel wäre bei weitem interessanter, wenn wenigstens eine der beiden folgenden Kompositionsregeln angewendet worden wären.

Die erste Regel ist, es zu vermeiden, Dein Bild in zwei gleiche Hälften zu zerteilen, indem Du die Horizontllinie genau in der Mitte des Bildes verlaufen lässt. Entscheide Dich, welcher Teil der Szene wichtiger ist, und räume ihm einen größeren Bereich der Komposition ein. Meiner Meinung nach sollte der Himmel mehr Raum einnehmen, aber wie man an den Beispielen sieht, ist jede der beiden Optionen weitaus dramatischer als die zwei gleich großen Hälften.

Dies bringt uns zur Regel Nummer zwei, die besagt, dass Objekte im Bild entweder entlang der Linien oder an den Kreuzungspunkten des Goldenen Schnitts positioniert werden sollten.

In den Beispielen können wir klar erkennen, wie diese Regeln kompositorische Struktur und Drama dem Bild hinzufügen. Denk jedoch daran, dass Du Dich nicht immer an solche Regeln halten musst, um ein interessantes Bild zu erzeugen. Beispiel Nummer zwei ist auch ein starkes Foto, obwohl es nicht genau der Drittel-Regel entspricht.

Du solltest immer nach der bestmögliche Komposition streben, wenn Du Fotos machst. Sollte dies jedoch nicht möglich sein, gibt es immernoch die Möglichkeit, Dein Bild in der digitalen Dunkelkammer zu schneiden und in Form zu bringen. Aus diesem Grund solltest Du stets die höchtmögliche Bildqualität Deiner Kamera nutzen.

Kennst Du Dich erst einmal mit den grundlegenden Kompositionsregeln aus, wirst Du imstande sein, zu entscheiden, ob das Auflehnen gegen die Regeln zu einem überzeugenden Ganzen führt.

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Kommentar des Fotografen:

“Überlebenskünstler” Das Foto dokumentiert einen Mann in Paris (Gare Montparnasse), welcher mit viel Einfallsreichtum versucht, ein wenig Geld zu verdienen: “Eine kleine Spende für einen Künstler” Das Bild zeigt das Aufeinandertreffen zweier verschiedenster Menschen unserer leider doch sehr gespaltenen und ignoranten Gesellschaft. Das Bild wurde in Farbe fotografiert und mit Photoshop in SW umgewandelt. Zur Verstärkung der Bildwirkung und der Gegensätze wurde es zusätzlich beschnitten.

Profi Douglas Abuelo meint zum Bild von Michael Grein:

Einst sagte mir ein Fotograf, dass nur Fotografen, die nicht die Fertigkeit besäßen, eine interessante Komposition im Bild zu schaffen, ihre Objekte mit dem Bildrand abschnitten.

Eine interessante Meinung, die leicht widerlegt werden kann:

Wenn man sich die Arbeiten von Eugene Richards oder James Nachtwey ansieht. Beide Fotografen nutzen diese Technik häufig – aber sie haben normalerweise gute Gründe dafür.

Sie nutzen sie, um ein Element des Fotos zu betonen, wie zum Beispiel die Augen oder Hände einer Person, um der Komposition Ausgewogenheit zu geben, um die Botschaft klarer zu machen, die sie vermitteln wollen, oder, um den Blick des Betrachters durch das Bild zu leiten. Beide sind äußerst kompetente Fotografen, die wissen, dass jedes kompositorische Detail nur benutzt werden sollte, wenn es dafür einen bestimmten Grund gibt, und die Aussage des Fotos dadurch gestärkt wird.

In diesem Foto gibt es zwei Fälle, in denen Menschen vom Bildrand abgeschnitten sind, in einem Fall ist es teilweise akzeptabel, im anderen nicht.

Die vielen verschiedenen Elemente in diesem Bild ergeben eine interessante Dynamik. Das helle Licht auf der Linken, besonders auf dem Gesicht des Mannes, lenkt unsere Aufmerksamkeit auf sich. Von dort werden unsere Augen über den gekrümmten Rücken des Mannes, seinen ausgestreckten Arm, die Formen des weißen Kartons und des Metallkreises, sowie die Linien der Schatten, die sich über das Bild erstrecken, bis zur rechten Bildseite gelenkt, wo sich die untere Hälfte einer schattenhaften Figur abzeichnet.

Die obere Hälfte der Frau abzuschneiden war eine gute Idee. Es gibt dem Bild etwas Mysteriöses und Bedrohliches. Aber ich sehe keinen guten Grund dafür, dass auch der Mann so abgeschnitten ist. Es lässt das Bild künstlich steif erscheinen. Ein weiterer Winkel würde uns einen klareren Eindruck von ihm und seiner Umgebung vermitteln und zugleich die Krümmung seines Rückens betonen, die nicht nur unseren Blick nach rechts weist, sondern auch symbolische Konnotationen besitzt.

Mit einem weiteren Winkel würde wir ebenfalls den Rest der unteren Körperhälfte der Frau sehen können, was sie noch imposanter machen würde. Dies würde der Komposition auch Ausgewogenheit geben und die Botschaft verstärken, die Du vermitteln wolltest.

Welches kompositorische Mittel Du auch immer anwendest, versuch Dich zu vergewissern, weshalb Du es tust.

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Kommentar der Fotografin:

Das Kletterparadies im Landschaftspark Duisburg. War interessant Ihnen zuzuschauen. Ich bin unsicher, ob an diesem Bild etwas fehlt, was die Bildaussage unterstützt… etwas mehr Klettermauer?

Profi Douglas Abuelo meint zum Bild von Rose – Marie Pawlitte:

Aus dem Hintergrund ragt ein altes Fabrikgebäude oder eine große Maschine weit über drei junge Männer, die in verschiedenen Körperhaltungen auf einer dicken Steinwand stehen.

Obwohl wir nicht viel von ihrer Umgebung sehen können, sagen uns ihre Helme und ihre Ausrüstung, dass sie klettern.

Einer von ihnen hockt, als wolle er gleich einen Schritt aus dem Bild heraus wagen. Er hält sich fest an einem Seil, das von außen in das Bild herein ragt.

Weil wir nicht sicher wissen, was den jungen Mann erwartet, wenn er diesen Schritt macht, gibt es ein gewisses Maß an Unvorhersehbarkeit im Bild. Aber abgesehen vom Hintergrund mangelt es ihm an Tiefe, was die Aufnahme zu einem simplen, ruhigen Foto von drei kletternden Männern macht.

In praktisch jedem großartigen Foto gibt es mehr als eine Dimension. Es beinhaltet etwas, das über das Hauptobjekt hinaus geht und den Betrachter zum Nachdenken anregt und neugierig macht.

Hättest Du zu Beispiel ein wenig ausgezoomt und so mehr vom Hintergrund eingefangen, dann würde der Maßstab deutlich werden, in dem sich die Männer befinden, was in solchen Situationen bildwirksam sein kann. So kann zum Beispiel gezeigt werden, wie klein Menschen sind, wenn sie mit Maschinen oder der Natur in Kontrast gestellt werden. Das hätte dem Bild Tiefe gegeben und ihm Spannung verliehen.

Abhängig davon, was den hockenden jungen Mann jenseits des Bildrands erwartet, hätte mit dem Zeigen von mehr Umgebung auch die Unsicherheit oder Gefahr der Situation deutlich werden können. Zeig uns doch die Gefahr, zeig uns, weshalb er sich so fest am Seil festhält!

Sieh Dir Simon Norfolks Serie an, mit der er einen World Press Photo Preis gewonnen hat: Sie gibt Dir einen Eindruck davon, was ein Maßstab in Deinen Fotos bewirken kann.

Ein Merkmal, das Dein Bild mit Norfolks erstem Foto gemeinsam hat, ist der unscharfe Hintergrund – sehr effektiv in solchen Szenen.

Maßstab, Geheimnis, das Unbekannte, Muster, Beleuchtung: was immer Du willst, such Dir etwas davon für mehr Tiefe und eine zweite Dimension.

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Kommentar des Fotografen:

Entstanden im Skulpturenpark in Köln, zeigt das Foto den Zaundurchblick auf die Skulptur “Herbert-Bayer-Zigarettenkiosk/Atomskulptur” von Torsten Slama. Auf gestalterischer und motivischer Ebene wird das Spannungsfeld zwischen Natur und Zivilisation thematisiert. Die Äste und Blätter (Natur) bilden mit den Zaun (Zivilisation) die obere Bildebene, die es zu durchdringen gilt. Dahinter wird das Thema gestalterisch durch die kontrastreichen Farbflächen aufgegriffen. Der Gorilla – synonym für das Wilde, Triebhafte – steht er für die bedrohlich Natur, vor der wir uns zu schützen versuchen, oder die Gefahren des ungezügelten Fortschritts?

Profi Douglas Abuelo meint zum Bild von Horst Mumper:

Satt gefärbte Äste und Blätter schlängeln sich in knotigen Mustern und fließenden Formen aus der Dunkelheit heraus. Im Kontrast zu den natürlichen Formen der Äste und Blätter ist der Zaun, durch den wir spähen, aus perfekt proportionierten horizontalen und vertikalen Linien gemacht und erstreckt sich über das gesamte Bild.

Die Blätter und Äste schlängeln sich um das Bild herum, um eine Art Halbkreis in der Mitte freizugeben, durch den wir farbige Formen und den Rücken eines Gorillas sehen.

Auf der linken Seite des Bildes sind die Äste und Blätter, die durch den Zaun gucken scharf abgebildet. Der Rest jedoch, so auch der Gorilla im Hintergrund, ist unscharf.

Die Schärfe und relative Helligkeit auf der linken Seite stehen im Kontrast zu den bunten Formen im Hintergrund, die unscharf sind. Das Resultat ist, dass unklar wird, wohin man sehen soll, oder was eigentlich das Hauptobjekt sein sollte.

Da es Deine Absicht war, die beiden Szenen einander gegenüber zu stellen, wäre Hyperfokus vielleicht die bessere Wahl gewesen. So wäre alles absolut scharf gewesen, und es hätte den Vergleich beider Szenen und das Wandern des Blicks erleichtert.

Fotografiert man mit geringer Tiefenschärfe, dann üblicherweise just, um das Hauptobjekt scharf abzubilden und alle Objekte drum herum, in diesem Fall die Blätter, als nebenmotiv zu deklarieren. So wird die Aufmerksamkeit des Betrachters fokussiert, und er muss sich nicht fragen, wohin er sehen soll.

So wie sich das Foto zeigt, ist es eine Abstraktion. Abstraktion hat durchaus ihren Platz in der Fotografie, aber im Fall solcher visuellen Vergleiche wäre Deine Botschaft mithilfe der Klarheit des Hyperfokus stärker transportiert.

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Kommentar des Fotografen:

Hierbei handelt es sich um das Bundesverwaltungsgericht in Leipzig. Ich wollte die Lichtstimmung die durch vorbeifahrende Autos, die blauen Lichtsäulen und dem Mond, der genau über dem Gebäude stand festhalten.

Profi Douglas Abuelo meint zum Bild von Möller Sebastian:

Lichtlinien, -streifen und –punkte ziehen unseren Blick in ein Meer von Dunkelheit. Abgesehen von den Lichtern ist im tiefen Schatten nicht viel zu erkennen:

Um mehr Details heraus zu bringen, hättest Du eine längere Belichtungszeit wählen können, oder Du könntest das Bild aufhellen, indem Du ein Bildbearbeitungsprogramm benutzt, wie im Beispiel gezeigt. Jedoch führen beide Optionen zu einer noch größeren Überbelichtung der hellen Bereiche als im Original.

In solchen Situationen korrekt belichtete Fotos zu machen kann schwierig sein. Leider gibt es momentan noch keine digitale Kamera oder Film, der über einen Dynamikumfang verfügt, der zugleich die Details in solch dunklen Schatten sowie die hellen Bereiche einfängt. Abhängig von Deiner Belichtung wirst Du entweder Details in den hellen oder den dunklen Bereichen einbüßen. Oder, wie hier, sogar in beiden.

— Textanzeige — Ihr kennt die Legende von der Sekretärin, die einen Tippfehler mit Tipp-Ex auf dem Computerbildschirm bearbeiten wollte? Zehn wahre, aber nicht weniger lustige IT-Geschichten gibt es bei » 25jahre.klubschule.ch!

High Dynamic Range (HDR) ist in solchen Fällen eine gute Option. HDR erzeugt ein Foto mit der vollen Bandbreite von Tonwerten, indem es eine Serie von drei oder mehr Bildern – inzwischen auch per High-Speed-HDR aus der Hand geschossen – kombiniert, die jeweils unter, über und genau auf dem durchschnittlich korrekten Belichtungswert liegen. Viele Bildbearbeitungsprogramme haben eine HDR-Option, außerdem gibt es spezielle HDR-Programme wie Photomatix.

HDR hätte in diesem Bild zwar das Kontrastproblem gelindert, war Dein Hauptanliegen jedoch, das Bundesverwaltungsgericht und die Lichtstimmung zu fotografieren, wäre ein anderer Blickwinkel effektiver gewesen. Die Komposition ist ausgewogen, aber sie zwängt das Bundesverwaltungsgericht zu sehr an den Rand und setzt zu vieles zwischen den Betrachter und das Objekt. Der Kanal und der Himmel beispielsweise füllen einen übergroßen Prozentsatz des Bildes.

Vielleicht ist weniger mehr – weniger Kontrast und Wirrwarr zugunsten eines detaillierteren und klareren Objekts.

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Kommentar des Fotografen:

Mit einem fuji 1600 mit absicht, weil ich extremes korn liebe. belichtungsdaten weiss ich nicht mehr. eine szene in kuba

Profi Douglas Abuelo meint zum Bild von Thomas Wyler:

Wenn wir auf Reisen sind, und wir auf scheinbar archetypische, intime Szenen stoßen, so hoffen wir, mit einem Foto ein kleines Stückchen davon mit nach hause nehmen zu können.

Wonach wir dann, besonders im Fall von doku-artiger Fotografie, streben sollten, ist, so nah wie möglich an der Atmosphäre der jeweiligen Szene zu bleiben.

Das bedeutet: Die Art, wie du fotografierst, sollte einerseits genau auf den spezifischen Elementen der Szene basieren, sowie darauf, was für eine Szene du fotografierst. Wenn du beispielsweise Karneval in Rio fotografierst, könntest du gut eine lange Belichtungszeit wählen und deine Kamera den Bewegungen der Tänzer folgen lassen, um diese einzufangen. Fotografierst Du andererseits eine ruhige Szene in Macchu Picchu, wäre dasselbe Verfahren eher unangebracht.

Sehen wir dieses Bild einer einfachen Alltagsszene, können wir uns vorstellen, weshalb es die Aufmerksamkeit des Fotografen auf sich zog. Abgesehen davon, dass die Einheimischen einen Drink nehmen, sind die Linien und Formen interessant, die uns weiter in das Bild hinein ziehen und eine Tiefe erzeugen, die der linearen Perspektive eines Renaissancegemäldes gleicht.

Solch klassischen, dokumentarartigen Szenen werden oft durch eine gradlinige, saubere Komposition gestärkt. Nehmen wir all die Linien und Muster, die uns hier durch das Bild ziehen, in Betracht, wäre genau das hier der Fall, wenn das Bild nicht durch die Verwendung eines Weitwinkelobjektivs verzerrt wäre.

Ein etwas anderer Blickwinkel und eine üblichere Brennweite, etwa 50mm, hätte besser funktioniert. Obwohl das von mir bearbeitete Bild nicht vollständig wiedergibt, wie es hätte sein können, zeigt es doch die visuelle Stärke der begradigten, sich verflüchtigenden Linien.

Jeder Ort, den wir besuchen und fotografieren, hat seine eigene Atmosphäre und seinen eigenen Charakter.

Diese präzise mit einer Kamera einzufangen erfordert Sensibilität kombiniert mit technischer und kompositorischer Anpassungsfähigkeit.

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Kommentar des Fotografen:

Auf vielfachen Wunsch ein weiteres Portrait meiner Freundin… ;-) Ich bin mit dem Bild nicht 100% zufrieden und mir einiger kleiner Fehler auch bewusst. Trotz alledem würde mich Eure fundierte Kritik sehr interessieren!

Profi Douglas Abuelo meint zum Bild von S.F.:

Seitdem viele Leute hochqualitative Digitalkameras mit manuellen Einstellungen nutzen, werden häufig Effekte angewendet, die einst für den Amateur unerreichbar schienen. Der manuellen Modus hat es hier ermöglicht, dass die Sonne einen Überbelichteten Kaleidoskopeffekt schafft, während der Blitz das Gesicht der Person belichtet und so das starke Gegenlicht kompensiert.

In solchen Lichtverhältnissen werden Kameras, die auf Automatik eingestellt sind, oft das Objekt unterbelichten.

Der manuelle Modus erlaubt einem, den Belichtungsmesser zu überlisten, wenn er angibt, das Foto sei unter- oder überbelichtet. So kannst Du anstatt der Kamera entscheiden, wie Dein Foto aussehen wird.

Während der Effekt der Sonne und des Blitzes hier ein gutes Ergebnis liefern, sind andere Dinge im Bild nicht von gleicher Stärke. Das Haar der Frau, das ihr ins Gesicht weht, fügt einen schönen Aspekt hinzu, die paar Strähnen, die in ihrem Mund enden, sind jedoch ablenkend und schwächen die Stimmung des Bildes.

Zweitens passt ihr Gesichtsausdruck stilistisch nicht zur Beleuchtung oder zum Setting. Diese Art Belichtung repräsentiert für mich hier Frische, Reinheit und vielleicht Unabhängigkeit. Ihr Ausdruck scheint hingegen fragend, misstrauisch und unsicher.

Sicherlich sind dies kleine Details, sie machen aber einen himmelweiten Unterschied. Es sind all diese Dinge, die zusammen ein gutes Foto ausmachen. Jeder Fotograf, ob Amateur oder Professioneller, kämpft darum, dies zu erreichen.

Um ein eindrucksvolles Beispiel zu sehen, sieh Dir dieses grossartige Guardian Video über die Fotografin Jane Brown an

Ihre fünf Fotos von Samuel Beckett sind fast identisch. Aber die winzigen Unterschiede in seinen Gesichtsausdrücken, und die kleinen Veränderungen in der Komposition machen das mittlere Bild zum ausdruckstärksten.

Es scheint, Du hast den manuellen Modus und die Beleuchtung schon gut drauf, jetzt ist es an der Zeit, alles zusammenzufügen.

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