Kommentar des Fotografen:

Zu sehen hier ein Küstenatreifen meiner Heimat auf Mallorca. Ich versuche mich mit der Technik des HDR und erhoffe mir Tips. Was ist zu viel und worauf sollte ich achten. Vielen Dank :)es war grau und diesig.

Peter Sennhauser meint zum Bild von André Bax:

Eine mediterrane Küstenlandschaft zieht sich in dieser Farbfotografie hinter einem felsigen Vordergrund von rechts unten nach links in die Bildmitte.

Landschaften dürfen eines nicht in der Fotografie: flach wirken. Das tut dieser Küstenabschnitt auf Mallorca jedenfalls nicht: Du hast die Bucht hinter den Felsen im Vordergrund und einem Mittelgrund platziert, dahinter zieht sich eine Landzunge ins Bild hinaus und darüber hängt ein spannend bewölkter Himmel. Alle Elemente für eine gute Landschaftsaufnahme sind vorhanden, und die Räumlichkeit gewinnt durch den diagonalen Aufbau der Bucht in die dritte Dimension.

Auf den ersten Blick fehlt mir ein Blickfang im Vordergrund, aber Du hast versucht, mit dem kargen Bewuchs links unten etwas hinzukriegen, was uns ins Bild hineinzieht. Manchmal muss man auskommen mit dem, was man hat. Ein etwas stärkeres Element wäre wünschbar, aber das Bild funktioniert auch so.

Was ich nicht verstehe, ist dein Hinweis auf HDR – das hier ist doch ein Einzelbild, das durchaus im Rahmen der vorhandenen Tonwerte gestaltet wurde und sehr klar wirkt – jedenfalls auf den ersten Blick. Ein klassisches HDR aus mehreren Bildern drängt sich hier bei den gezeigten Lichtverhältnissen und den weichen Schatten keineswegs auf; ich würde davon ausgehen, dass Du am RAW-File der Fotografie mit Nachbelichtungen gearbeitet hast.

Bei genauem Hinsehen sind aber starke Unregelmässigkeiten namentlich in der Bewaldung und an der nach links (Osten?) gewandten Steilküste zu erkennen. Sie ist der Sonne abgewandt und müsste – auch im Vergleich zum darunter liegenden, sehr dunklen Wasser – deutlich schattiger sein. Ich finde solche Eingriffe meistens besser als HDR-Kombinationen mit ihren typischen Säumen und Überzeichnungen. Man sollte aber sehr zurückhaltend sein und der Versuchung widerstehen, immer noch ein bisschen mehr draufzuhauen. Inzwischen sehen auch Laien genau, was passiert ist und wie stark ein Bild bearbeitet wurde.

Ich habe solche Bearbeitungen lange punktuell mit Lightroom und dem lokalen Pinselwerkzeug zur Maskierung bewerkstelligt. Inzwischen habe ich mir die Nik-Suite mit Programmen wie Viveza angeschafft, die für bestimmte Schattenwerte mit ihrem hervorragenden Auswahl-Kreistool gleichmässigere Bearbeitungen mit unsichtbaren Verläufen erlaubt.

Ein Wort noch zur Komposition: Schade ist, dass die Bucht sich nach links nicht wirklich hin zur See öffnen kann, weil Du den Felsen,d er in der Ausfahrt liegt, ein bisschen zu knapp auf beide Seiten gestellt hast. Ein Schritt nach rechts hätte dem wahrscheinlich abgeholfen.

Ausserdem dünkt mich der Horizont entweder durch den 20mm-Weitwinkel verzerrt oder nach links gekippt, und schliesslich hätte ich ihn eindeutig aus der horizontalen Mitte des Bildes herausbewegt.

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Kommentar des Fotografen:

Hallo zusammen, ich habe dieses Bild in Oregon/USA in der Nähe der bekannten Painted Hills aufgemommen. Canon EOS 500D mit Blende20 1/60sec. ISO 100. Bitte um konstruktive Kritik zur Verbesserung meiner Fähigkeiten. Vielen Dank.

Peter Sennhauser meint zum Bild von Karlheinz Hummel:

Ein Feld mit Heuballen vor einem Hügelzug mit trockenem Gras und einigen Büschen ist in dieser Farbaufnahme zu sehen.

Die Bildbeschreibung macht es schon deutlich:

Viel hat diese Aufnahme inhaltlich nicht zu bieten, und dennoch gibt es ein paar Dinge dazu zu sagen.

Wer die Landschaft westlich der Sierra Nevada kennt (Kalifornien, Oregon), wird sie in diesem Bild sofort erkennen. Farben und Licht sind an der US-Pazifikküste einzigartig und eindeutig; weil es sommers praktisch nicht regnet, sind die Hügel des Graslandes in dieser Jahreszeit braun bis goldgelb und die Bäume grün, im Winter, der eine Art Regenzeit ist, kehrt sich das Farbverhältnis um, die Büsche und Bäume wirken heller als das satte Grün des Graslandes.

Du hast hier eine Landschaft im Sommer abgebildet, die allerdings von etwas anderem lebt als vom Gegensatz zwischen Bäumen und Grasland. Es sind die Formen der Heuballen, die rechteckig und kantig, im abendlichen Licht mit klaren Schatten abgehoben, zu den weichen Kanten der Hügel kontrastieren.

das ist eigentlich ganz passend und verhilft dem Bild zu einem Blickfang. Darüber hinaus aber bietet das Bild, wie eingangs erwähnt, nicht genug, um den Blick länger zu fesseln.

Dabei hast Du in den Ansätzen alles richtig gemacht: Du hast eine Bildaufteilung gewählt, die nicht zu mittig ist, einen Vordergrund gesucht und für eine ungleichmässige Verteilung der Heuballen im Bild gesorgt.

Das reicht aber hier noch immer nicht. Die Aufnahme wirkt flach und zweidimensional und hat wenig, was zum Verweilen einlädt.

Das liegt zum einen am Motiv selber, das nun mal nichts direkt Spannendes bietet, am gleichmässigen blauen (in den Augen vieler Landschaftsfotografen “dreckigen”, weil unbefleckten) Himmel, der zu grossen Distanz zu den Heuballen, die so keinen echten Vordergrund bilden, und an den Farben, die im goldenen Abendlicht völlig verblassen.

Du hättest, um das gleiche Bilder spannender zu gestalten, nah an eine der Heuballen herangehen und sie stark in den Vordergrund bewegen können; ausserdem mit einem etwas erhöhten Standort (auf einer Heuballe) für mehr Perspektive und damit mehr Tiefe im Vordergrund des Heufeldes sorgen können. Vor allem aber hätte es sich wahrscheinlich gelohnt, auf die ersten fünf, zehn Minuten nach Sonnenuntergang zu warten. Diese kurze Zeit verwandelt meiner Erfahrung nach die langweiligste Landschaft im US-Westen in eine pastellene Farbenpracht voller Variationen.

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Kommentar des Fotografen:

der traurige clown und ein wundervolles, altes, geschwungenes fenster…ein schöne, wenn auch abstrakte kombination..das bild kam aus dem bauch, deshalb fehlen mir die worte zur erklärung…

Peter Sennhauser meint zum Bild von heike brauer:

Ein Mann mit Clown-Maske und traurigem Gesicht sitzt, die Beine weit vor sich gespreizt, mit dem Rücken am Sims zu einem grossen, geschwungenen Panorama-Fenster auf einem Plattenboden. Das einzige Licht in der Schwarz-Weiss-Aufnahme scheint durch das geschwungene, dem Mund des Clowns gleichende und in viele Quadrate aufgeteilte alte Fenster in den leeren Raum zu fallen. Draussen gleissen verschneite Bäume.

Was Formen, Linien, Lichtstimmung und Komposition angeht, ist diese Aufnahme insgesamt sehr stimmig:

Der grosse, alte, verlassene Raum, das ebenso grosse, einzigartig geformte alte Fenster korrespondieren mit der Melancholie des am Boden sitzenden Clowns. Die Aufnahme strahlt eine starke Stimmung aus, ohne einen eindeutigen Sinn zu ergeben, wobei die einzelnen Elemente, so simpel sie sind, jedes für sich bereits zu faszinieren vermag.

Allein der Lichteinfall durch das Fenster, seine Form und die Flut an Licht auf dem seltsamen, gefliesten Boden mit vereinzelten Laubblättern ist eine Fotografie wert. Der Clown ist für meine Begriffe etwas zu viel des Guten, aber das ist reine Geschmackssache: Dass ein Mensch in dieser Komposition vorhanden ist, wertet die Fotografie zum Bild auf, dem ein Konzept zu Grunde liegt.

Technisch ist das Bild sehr schön umgesetzt, indem Du eine Überstrahlung des Fensters vermieden und dennoch – ich schätze mit sorgfältiger Nachbearbeitung – auf dem Clown die richtigen Akzente gesetzt, das Gesicht aufgehellt und für Spitzlichter auf den Beinen gesorgt hast.

Was mich allerdings ganz enorm stört, ist das Gerüst oder Regal, das am linken Bildrand noch zu sehen und dabei recht gut beleuchtet ist. Den Ausschnitt der Fotografie enger zu wählen hätte hier kaum geklappt, aber wenn sich das Objekt nicht aus dem Raum schieben liess, hätte ich es jedenfalls aus dem Bild herausgeklont. Das ist zwar ein ziemlich massiver Eingriff, aber erstens wäre er hier technisch einfach zu bewerkstelligen gewesen und zweitens verdient die ansonsten sehr flächige, stimmige Komposition diese Liebesmüh’.

Zumal das Laub oder der Mörtel, der auf dem Boden vor allem rechts des Clowns auszumachen ist, genügend Störung in die ansonsten sehr starke Symmetrie einbringt.

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Kommentar des Fotografen:

Das Foto ist bei einem Beachvolleyball-Turnier entstanden, bei dem Bekannte von mir teilgenommen haben. Mein Ziel war hauptsächlich, zu üben und für besagte Freunde schöne Fotos zu schießen. Eigentlich hätte ich es gerne als “Sportfoto” eingeordnet, da es diese Kategorie aber nicht gibt, scheint mit “Portrait” am passendsten, obwohl es kein Gesicht zeigt. Besonders gefällt mir daran, dass es (aus meiner Sicht) die Gedanken des Spielers in blau quasi aufdrängt, der gerade die Gegenspielerin sieht, die gerade noch den Ball bekommt, während er noch außerhalb des Felds im Sand sitzt: “Verdammt”. Es ärgert mich etwas, dass ich es nicht geschafft habe, den Spieler weiter rechts anzuordnen, was das Bild aus meiner Sicht deutlich verbessert hätte.

Peter Sennhauser meint zum Bild von Robert Hoof:

Ein Mann in Sportkleidung sitzt im Sand in diesem Farbbild und blickt von der Kamera weg. Über seine linke Schulter ist im Hintergrund in der Unschärfe eine Frau zu sehen, die auf den Knien in typischer Volleyball-Haltung einen Ball annimmt.

Dieses Bild hat eine ganze Reihe von Problemen. Das wichtigste ist, dass Du etwas zu zeigen versuchst, was man nicht sehen kann – die Gedanken des Spielers im Vordergrund. Denn um auf die Aussage zu kommen, die Du ihm zudenkst, muss ich als Betrachter eine ganze Reihe weiterer Fakten kennen, die im Bild nicht zu sehen sind:

Erstens weiss ich nicht, dass er der Gegner der Frau im Hintergrund ist. Er könnte auch ein Zuschauer sein oder gar ihr Partner; weil ausser einer Linie nichts vom Spielfeld zu sehen ist, kann ich seine Position nicht einordnen. Ganz zu schweigen von dem, was er vielleicht denkt, es wird für den Betrachter und die Betrachterin vollkommen intransparent – wir sehen ja nicht einmal sein Gesicht, aus dessen Ausdruck vielleicht noch eine Aussage ableitbar wäre.

Aber soweit kommeich als unvoreingenommener Betrachter des Bildes gar nicht. Vorher verwirrt mich nämlich der Umstand, dass in Deinem Bild die sportliche Action wohl enthalten, aber nicht in der Schärfe ist. An einem Volleyballturnier verfolgen wir normalerweise den Ball und konzentrieren uns als Beobachter auf das, was die Spieler damit tun – darum dreht sich schliesslich alles. Du schiebst die Action, obwohl Du sie sauber im Bild hast, in den Hintergrund und betonst damit etwas anderes.

Das kann durchaus angebracht sein, wenn das “andere” spannend ist und eindeutig den starken Akzent auf die Bildaussage setzt. Hier könnte das die deutlich im Gesicht des Mannes erkennbare Enttäuschung sein – wenn sie, zusammen mit ein paar weiteren Andeutungen zu seiner Involviertheit im Spiel, in der Komposition deutlich sichtbar wäre. Umgekehrt, das heisst mit dem Fokus auf dem Ball und einem unscharfen, geschlagenen Gegner im Vordergrund, hätte die geplante Bildaussage vielleicht noch geklappt, den Akzent aber auf dem Wesentlichen – dem Ball – belassen. Den geschlagenen Gegner in der Komposition zu haben, lässt dem Betrachter den Spielraum, sich die Geschichte im Kopf bereit zu legen.

So aber liegt der Fokus auf einem nicht sehr gut im Bildausschnitt platzierten Mann/Schiedsrichter/Zuschauer/Spieler, dessen Hände und Füsse abgeschnitten sind und bei dem die Bildbetrachterin nach dem Grund sucht, weshalb er in der Schärfe liegt, und keinen finden kann.

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Kommentar des Fotografen:

Durchs Fenster im Luidpoldpavilion in Neustadt a.d. Aisch fotografiert – im Sommer ein Jugendtreff im Winter eingemottet und verschlossen. Leider (oder zufällig) war das Fenstergitter eng und weit weg von der Scheibe und es kam die faszinierende Spiegelung zum Vorschein. Es erscheint so, als wäre man weder drinnen noch draußen. – Keine Montage

Peter Sennhauser meint zum Bild von Erich Werner:

Wir blicken in dieser Farbfotografie von aussen in einen Gartenpavillon, vielleicht aus der Jahrhundertwende. In dem Raum mit Kerzenleuchtern und Schwarz-Weissem Plattenboden stehen zwei Stapel Plastik-Gartenstühle, die hier nicht wirklich hineinpassen; am rechten Bildrand mischt sich der Blick in den raum mit einer Spiegelung der verschneiten Aussenwelt.

Fotografien, sagt unser Hirn, sind Abbilder der Realität – oder dessen, was wir gemeinhin für Realität halten. Dass die Kamera anders sieht als unser Auge, oder vielmehr eben unser Hirn, kann einerseits für Bilder verwandt werden, die wir so noch nicht gesehen haben und nie in der “Realität” sehen werden:

wie Sternspuren und andere Langzeitbelichtungen.

Der Umstand gereicht den Fotografen bisweilen aber auch zum Nachteil, beispielsweise bei den Kontrastumfängen, die ein Sensor nicht so erfassen kann wie unser Auge, weshalb die HDR-Technik zu Hilfe genommen werden muss.

Und dann gibt es Anblicke, welche die Kamera liefert, weil sie gnadenlos “realitätsnah” bleibt und einfach das Licht so abbildet, wie es eben grade in die Kamera einfällt. Das menschliche Sehen würde daraus gelegentlich etwas anderes machen, ineinander vermischte Bilder wie Spiegelungen oder Tiefenunterschiede auflösen. Das führt unter anderem auch dazu, dass unser Hirn inzwischen weiss, welche Schärfentiefenebenen bei welchen Grössenverhältnissen von Objekten zum Tragen kommen – was dazu führt, dass Fake Tilt Shift uns in Bildern und Videos vorgaukeln kann, etwas viel kleineres zu betrachten als es in Wirklichkeit ist: Das ist eine rein erworbene und keine natürliche Funktion unseres Hirns.

Du hast hier einen solchen Aspekt der Fotografie bemerkt und für Deine Aufnahme genutzt, der im menschlichen Blick ebenfalls kaum so aufgenommen würde, wie er es im Ausschnitt der Fotografie tut. Es entsteht eine Mischung aus Spiegelung und Motiv, die wir nur deshalb nicht sofort als solche erkennen, weil der Ausschnitt der Fotografie uns nicht alles zeigt und dem Hirn nicht die Anhaltspunkte liefert, die es in der Realität zur Auflösung des Rätsels hätte und anwenden würde.

Man kann diesen spannenden Effekt auch mit noch mehr Technik auf die Spitze treiben, wie es der Schweizer Fotograf Hans Jörg Walter (mein Arbeitskollege) mit dem iPhone und einer Panorama-Software getan hat – mit ähnlichen, aber noch weiterführenden Resultaten als hier in Deinem Bild.

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Kommentar des Fotografen:

Ich habe dieses Foto am 27. November 2011 aufgenommen. Es zeigt den Pilaus, Luzerns Hausberg, etwa 30 min nach Sonnenuntegang. Auf dem im Vordergrund liegenden Vierwaldstättersee fuhr zum Aufnahmezeitpunkt ein Schiff vorbei. Bei der Bildbearbeitung habe ich die Rosa- und Blautöne ganz leicht verstärkt. Tags zuvor sind mir die schönen Rosa- und Blautöne nach dem Sonnenuntergang aufgefallen. Ich entschied mich, am nächsten Tag ans Seeufer zu gehen und den Pilatus in dieser Abendstimmung zu fotografieren. Etwas glücklich fuhr gleich noch ein Schiff durchs Bild, was dem Bild etwas Dynamik verleiht. Ich bin sehr zufrieden mit dem Bild und habe aus meinem Umfeld viele Komplimente dafür erhalten. Ich würde mich aber sehr über das Feedback eines Profis freuen.

Peter Sennhauser meint zum Bild von Fabio Walser:

Der Pilatus liegt in dieser Farbfotografie als Silhouette hinter dem Ufer des Vierwaldstättersees bei Luzern. Über dem Gipfel des Bergs prangt ein Sichelmond, leicht weichgezeichnet von einigen Dunstschleiern am Abendhimmel. Im Vordergrund auf dem Wasser sind die Lichter eines Kursschiffes auszumachen, das von rechts nach links durchs Bild fährt.

Eine stimmungsvolle Aufnahme, die besonders wegen des Sichelmondes über dem Pilatus gefällt:

Du hast eine ziemlich gute Zeit erwischt mit etwas Restlicht und dem Mond über dem Berg, obwohl ich mir aus eigener Erfahrung dehr gut vorstellen kann, dass Du Dir bei der Vorbereitung ausgerechnet hast, dass der Mond etwas früher an der richtigen Stelle stünde und die Landschaft unter dem Berg noch mit Konturen und Kontrasten und nicht nur mit hellen Lichtern erfüllt wäre. Dennoch hat es sich auf jeden Fall gelohnt, hier mit dem Stativ bereit zu stehen – namentlich die rosa Schleierwolken tragen viel zur Stimmung bei.

Ob das auch für das in 22 Sekunden zu einem Linienbündel verwischten Schiff gilt, ist wohl Geschmackssache. Ich bin persönlich der Meinung, dass solche Effekte als Ausdruck der Zivilisation und einer technischen Welt besser in Stadtlandschaften passen, die den Fokus ganz auf die Ästhetik künstlich geschaffener Welten setzen.

Unbesehen dessen stört mich hier aber vor allem die Positionierung des Schiffs in der Gesamtkomposition. tatsächlich scheint es nämlich, wie wenn Du einen sehr sorgfältig geplanten Bildaufbau mit einer zufälligen Bereicherung ausgebaut und dabei nicht mir auf die Gesamtwirkung geachtet hättest – das Bild bekommt deutlich Schlagseite nach rechts, indem das Schiff die rechte Hälfte der Aufnahme weiter hervorhebt, die schon durch den Berggipfel und den Mond einen Schwerpunkt bildet. Ich glaube, wenn Du etwas länger gewartet – oder gleich nach dieser noch eine Aufnahme mit ungefähr den gleichen Daten gemacht – hättest, läge ein zusätzlicher Gewinn der Schiffslinien in einem Gegengewicht unten Links.

Dabei ist klar, dass bewegte Objekte schwer planbar sind und man sich, um die Linien von Lichtern in der Gesamtkomposition gut zu platzieren, das Bild nur vorstellen kann. Gerade bei einem langsamen, in doch einiger Distanz horizontal durchs Bild fahrenden Objekt ist das recht gut machbar.

Für das Beispielbild aus San Franciscomit den Lichtern eines rasch von der Kamera wegfahrenden Cablecars habe ich – übrigens nach einem Mondshooting – ungefähr ein Dutzend Anläufe gebraucht. Am Ende stellte sich die dritte oder vierte Aufnahme als die beste heraus. Auch das ist eine Lektion: Wenn man mit einem Bildmotiv herumspielt, ist häufig ab einem gewissen Punkt Schluss, weil die Experimentierfreude die Kompositionellen Überlegungen überrennt.

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Mit einer Ersteinreichung hat Katharina Neumann im Dezember gleich den Preis von 100 Euro für das Bild des Monats abgeholt: Ihre sanfte Morgen-Landschaftsaufnahme hat alles, was ein wirksames Landschaftsbild braucht – extrem starke Linien, Farben und eine traumhafte Landschaft als Motiv mit vielen feinen Elementen.

Auf den folgenden Rängen:

Liegen Timo Joos mit seinem persönlichen Eiffelturm-Bild (inklusive der Fragestellung nach dem Copyright für die Beleuchtete Struktur bei kommerzieller Nutzung).

Darauf folgt Dietmar Rieder mit einer szenischen Aufnahme eines Schachspielers am Dupont Circle in Washington DC; Angela Bettinger mit einer Landschaftsaufnahme, die den menschlichen Eingriff in die Natur illustriert und Matthias Bäuml, der den herbstlichen Morgennebel in Wärme festhalten und sich dabei eine ruhige Aufnahme “ohne etwas Aussergewöhnliches” leisten wollte.

Wir gratulieren der Gewinnerin und den Bestplatzierten und hoffen auf weitere spannende Bildeinreichungen.

• Foto des Monats Januar: Das Geisterhaus (7. Februar 2011)
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• Foto des Monats: Originalität und Umsetzung (14. Juli 2011)
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• Foto des Monats: Neblige Stimmung (9. November 2011)
• Foto des Monats: Lola und die Ballons (18. November 2011)
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Kommentar des Fotografen:

“A Hole in the Sky” – Ich habe das Bild in einem stillgelegten Kühlturm in Belgien aufgenommen. Mir hat die imposante, massive Struktur des Kühlturms mit dem kleinen Loch Himmel imponiert. In dem Turm zu stehen war ein besonderes Erlebnis, mit dem Bild habe ich versucht die ganz besondere Stimmung einzufangen. Zum Einsatz kamen eine 5D Mark II mit einem TS-E 17mm Objektiv. Entstanden ist das Bild aus 3*3 Aufnahmen (Bracketing mit drei Belichtungen bei shift auf -12mm, 0mm und +12mm)

Profi Sofie Dittmann meint zum Bild von Frank Noir:

Erst einmal Glückwunsch zu dieser Aufnahme! Wenn Du mir nicht gesagt hättest, daß es sich um einen stillgelegten Kühlturm handelt… Auf Deinem Flickr ist er dann zu sehen, wie er URSPRÜNGLICH aussieht. Um es mit einem der Kommentare zur unbearbeiteten Version zu sagen:

“Das sieht verdammt stark aus.” Gute Motive können eben im Detail stecken, wie auch im ganzen Objekt, wenn man nur richtig hinschaut. Es lohnt sich, um Dinge herumzugehen, hineinzuschauen, der Blick über die Schulter – oder wie hier nach oben. Von außen ist er bei weitem nicht so attraktiv. Ein häßlicher Kühlturm eben. Innen erst ist er optisch interessant.

Da Du hier ein extremes Weitwinkelobjektiv benutzt hast, wird aus dem Kühlturm, der offensichtlich ziemlich massiv war, ein Abstraktfoto, bei dem sich Kreise vom oberen Bildrand aus wie Wellen nach unten ausbreiten. Gleichzeitig wird durch die Nachbearbeitung der Kontrast von oben nach unten dunkler.

Daß sich der hellste Kreis genau in der Mitte befindet (horizontal gesehen) und aus dem Goldenen Schnitt heraus verschoben ist (vertikal betrachtet), trägt hier meines Erachtens gekonnt zum Bild bei. Hättest Du alle kompositionellen Regeln genau befolgt, wäre ein langweiligeres Foto dabei herausgekommen – einer der Fälle, wo Regelbruch funktioniert. Was sich Dir beim Blick nach oben geboten hat, macht dieses Bild auch für mich aus.

Es ist weiterhin für mich ein Beispiel dafür, daß einfach komponierte Fotos am effektvollsten sind, weil sie den Betrachter nicht überwältigen, ihm aber doch genug bieten, um im Bild hängenzubleiben.

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Kommentar des Fotografen:

Wien Stephansplatz am letzten des Jahres 2011. Geschossen mit Hasselblad 500cm Sonnar 150mm T-max 100, entwickelt in Rodinal 1:50

Peter Sennhauser meint zum Bild von Gerd L:

Ein Clown sitzt auf einer Bank an einer belebten Fussgänger-Zone, mit auf dem Bauch gefalteten Händen. Hinter der Figur mit Luftballon-Hut sitzen zwei leicht von ihm abgewandte junge asiatische Frauen und essen etwas aus Papptellern. Rings um die Szene strömt das Strassenleben in Schwarz-Weiss und quadratisch, ohne den Unterhaltungskünstler mit irgendwelcher Aufmerksamkeit zu ehren.

Wirklich verblüffend finde ich an dieser Aufnahme, dass sie farbig zu sein scheint, aber eindeutig Schwarz-Weiss ist:

Wir kriegen hier in der Kritikerplattform recht häufig Colorkey-Fotografien zu sehen, in denen ein Subjekt knallbunt belassen und der Rest des Bildes in Schwarz-Weiss umgewandelt wurde.

Deine Aufnahme ist ein künstlerisches Gegenteil, indem es einen erfahrungsgemäss sehr bunten Clown in einem monochromen Bild so in Szene setzt, dass sich das Bild in der Betrachtung mit Farben zu füllen scheint. Das scheint zunächst paradox: Weshalb sollte man etwas, was bunt ist, nicht farbig abbilden? Die Antwort ist, wie gesagt, das, was im Kopf entsteht und über das wir uns wundern und freuen. Das Bild ist die Vorlage für das, was wir damit machen, und hier wird das deutlicher als in vielen Fotografien.

Ausserdem entsteht durch die Schärfentiefe, die genau im richtigen Mass und ohne aufdringlich zu wirken auf das Subjekt lenkt, eine angenehme Räumlichkeit, das Foto wird zum Fenster in die Stadt und wir sind die Zaungäste, die sich an diesem Fenster ihre eigene Welt erschaffen.

Einzig der Passant hinter dem Clown steht mir etwas zu sehr im Blickfeld und wirkt ablenkend – vielleicht hättest Du darauf warten können, dass er sich verzieht. Und von einem strengen technischen Standpunkt stört mich die hauchdünne verkantung der Aufnahme, die sich, vielleicht nur ein halbes Grad, nach rechts neigt: das ist wegen der Geraden unten rechts (weniger der Aschenbecher und mehr der Kandelaber) und links oben (noch ein Kandelaber) just so weit manifestiert, dass man es zur kenntnis nimmt – und sich dann daran zunehmend stört. Jedenfalls mir geht es so.

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Kommentar des Fotografen:

Dieses Foto ist in Nawabad, nähe Kunduz entstanden. Das Mädchen hat vorsichtig, ängstlich nachgeschaut was plötzlich vor der “Haustüre” los war. Das wollte ich festhalten.

Peter Sennhauser meint zum Bild von Marcel Czechan:

Ein Mädchen in Asiatischer Bekleidung guckt hinter der Ecke eines Lehmhauses hervor. Zu sehen ist vom gesicht eigentlich nur das rechte Auge und ein Teil der Stirn; das Kind scheint verängstigt. Der Hintergrund des Hochkant-Fotos ist eine weitere Lehmwand einer anderen Behausung.

Natürliche Momente und Begegnungen machen die besten Strassenfotos oder Schnappschüsse. Dabei ist die direkte Interaktion der Protagonisten mit der Kamera nicht unbedingt der ideale Ausgangspunkt, aber eine starke Emotion kann ein Bild enorm aufwerten – hier ist es die Mischung aus Furcht, Scheu und Neugier, die das Mädchen im Kopftuch an den Tag legt. Es entsteht sofort ein Austausch, indem wir uns als Betrachter ein wenig schämen für unsere unverfrorene Neugier, die aber durch diejenige des Mädchens sofort relativiert wird:

Es hat an der Kamera ebenso ein Interesse wie umgekehrt.

Das Bild zieht uns so durch die menschliche Interaktion an, mehr als durch die fotografische Komposition. Wir suchen sofort nach dem Gesichtsausdruck, finden das scheue Auge der jungen Dame und ihre Stirn. Dort blieb ich hängen, weil ich etwas ausmache, was entweder ein Stirnrunzeln oder die Narbe einer Verletzung ist – und hier fangen die Geschichten im Kopf an, zu entstehen.

Bis hierhin ist das Bild sehr gelungen, wenn ich mir auch ein bisschen mehr vom Gesicht des Mädchens wünschen würde – wobei gerade darin ein Teil des Reizes liegt, dass ich mehr herausfinden will.

Technisch und von der Komposition her wünsche ich mir aber noch was von dem Bild. Irgendwie vermischt sich hier nämlich alles: Vordergrund, Subjekt und Hintergrund, weil alles fast in der gleichen Schärfenebene liegt.

Du warst zwar mit einer langen Brennweite unterwegs (160mm), und es ist sehr gut, dass Du den Boden der Gasse hinter dem Mädchen ins Bild einbezogen hast. Aber bei Blende 5.6 ist gerade bei einem grösseren Abstand zum Fokuspunkt (dem Gesicht des Mädchens) der Schärfentiefe-Effekt nicht mehr so ausgeprägt.

Das führt dazu, dass die Lehmwand am rechten Bildrand recht weit in den Vordergrund des Bildes hinein scharf ist. Ebenso ist der Hintergrund für meinen Geschmack etwas zu deutlich akzentuiert. Bei einer weiter geöffneten Blende einer lichtstärkeren Optik wäre just in so einem Schnappschuss eine wesentlich bessere Freistellung des Gesichts erzielt worden, was dem Bild Tiefe und damit der Blickkontakt-Beziehung zum Mädchen mehr Nähe verliehen hätte. Die Alternative zu einer grösseren Blende häte darin bestanden, ein paar Schritte auf das Mädchen zu zu machen – was aber im Bildausschnitt Boden gekostet, dafür eine geringere Schärfentiefe gebracht hätte.

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Kommentar des Fotografen:

Das Bild ist während eines Urlaubs in St. Petersburg entstanden. Das “Paradise Café” steht an einer tristen, von Plattenbauten gesäumten Standpromenade am Golf von Finnland. Die Temperaturen waren sehr niedrig, ein kalter Wind wehte.

Peter Sennhauser meint zum Bild von Denis Gerlach:

Ein Flacher Pavillon mit Wellblechdach und Fensterfront voller Vorhänge steht auf einem Parkplatz. Das in kyrillischer und lateinischer Schrift als «Café Paradise» angeschriebene Gebäude in der horizontalen Bildmitte wirkt trotz des modernen Werbebanners heruntergekommen; der leere, von Frost bedeckte Parkplatz zwischen dem Fotografenstandort und dem Kaffee und der triste, graue Himmel dahinter sorgen für eine Stimmung der Einsamkeit und Kälte.

Die einfachsten Bilder sind oft die besten.

Dieses “Café” hätte sicher auch viele andere Blickwinkel, Perspektiven und Detailbilder abgegeben. Aber die frontale, extrem nüchterne Sicht, die Du gewählt hast, und der sich zwischen uns und dem Gebäude ausbreitende, autoleere Parkplatz sorgen für eine unangenehme Stimmung, die das Bild ganz ohne weitere Ansichten der Umgebung beherrscht.

Das hat etwas vom Realismus eines Edward Hopper, dessen Gemälde in der Mitte des letzten Jahrhunderts aus der abstrakten Kunst heraus die Malerei in eine emotionale Chronistenrolle erhob: Hoppers Bilder betonten die Einsamkeit und die Anonymität in der Gesellschaft.

In deiner Aufnahme stehen Wunsch und Realität sich gegenüber – das Café, das in vielen Sprachen auf den Schildern begrüsst und international wirken will, dabei aber ärmlich und vereinsamt herüberkommt. Der Parkplatz vor dem Gebäude drückt es aus, und es ist gut, dass Du ihm ausreichend Platz gelassen hast.

Vor allem aber wird das ganze Bild geprägt von Rechtecken: Der gedrängte, flache Pavillon, die in unterschiedlichen Rauhreif-Decken gefärbten Autostandplätze auf dem leeren Platz, selbst der Himmel hinter dem Kaffee mit den horizontalen Linien fügt sich in die Auftürmung von Rechtecken ein.

Das ist insgesamt gut arrangiert, aber der Bildausschnitt wirkt ebenso rechteckig, zentriert und damit weniger anziehend, als wenn darin ein deutliches Ungleichgewicht herrschen würde. Gleiche Formen und Flächen in einem Bild schreien geradezu danach, vom Fotografen bewusst komponiert, in eine Relation oder einen Kontrast gesetzt zu werden und damit dem Betrachter eine Mischung aus Eintönigkeit und optischer Spannung zu bieten.

Normalerweise hätte ich geraten, das Gebäude an den unteren Bildrand zu rücken und unter einem erdrückend grossen Himmel vereinsamen zu lassen – allenfalls sogar in einem Hochformat. Hier aber erfüllt der Autoparkplatz, der ja die Gäste aufnehmen müsste und zudem mit den Rechtecken und der Distanz des Betrachters zum Café einen grossen Anteil an der Stimmung hat, diese Rolle viel besser: Ich hätte also versucht, das Gebäude nach oben zu rücken, vom Himmel nur noch etwas Grau zu zeigen und dafür die Betonwüste vor dem nicht viel weniger hässlichen Pavillon das Bild dominieren zu lassen. Bei geschlossener Blende würde dabei dessen Front immer noch genug zum erforschen anbieten.

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Lichterglanz, Tunnelblick und ein verstecktes Schaf.

In der Rubrik “24 Stunden” veröffentlichen wir die besten Pressebilder der vergangenen 24 Stunden, ausgewählt nach fotografischen Kriterien.

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Kommentar des Fotografen:

Ein ausgedientes Cadillac Deville Coupé von 1955, das auf dem Hof eines Autohändlers sein Gnadenbrot geniesst. Schon tagsüber ein respektabler Anblick, lassen sich bei Nacht, wenn die Straßenlaterne von links durch den Fahrerraum strahlt und vorne auf der Straße Fahrzeuge hinzukommen, mit den Formen der Karosserie schöne Motive gestalten.

Peter Sennhauser meint zum Bild von Frank Wahner:

In dieser hochformatigen Schwarz-Weiss-Fotografie ist ein Teil der Karosserie eines Autos aus den siebziger Jahren oder von noch früher zu sehen. In einem kühnen Bogen schwingt sich von unten links eine Chrome-Scheibenfassung durch das Bild in die Linke Mitte.

Darüber ragt in einer Diagonalen die Windschutzscheibe des Fahrzeugs nach links oben; wir blicken durchs Glas ins Autoinnere. Im Hintergrund ist unter einer Strassenlaterne ein weiteres Fahrzeug in der Tiefen-Unschärfe gerade noch zu erkennen.

Inzwischen ist es eine häufig gesehene Masche, aus einem nicht sonderlich spannenden Bild eine Schwarz-Weiss-Version zu machen, um dem insgesamt mässigen Bild einen künstlerischen Anstrich zu verleihen. Umso wohltuender ist es, Schwarz-Weiss-Fotos zu finden, die offensichtlich mit geschultem Auge gesehen und fotografiert wurden.

Diese Aufnahme ist lebendig, und zwar ganz ohne Farbe und ohne konkretes Subjekt im Motiv. Hier sind Andeutungen, Linien, Flächen, Materialien zu sehen; es sind elegante Kurven zu erahnen und in schummrigem Licht im Hintergrund zu vermuten.

Es ist der Unterschied zwischen Bild und Abbildung, zwischen Form und Gegenstand, zwischen Erotik und Pornographie: Andeutungen, Verlockungen, Reize statt Hochglanz-Inszenierung. In einem winzigen Ausschnitt aus dem Design des Autos, das Du zum Motiv gemacht hast, zeigst Du ein Fülle von Elementen seiner Ästhetik. Materialien, Linien, Formen, Lichtspiele; Chrom, gebogenes Glas, Lack und Leder, Glanz und Mattheit.

Das ist keine Schnappschuss-Fotografie, das ist erkennbar geplant, beobachtet und gut gesehen, vermutlich perspektivisch ausgereizt und sorgfältig ausgewogen. Das Husarenstück der Aufnahme besteht darin, trotz fachkundiger Kenntnisse über das Motiv von der Marke über den Typ bis zum Baujahr der Versuchung zu widerstehen, es als ganzes abzubilden und Dich stattdessen der Verliebtheit in die Form zu widmen.

Dein Kommentar lässt vermuten, dass Du den Wagen tagsüber gesehen und die Möglichkeiten für die Fotografie des nachts antizipiert hast. Diese Fähigkeit ist erstrebenswert und nur zu erreichen, indem man die Möglichkeiten auch wirklich ausprobiert, abends nochmals hingeht, die Vermutungen überprüft und die Perspektiven durchgeht: In der Landschaftsfotografie genauso wie hier. Dazu kann man nur gratulieren.

Mich lässt lediglich die Randnähe der Lichter oben rechts ein bisschen zögern und fragen, ob sie nicht ein Mü weiter ins Bild hineingebracht hätten werden müssen. Und das kleine Staubkorn im Wageninnern auf dem Leder der Innenausstttung, es zieht mich immer wieder an und wirkt ablenkend – aber weggeklont würde es die Aufnahme möglicherweise zu sehr sterilisieren. Auf jeden Fall handelt es sich hier um eine echte Schwarz-Weiss-Fotografie.

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Kommentar des Fotografen:

das bild entstand während eines englischkurses in irland, dublin – genauer in howth. Wie immer in raw fotografiert, mit capture nx2 entwickelt und mit silver efex pro 2 in sw umgewandelt. das war’s auch schon.

Peter Sennhauser meint zum Bild von thomas neumann:

Zwei Kutter liegen in einem von den Gezeiten fast geleerten Hafenbecken an der Quaimauer im Schlick. Der Pier zieht sich vom rechten Vordergrund des Bildes diagonal nach rechts hinten. Das Bild in Schwarz/Weiss ist geprägt von einem starken Kontrast, Grobkörnigkeit und einer deutlich erkennbaren Vignettierung.

Helle Stellen in einem Bild – und ganz besonders in einem Schwarz-Weissen – ziehen unsere Blicke an. Wenn die Farbe wegfällt, muss die Fotografin sich ganz auf diese Unterscheidung konzentrieren und das Bild entsprechend komponieren.

Einer meiner Landschaftsfotografie-Instruktoren betont, dass es bei der Komposition auch von Farbbildern kritisch ist, keine “Lecks” oder eben helle Stellen an den Bildrändern zu haben – und keine ablenkenden Flächen innerhalb der Komposition.

Du hast das hier weitgehend mit einer ziemlich heftigen Vignettierung gelöst, die dafür sorgt, dass das Bildzentrum die grösste Anziehungskraft hat – und das klappt erfahrungsgemäss sehr gut. Bis einem die Betrachter auf die Schliche kommen, sprich die Vignettierung erkennen. Dann beginnen sie sich zu fragen, wie das Bild ohne die Randabdunkelung wirken würde.

Auch damit hast Du eigentlich bei dieser Aufnahme wenig Probleme, weil die hellsten Flächen ausserhalb des Himmels die Kabinen der Kutter sind. Mit einer Ausnahme: der weisse Poller im rechten Vordergrund zieht die Blicke auf sich. Das ist aber nicht so sehr ein Problem als vielmehr ein “Feature” dieser Aufnahme, weil man den Blick von dort den Tauen entlang zum ersten Fischerboot wandern lässt.

Ich hätte hier die Vignettierung etwas abgeschwächt und allenfalls die beiden Personen, die hinter dem Poller an der Quaimauer sitzen, leicht abgedunkelt, damit sie die Blickführung dem Tau entlang nicht ablenken.

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Kommentar des Fotografen:

Die Kapelle unseres Dorfes in der Abendstimmung. Mit Stativ aufgenommen. Anschliessend hab ich ein hdr gemacht und im Photoshop die nötige Korrektur vorgenommen.

Peter Sennhauser meint zum Bild von Rabea Kessler:

Eine kleine Kapelle im Tiefschnee eines offensichtlich kalten Winterabends: Diese vom Blau des Himmels und der Reflexionen aus dem Schnee dominierte Farbaufnahme ist kristallklar und dank des Einsatzes von HDR schon fast plastisch.

Das Kirchlein ragt einem vermeintlich aus dem Bild entgegen, die Schneemassen türmen sich in weichen Rundungen auf der Landschaft, und das warme Licht der Fenster, des Vorplatzes und des Weihnachtsbaums sorgen für einen idealen Farbkontrast zum kühlen, satten Blau des Schnees.

Hier ist HDR für einmal zum schonenden Einsatz gekommen, die ganze Belichtung macht zwar die Nacht zum Tage, aber das stört auf den ersten Blick nicht:

Bei längerer Betrachtung scheint der Himmel doch deutlich zu hell für den Lichtschein der beleuchteten Stellen im Bild, und auf der Suche nach Schwarzwerten in Schattenzonen wird man beinahe nicht fündig. das ist allerdings just die Eigenart solcher verschneiter Landschaften, in denen das grelle Weiss der Schneemassen jeden Lichtstrahl in den hintersten Winkel reflektiert und für diese seltsam hellen Nächte sorgt – das Bild bringt diese Stimmung sehr gut zum Ausdruck.

Aber darüber hinaus fehlt ihm dennoch etwas – ein klares Subjekt, eine Bildaufteilung, ein Element, das in diese Winternacht hineinzieht. Die Kapelle ist als Motiv insgesamt einfach nicht interessant genug. Weder Architektonisch noch in Details vermag sie zu fesseln. Das liegt auch daran, dass die gesamte Bildkomposition frontal und mittig auf das Gebäude ausgerichtet ist und abgesehen vom Weglein im Schnee vorne links keine anregenden Linien vorhanden sind. Selbst horizontal ist die Kirche gemittet; wir sehen viel Himmel in diesem Bild, der aber absolut nichts beitragen kann zur Spannung.

Und so wird nicht spürbar, welche Aufgabe Du dem Motiv zugedacht hast, abgesehen davon, dass Du etwas haben musstest, um die Winterstimmung überhaupt abzubilden. wenn ich mich als Betrachter frage, worum es hier geht, komme ich zum Schluss, dass jemand mit fotografischen Kenntnissen ein freundliches Bild des Kirchleins für einen Prospekt der Kirchgemeinde schiessen musste. Dabei steht aber der dokumentarische Aspekt dem Bild im Weg, wie auch die Kapelle meinem Blick im Weg steht: Ich möchte mehr von der verschneiten Landschaft sehen, mehr Linien, Wege in den Schneemassen, verschneite Dächer, und dabei darf die Kapelle gerne eine dominante, grossflächige Rolle im linken oder rechten Bilddrittel einnehmen. Aber als Hauptdarsteller frontal und fast Format füllend reicht sie nicht aus, als dass das Bild einem prüfenden Blick der Lichtstimmung standhält.

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Kommentar des Fotografen:

Das Bild ist während meines Afghanistaneinsatzes in Kundus enstanden. Ich wollte die angespannte Stimmung bei wenig Sicht im Feindesland einfangen und frage mich ob ich das auch für diejenigen ohne Bezug zum Bild hinbekommen habe. Als Titel dachte ich mir das “Schönwetterfront” ganz gut passen könnte.

Peter Sennhauser meint zum Bild von Marcel C.:

Ein Soldat in Wüstenausrüstung steht in diesem Farbbild im rechten Vordergrund am Rand einer Piste vor gepanzerten Fahrzeugen und einem kleinen Trupp seiner Kameraden. Die Luft scheint sandgeschwängert, der Mann schützt Gesicht und Kopf mit einem Tuch.

Diese Aufnahme weckt im Betrachter Beklemmung:

Hier ist ein militärischer Einsatz unter Umständen zu sehen, die man sich unter keinen Umständen wünscht: Der Fahrzeugtross im Hintergrund macht den Eindruck, unfreiwillig zu stehen; die Sicht ist minimal und der Sand in der Luft ist fast spürbar. Die Blicke von zweien der drei Männer im Hintergrund und die Gehrichtung des Soldaten im Vordergrund deuten eine Anspannung an, die sich nach links richtet; die gesamte Situation scheint unwillkommen, ungeplant und verunsichernd zu sein.

Insofern hast Du Dein Ziel erreicht, wenn auch nicht mit einem optimalen Bild – wenn es sowas überhaupt gibt. Zwar kommt die Botschaft so herüber, wie Du es erwartet hast, allerdings ist das Bild nach anderen Gesichtspunkten nicht ganz geglückt. der Mann im Vordergrund könnte vor allem überzeugender wirken. Zum einen sind Menschen in Bewegung nicht immer gleich zu fotografieren; hier ist nicht ganz eindeutig, wohin und ob er sich wirklich bewegt, ein angefangener Schritt widerspricht der rückwärts gelehnten Haltung des Oberkörpers. Gehende Menschen fotografiere ich deswegen meistens im Serienmodus und wähle dann das Bild mit der dynamischsten und deutlichsten Schrittformation.Ausserdem hat er das Gewehr gerade nur in der rechten Hand mit dem Pistolengriff und es scheint irgendwie vor seiner Brust herumzubaumeln, was nicht das Gefühl der Anspannung und der Gefechtsberetschaft vermittelt.

Kompositorisch ist zwar gut, dass der Soldat im Vordergrund Raum hat, in den er sich bewegen kann und der mit der Blickrichtung der Männer im Hintergrund übereinstimmt – aber dafür ist der Rest des Geschehens etwas gar nahe an den rechten und oberen Bildrand geschoben. Und schliesslich würde mehr Negativraum zur Linken, die gelbe Wolke der Wüste, das Gefühl der aus der undurchsichtigen Sandwand herrührenden Beklemmung verstärken. ich kann mir vorstellen, dass sich hier mit einer Serienaufnahme eine bessere Haltung des Mannes im Vordergrund und mit einem Schritt des Fotografen nach rechts eine etwas spannendere Komposition hätte erreichen lassen.

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Kommentar des Fotografen:

Vierminütige Langzeitbelichtung nach Sonnenuntergang sorgte für eine schöne Farbstimmung und klare Reflektion im Wasser.

Profi Peter Sennhauser meint zum Bild von Alexander Stoffel:

Ein Teich im letzten rötlichen Licht nach dem Sonnenuntergang spiegelt sich in dieser Querformataufnahme. Auf der linken Bildseite bedeckt ein Baumbestand den Bereich des gegenüberliegenden Ufers, in der Mitte wachsen Schilfbüschel aus dem durch leichte Wasserbewegung weichgezeichneten Wasser und rechts steht ein einsamer, entlaubter Baum seinem Spiegelbild gegenüber.

Diese überaus friedvolle, ruhige Landschaftsaufnahme ist nach den gängigsten fotografischen regeln durchaus “korrekt” komponiert und technisch umgesetzt.

Vielleicht gäbe es ein paar Hinweise, wie die Lage des Ufers etwas überhalb der Bildmitte und der Umstand, dass die Wasseroberfläche leicht nach rechts wegzukippen scheint.

Aber alles in allem will mir mein Kopf weismachen, dass es sich um ein recht gelungenes Bild handelt, das mich ansprechen müsste. Das tut es aber nur bedingt: Es ist zu ausgeglichen, zu ruhig, zu wenig herausfordernd. Die Anordnung der Elemente ind er Komposition schafft einerseits die Ruhe, die das Bild ausstrahlt – aber sie ist gleichzeitig für die Lange Weile und den Mangel an Tiefe verantwortlich, die sich schnell bemerkbar machen. Zwar handelt es sich um eine interessante Form der Spiegelfotografie, weil keine blitzgerade Wasserlinie die beiden Bilder trennt, sondern der unruhige Uferverlauf für eine auf den ersten Blick leicht verwirrende Spiegelbilddarstellung sorgt.

Dafür aber sind die Objekte der Siegelung in einer allzu ausgeglichenen Art auf dieser Linie verteilt, es gibt auch im Ansatz keinen Vorder- und wirklichen Hintergrund, Und obwohl die Reflexion des Lichten Himmels im Wasser eigentlich wunderbar in die Bildmitte hinein mäandriert, zieht mich das Bild nicht wirklich hinein.

Irgendwie erweckt das Bild den Eindruck einer Kulisse, eines Bühnenbildes, das dem Vordergrund eine stimmungsvolle Grundlage geben, aber nicht aus sich selber heraus die Aufmerksamkeit des Betrachters beanspruchen kann. Es fehlt, wenn nicht an “Action”, dann doch an einem Schauspieler, der sich in dieser wunderbaren Umgebung hervortut und die Blicke auf sich zieht.

Vielleicht hättest Du das mit einem Objekt im Vordergrund hingekriegt, das die Bühne genützt hätte, oder ein Element der Kulisse durch einen anderen Standpunkt stärker betonen können.

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Kommentar des Fotografen:

Diesen “Schnappschuss” habe ich auf der Art Cologne 2010 machen können, da die dunkle Kleidung des Kunstliebhabers zu den weissen Wänden gut kontrastierte. Die Betrachtung eines Betrachters, der sich mit seinem Schatten in ein Bild gleichsam versenkt, war hierbei der besondere Reiz. Die ursprüngliche Aufnahme ist farbig, sie wurde mit Lightroom insbesonders hinsichtlich des Kontrastes leicht bearbeitet

Profi Peter Sennhauser meint zum Bild von Johannes Joha:

Ein Mann mit Hut steht in einem Museum dicht vor einem Bild an der Wand. In der Linken hält er eine Plastiktüte mit Aufdruck, in der rechten mit angewinkeltem Arm seine Brille. Auffällig an dieser Schwarz-Weiss-Fotografie ist vor allem, dass der Mann fast vollständig im Schwarz absäuft, während die Tonwerte in seinen Schatten an der Wand und dem Bild, das er betrachtet, korrekt abgestuft scheinen.

Ursprünglich ging ich davon aus, dass ich an diesem Bild den überhöhten Kontrast auf dem schwarzen Mann kritisieren und für eine 2korrektere” Belichtung plädieren würde. Doch dann habe ich das Bild mehrmals genau angesehen und komme zum schluss, dass das umgekehrte passieren muss.

Du hast einen tollen Effekt entwickelt und setzt ihn nicht konsequent genug um. Denn dass der Mann hier im Museum, das voller betrachtungswürdiger Objekte ist, selber zum Objekt Deiner Aufnahme wird, dabei aber wiederum in der übermässigen Kontrastierung zu einer Silhouette verkommt, ist ein reizvolles Spiel mit unserem Sehen und dem Zusammengehen von Objekt und Betrachter – ein Spiegel im Spiegel im Spiegel – Spiel sozusagen.

Natürlich könnte man die Bildaufteilung kritisieren und den Umstand, dass das Bild an der Wand in der Komposition zu weit oben und zu zentral angeordnet ist. Aber das sind Nebensächlichkeiten. Eher bedaure ich, dass Du den Kontrast auf dem Mann nicht nachträglich noch weiter übersteigert hast und ihm den letzten Rest Zeichnung aus dem Gesicht und dem Kragen genommen hast.

So braucht es nämlich Deine Beschreibung, um sicher zu sein, dass dies genau das ist, was Du beabsichtigt hast – die Umkehrung der Sichtbarkeit vom Kunstobjekt und seinem Betrachter, was, ich wiederhole es, ein sehr reizvoller Effekt ist. Ich hätte deshalb dafür gesorgt, dass er nicht emhr als technischer Fehler des Fotografen missinterpretiert werden kann.

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Kommentar des Fotografen:

Das Bild ist in meinem ersten gemeinsamen Sommerurlaub mit meiner Freundin entstanden. Wir sind 3 Wochen durch Frankreich gefahren und hatten als großes Ziel die Stadt der Liebe – Paris. Und klar, der Eiffelturm steht auf der “Pflichtliste” für einen richtigen Touristen, nur leider sind immer “fotofanatische” Japaner im Bild, wenn man genügend Abstand hätte, dass der ganze Turm auf dem Bild ist ;) Und ohne hammer Eiffelturm Bild aus dem Urlaub kommen, diese Schmach wollte ich mir nicht geben. Dann dacht ich mir spann ich mein Walimex pro 8mm Fisheye auf meine Nikon D60 und und geh richtig nah ran. Und schon stand niemand mehr im Bild ;) Das Bild ist ein HDR aus drei Bildern mit 15, 25, und 30 Sek Belichtungszeit bei Iso 100. Die Blende weiss ich leider nicht mehr da durch das manuelle Objektiv keine Daten hinterlegt sind. Ich bin richtig froh dieses Bild als Erinnerung an die Stadt der Liebe zu haben ;)

Peter Sennhauser meint zum Bild von Timo Joos:

Der Eiffelturm ist in dieser abendlichen HDR-Farbaufnahme zu sehen – aber anders als gewohnt. Das Querformatbild zeigt den Turm mit weit gespreizten Beinen und trotzdem mächtig hoch in den abendlichen Himmel aufragend. Möglich machte es ein Fisheye-Objektiv.

Es ist bisweilen frustrierend:

Ob der tausenden von Vorgängern, die das gleiche Motiv vor einem schon fotografiert haben, kann man mit der eigenen Postkartenaufnahme viel gesehener Motive nicht wirklich zufrieden sein.

das sollte man aber auch nicht, und um zu einer vollständig eigenen Fotografie zu kommen, muss man keinen Helikopter mieten – eine ungewohnte Perspektive und ein frecher Blick reichen durchaus.

Du hast mit genau diesem Konzept hier ein originelles Bild gemacht, das weniger durch die Technik besticht als durch die überaus freche Komposition: Der Eiffelturm, Format füllend – in einem Querformat?

Wie man sieht, geht das – und es entsteht eine vereinnahmende Aufnahme. Den Turm von der Seite, inmitten der Stadt, mit verschiedensten Vordergründen – all das haben wir schon zitausend Mal gesehen; das gleiche gilt für den Blick vom Turm herab auf die Stadt. Aber den Turm von unten, in Fisheye-Verzerrung und ohne die Betonung seiner Höhe, sondern mit einem subjektiven Gewicht auf seiner Sockelkonstruktion, die das ganze Monstrum trägt, das ist überraschend und einigermassen fesselnd.

Einigermassen, weil es sich halt immer noch um den Eiffelturm handelt, den wir kennen – aber dennoch gucken wir hin und ergründen das Bild.

Was die technischen Daten angeht, tippe ich aufgrund der Sterneffekte in den Lampen auf eine ziemlich starke Abblendung (ungefähr Blende 16 verhilft bei richtiger Lage ohne Photoshop zu diesen Sternlichtern – die Sonne beispielsweise lässt sich dann, wenn man sie an einer Kante anlegt, ebenfalls zum Stern verwandeln); das Lichtspiel und die Mischung aus Abendhimmel und Lichterglanz ist eine gelungene Mischung.

Die HDR-Anwendung halte ich nicht für unbedingt nötig, und Du hast hier meiner Meinung nach des Guten etas zu viel getan, indem die Kanten des Turms sich doch unnatürlich schwarz vom blauen Himmel abheben.

Das wichtigste aber an dem Bild ist, dass es deinen Anspruch erfüllt, Dein eigenes, wirksames Bild und damit das “Hammer-Souvenir” geschaffen zu haben, das einerseits Dich und deine Freundin an den Urlaub erinnert (was bisweilen absolut genug ist und nicht immer bedingt, dass man selber im Bild zu sehen ist), andrerseits aber auch überrascht und “unbeteiligte” Betrachter in den Bann zu ziehen vermag. Was will man mehr?

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