Kommentar des Fotografen:

Das Bild ist ein Teil einer Bildstrecke/Streetphotogr. zum Thema Kältewelle in Zürich.

Ich wollte Menschen, die bei diesen tiefen Temperaturen unterwegs waren, bildnerisch festhalten um in einem Gesamtbild (siehe Homepage)die Stimmung dieses Tages in Zürich wiedergeben zu können.

Ich habe diese Bild augewählt, da die 3 Personen zwar zusammen waren, gedanklich dennoch für sich standen. Des Weiteren finde ich die Herkunft der Menschen interessant. Es war offensichtlich, das die Personengruppe aus dem Ausland stammte und sich zwangsweise an das neue Umfeld (Temperatur) gewöhnen musste.

Über konstruktive Kritik und Tipps würde ich mich sehr freuen.

Blende 1.8
Verschlusszeit 250
(Bin mir nicht mehr ganz sicher)

Profi Robert Kneschke meint zum Bild von lucas ziegler:

Serien sind wie Sahne auf der Torte. Eine gute Serie vermag es, dem gelungenen Einzelbild durch das Hinzustellen weiterer gelungener Einzelbilder einen roten Faden zu verleihen, der jedes Foto noch intensiver wirken lässt. Das setzt jedoch voraus, dass dieser “rote Faden” auf dem Bild inhaltlich oder kompositorisch erkennbar ist.

Kompositorische Ähnlichkeiten sind wegen der mangelnden Vergleichsmöglichkeit bei diesem Bild nicht festzustellen, was aber sofort auffällt, ist, dass das selbstgewählte Serienthema “Kältewelle in Zürich” ohne den Fotografenkommentar nicht zu erkennen gewesen wäre. Das Bild zeigt drei Männer mittleren Alters auf einem Bürgersteig stehen. Das ist die nüchterne Betrachtungsweise. Die philosophischen Gedanken des “gedanklich für sich Stehens” oder die kulturalistisch angehauchte Herkunftsanalyse sind auf dem Bild per se nicht sichtbar. Wenn aber der Fotograf mehrere Sätze schreiben muss, um sein Bild zu erklären, gibt es für das Foto Verbesserungsbedarf.

Das fängt bei den technischen Details an. Das Bild ist wegen des Gegenlichts kontrastarm und zeigt Linsenflecke. Das Thema “Kälte” ist kaum sichtbar, obwohl es vielfältige Möglichkeiten gäbe, diese sichtbar zu machen. Entweder durch Eis oder Schnee in der Landschaft, der sichtbare warme Atem, wenn er in kalter Luft entweicht, Gänsehaut, bibbernde Gesichtsausdrücke etc. Nichts davon hat der Fotograf genutzt. Dazu kommt, dass es nicht so kalt sein kann, wenn die Männer sich die Zeit nehmen, bei der Temperatur auf der Straße für ein Gespräch stehenzubleiben. Sollte es andere Gründe für das Warten geben wie eine Bushaltestelle oder eine Warteschlange, hätte der Fotograf das mit einfangen können, um die Zwangslage des “im Kalten Wartens” zu betonen. Auch die Bildaufteilung ist lieblos und nicht durchdacht. Der Horizont könnte begradigt werden und die vordere Person wäre bei anderer Aufnahmeposition besser sichtbar.

Es mag hart klingen, aber so wirkt das Foto höchstens wie ein liebloser Schnappschuss einer kleinen Menschengruppe.

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Kommentar des Fotografen:

ein befreundeter Zauberer sucht in seinem “Zylinder ohne Boden” nach dem Hasen…

Blende F/2,6
1/30 Sek Belichtungszeit
7mm Brennweite
Iso 100
Blitz automatisch

Profi Robert Kneschke meint zum Bild von Tas Hack:

Nanu? Wo waren die ganzen Häschen versteckt, die der Zauberer da aus dem Zylinder zieht? Und wieso flattern auf einmal unzählige Tauben durch die Luft? Der Besuch einer Zauber-Show hinterlässt oft offene Münder und ratlose Gemüter. Wie macht der das nur? Magie?

Die Spannung, den “Zauber” und Humor, den man erlebt, wenn man einem Zauberer zuschauen kann, hat Tas Hack in diesem Foto festgehalten. Gelungen ist das Bild auf mehreren Ebenen, die wir uns nacheinander ansehen wollen.

Kompositorisch folgt das Bild dem klassischen Goldenen Schnitt, sogar doppelt, mit dem Mann auf der vertikalen linken Drittellinie und dem Hut und seinem Gesicht auf der horizontalen oberen Drittellinie. Dadurch wirkt das Foto ausgeglichen.

Die Farbwahl ist ebenfalls passend. Farblicher Blickfang ist der rote Zylinder, der ja auch den “Witz” des Fotos enthält, in diesem Fall den “fehlenden” Arm des Zauberers. Das blauweiß geringelte Langarmshirt ist die einzige Kontrastfarbe und passt als Kleidungsstück zu einem Kinderzauberer oder Clown. Die verwuschelten Haare lassen den Mann ebenfalls als Künstler wirken und der übertrieben konzentriert wirkende Gesichtsausdruck des Mannes inklusive herausstehender Zunge scheint als denke er: “Irgendwo in diesem riesigen Hut muss ich meine Kaninchen doch abgelegt haben…”

Da das Gesicht der einzige Bereich des Fotos ist, der scharf ist, konzentrieren sich die Augen darauf automatisch, gleich nach dem instinktiven Blick auf den roten Zylinder-Farbklecks. Ein gelungener Kunstgriff, der hier sehr passend gewählt ist.

Als jemand, der sonst hauptsächlich kommerziell fotografiert, stören mich trotzdem einige Nachlässigkeiten im Foto. Der Ring am Finger müsste nicht sein, da er von der Hauptlinie Zylinder-Gesicht ablenkt. Gleiches gilt für die Tätowierung am Unterarm, die dem Bild etwas von seiner naiven Leichtigkeit nimmt. Außerdem sind am linken und oberen Bildrand rechts in der Bildmitte einige störende Flecken, die vermutlich von der kaputten oder maroden Wand stammen. Diese hätten innerhalb von paar Sekunden digital retuschiert werden können.

Leider ist auch die Bildqualität sichtbar schlecht. Vor allem zeigt das Gesicht in der 100%-Ansicht ein starkes Rauschen, was bei größeren Abzügen oder gar Postern schnell störend auffallen würde.

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Kommentar der Fotografin:

Die Aufnahme entstand anlässlich eines Besuches des Kröller-Müller Museums (NL) mit meiner Familie. Das Motiv reizte mich auf Grund des Unterschiedes eines heutigen modernen Mädchens mit einem Audioguide vor dem Hintergrund eines Historienbildes.

Profi Robert Kneschke meint zum Bild von Adelheid Prünte:

Dieses Bild hat etwas Surreales, etwas Unwirkliches. Schnell wird klar, woran das liegt. Der Hintergrund hinter dem Mädchen wirkt abstrakter, gezeichneter als das Mädchen selbst. Kein Wunder, ist das Bild “Transport der Kolonialsoldaten” doch in der Tat gemalt worden, und zwar 1884 von Isaac Israël. Jetzt hängt das Gemälde im niederländischen Kröller-Müller Museum und kann dort auf die “modernen” Menschen treffen.

So entstand auch diese Aufnahme des Mädchens mit Audioguide am Ohr und des Soldatenmarsches im Hintergrund:

Vom Größenverhältnis würde das Mädchen, weit vor den anderen stehend, zu den altertümlichen Soldaten passen und auch das sehr weiche, fast schattenfrei Licht ist sowohl auf dem Foto als auch im Gemälde sehr ähnlich.

Verstärkt werden könnte die Ähnlichkeit zwischen Gemälde und Wirklichkeit noch, wenn die Frau nicht direkt in die Kamera schauen würde, sondern ebenso wie die Männer nach links blicken würde.

Der Kontrast zwischen Mädchen und Soldaten entsteht zum einen durch den Widerspruch der modernen Kleidung der jungen Frau inklusive Technik-Gadget zu den historischen Uniformen der Soldaten mit Gewehren und Trommel. Auch dass das Mädchen als einzige Frau zwischen der Männermasse steht, wirk leicht ungewohnt.

Der Fotograf hat diesen Kontrast gut erkannt und technisch sauber in seinem Foto umgesetzt. Ganz neu ist die Idee jedoch nicht und auch vom gleichen Gemälde gibt es ähnliche Foto-Adaptionen (http://www.flickr.com/photos/chriswevers/3988126124/). Außerdem lebt das Foto auch zu großen Teilen von der Wirkung des Gemäldes selbst, dessen künstlerische Qualität kaum dem Fotografen zugeschrieben werden kann.

Aber wenn der Maler und Fotograf Richard Prince 2007 ein einfach abfotografiertes Foto aus seiner Serie “Cowboys” für 3,4 Millionen US-Dollar verkaufen kann und das als Kunst gilt, dann hat dieses Foto hier ebenfalls seine Berechtigung.

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Kommentar des Fotografen:

Wichtig erschien mir, die Blüte dieser Küchenschelle(?) nicht einfach “nur so” vor weißem Hintergrund abzulichten, sondern mittels ungewöhnlicher Anordnung und mutigem Beschnitt einerseits und der Fokussierung auf den ungewöhnlich haarigen Stengel andererseits eine andere Sichtweise in der Blütenfotografie zu erzielen.

Profi Robert Kneschke meint zum Bild von Alexander Gohlke:

Als Autor für fokussiert.com erhalte ich Einblick in die Fotos, welche uns Leserinnen und Leser für diese Rubrik schicken. Blumen, Pflanzen und Blüten sind da ein so häufiges Motiv, dass ich schon an anderer Stelle einen Beitrag über die “vier typischen Anfänger-Fehler bei Blumenfotos” geschrieben habe.

Umso mehr freut es mich, dass es mal ein Foto gibt, bei dem sich der Fotograf getraut hat, bewußt einen neuen Blickwinkel auf das arg überstrapazierte Motiv “Blume” zu versuchen:

Und es ist ihm gelungen. Alexander Gohlke hat sich entschieden, nicht wie üblich die schöne, bunte, symmetrische Blüte in den Mittelpunkt zu stellen, sondern diesmal den haarigen Stengel.

Der Fokus liegt auf dem Stengel, und der Blütenkelch und die Blätter bilden nur unscharf im Vordergrund oben und unten einen Abschluss. Trotzdem sind diese für die Bildwirkung nicht zu unterschätzen. Einerseits lassen diese Pflanzenteile überhaupt erst erkennen, dass der Stengel Teil einer Blume sein soll und andererseits bringen sie durch die Unschärfe etwas Tiefenwirkung ins Foto. Dieselbe Unschärfe lässt Blüte und Blätter aber auch als abstrakte Farbkleckse erscheinen, die Farbe und Abwechslung ins Form bringen. Zusammen erinnert das Bild so mehr an ein abstraktes Gemälde als an ein naturalistisches Foto.

Zwei Kleinigkeiten hätten noch verbessert werden können: Rechts dominiert mir zu sehr der weiße, für die Bildaussage unwichtige Hintergrund, was durch einen quadratischen Schnitt wie in meinem Beispiel behoben werden könnte. Außerdem stört mich etwas, dass das ganz linke grüne Blatt unten sich mit dem Stengel schneidet. Hier hätte entweder eine leichte Bewegung der Kamera nach rechts geholfen. Falls das jedoch den gelben Farbtupfer, der hier gut direkt über dem Stengel liegt, ebenfalls zu sehr verschoben hätte, hätte der Fotograf die Blätter sicher auch von Hand minimal verschieben können.

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Kommentar des Fotografen:

Wie nicht schwer zu erraten ist das Foto auf Kuba entstanden. Dieses Foto ist nicht geplant, sondern ein für mich erhofftes gefundenes Motiv, welches ich beim Streifzug durch Havanna entdeckt habe. Das Bild wurde nicht unbemerkt aus der Distanz aufgenommen, sondern mit einem 50mm Objektiv nach einem kurzen Smalltalk aus relativ kurzem Abstand. Ob der freundliche Kubaner ein Wort verstanden hat, bezweifle ich heute; er hat halt positiv reagiert. Das Original ist ein Farbdia, die Blende vermutlich 4.0 (habs nicht notiert).

Profi Robert Kneschke meint zum Bild von Matthias Kleinmanns:

Menschenportraits können so einfach sein: Sehen, abdrücken, fertig. Selbst mit minimaler Ausrüstung, in diesem Fall der günstigen 50mm-Festbrennweite und natürlichem Licht, gelingen ansprechende Fotos, wenn, ja wenn das Motiv spannend genug ist. Bei der Portraitfotografie heißt das für den Fotografen, die richtigen, fotogenen, interessanten Personen suchen und finden zu müssen und diese dann so zu motivieren oder zumindest zu beschäftigen, dass ihr Abbild dann natürlich wirkt.

Matthias Kleinmanns hat das mit diesem Foto eines kubanischen Senioren ganz gut geschafft:

Eben auch deshalb, weil er nicht die Unsitte einiger sogenannter “Street-Fotografen” übernommen hat, heimlich und unbemerkt mit einem Tele-Objektiv auf nichtsahnende Passanten zu schießen (siehe hier oder hier). Das Argument dieser Fotografen ist oft, dass ein vorheriges Fragen das “Motiv zerstören” würde. Dass das nicht in jedem Fall stimmt, beweist Kleinmanns mit seinem Porträt, was gerade erst durch den eindringlichen Blick des Senioren in die Kamera fesselt.

Gelungen ist das Bild auch deshalb, weil es sich nicht nur in Hinblick auf Brennweite und Beleuchtung auf das Wesentliche konzentriert. Außer dem Mann ist nichts im Bild zu sehen, die hellgrauen Mauern bieten den Augen keine Ablenkung und das dunkle Fenster hinter dem Mann bildet einen natürlichen Rahmen. Am auffälligsten sein die hellen Streifen des Unterhemdes, welche den Blick erst auf sich ziehen und dann nach oben zum Gesicht des Mannes ziehen.

Noch weiter reduziert werden könnte das Bild, wenn der angeschnittene Fensterladen links am Bildrand einfach ignoriert werden würde, indem das Bild quadratisch beschnitten wird.

Dann fällt jedoch auf, dass die horizontale Ausrichtung eben an diesem Fensterrahmen erfolgte und ohne diesen die anderen Linien im Bild leicht nach links zu kippen scheinen. Deswegen sollte das Foto noch ca. einen Grad nach rechts gedreht werden (siehe Beispielbild).

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Kommentar des Fotografen:

Jetzt trau ich mich mal. Das Bild entstand spontan während eines Fussballspiels in Cape Town. Ich war am experimentieren in den Katakomben mit verschiedenen Einstellungen. Schon im Sucher hat mir das Sujet gefallen. Hätte mich das Spiel, oder eher die Zuschauer, etwas weniger fasziniert wärs wohl noch zu einen weiteren Versuch mit einem etwas tieferen Winkel gekommen.

Ganz schwarz wollte ich den Rahmen nicht machen um die Stadionatmosphäre nicht ganz zu verlieren, das selbe gilt für die wenigen erkennbaren Elemente im Gegenlicht.

Ich habe im LR den Kontrast um 30 erhöht, den Schwarzwert und die Belichtung leicht angepasst und Dynamik und Sättiung runtergeschraubt. 1/60 bei f/3.5, ISO 100, BW 30mm

Profi Robert Kneschke meint zum Bild von Andi Gentsch:

Dieses Bild hat etwas Ikonisches. Genau genommen ist nichts zu erkennen, dunkle Schatten vor überstrahltem Weiß. Aber genau davon leben ikonische Zeichen im semiotischen Sinne. Durch die Reduzierung auf allein die Formen der Menschen wird das Bild so vereinfacht, dass relativ schnell und leicht zu erkennen ist, was die Umrisse der Menschen da machen:

Sie stehen, sitzen, warten, interessiert, aber nicht vollkommen bei der Sache.

Es mag vermessen klingen, aber ich komme nicht umhin, das Foto mit dem Abendmahl-Gemälde von Leonardo da Vinci vergleichen zu müssen. Was ich meine, wird in der abstrahierten Form des Künstlers Christopher Lewis noch besser deutlich. Dieser hat die Personen auf dem Abendmahl-Bild durch menschliche Piktogramme ersetzt, und die Anordnung erinnert an die Fußball-Fans auf dem Foto.

Vielleicht ist es diese unterschwellige Anlehnung an eins der berühmten Gemälde der Welt, was das Foto so ansehnlich macht. Das Ikonenhafte wird interessanterweise auch auf andere Weise deutlich. Ich habe mit der Google Bildersuche mal nach ähnlichen Motiven basierend auf dem Foto suchen lassen, und als Treffer zu “optisch ähnlichen Bildern” erhielt ich fast ausnahmslos Logos, Markennamen und plakativen Text, also alles Motive, die von einer klaren, schnellen Erkennbarkeit leben.

Das Format des Motivs legt nahe, dass sich hier ein Panorama-Format anbieten würde, damit die Augen nicht unnötig lange über die großen schwarzen Flächen wandern müssen, wo es eh nichts zu sehen gibt. Ich habe das Format mal geändert, und so wirkt das Motiv noch stärker. In diesem Format kann ich es mir sehr gut auf einer Leinwand für das Wohnzimmer vorstellen.

Wo wir schon bei Verbesserungsvorschlägen sind: Die dritte Person von links, die alleine zwischen den zwei sitzenden Zuschauern steht, ist als einzige Person von der Kontur her schwierig zu erkennen. Hier hätte der Fotograf zwei, drei mehr Bilder machen können, um eventuell eine passendere Körperhaltung einfangen zu können.

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Kommentar des Fotografen:

Mit diesem Bild habe ich versucht den Herbst positiv und farbenfroh einzufangen. Mir gefällt der tiefe Stand der Sonne der für kontrastreiche Schattierungen sorgt. Die leichte “Schräglage” und die Farben drücken etwas fröhliches aus.

Profi Robert Kneschke meint zum Bild von Matthias Bäuml:

Auf den ersten Blick mag es befremdlich erscheinen, ein Herbstbild im Frühling zu besprechen. Dabei ist es nicht so abwegig, denn ein gutes Foto enthält auch die Kraft, beim Betrachter die dazugehörigen Vorstellungen zu wecken. Wenn ich auf das Foto der herbstlichen Bäume mit den bunten Blättern schaue, spüre ich direkt die warmen Sonnenstrahlen auf meiner Haut und höre, wie die verwelkten Blätter unter meinen Füßen rascheln, wenn ich durch das Gras spaziere.

Dieser Effekt wird einerseits erzeugt durch die tiefe Kameraposition, welche die Blätter größer und wichtiger wirken lässt und außerdem eine angenehme Tiefenwirkung ins Bild bringt, andererseits durch die tiefstehende Sonne, deren helle Strahlen sich deutlich sichtbar vor der dunklen Baumreihe abheben. Die Schräglage des Bildes sehe ich ambivalenter als der Fotograf, der dadurch einen fröhlichen Eindruck erwecken will. Schiefe Horizonte erzeugen oft Unruhe im Bild, während zu dieser herbstlichen Idylle eher eine ruhige Atmosphäre passen würde. Andererseits lenkt der Horizont den Blick schnell nach rechts unten, wo als Hauptmotiv die Herbstblätter im Gras das Bild dominieren, was wiederum gut passt.

Nicht ganz ersichtlich ist mir, warum der Fotograf mit der Kombination ISO 400 und Belichtungszeit 1/320 gearbeitet hat. ISO 100 mit 1/80 Sekunde hätte ebenfalls zu einem scharfen, dafür aber rauschärmeren Bild geführt. Als Alternative wäre auch eine offenblendigere Version, vielleicht mit Blende 4, interessant gewesen, um die gefallenen Blätter noch mehr zu betonen.

Bei diesem Motiv hätte sich auch eine Belichtungszeihe angeboten, um den Kontrastumfang des Bildes deutlich zu erhöhen. Damit hätte auch der Himmel seine schöne blaue Farbe behalten können, was einen passenden Kontrast zu den gelben Herbstblättern abgegeben hätte.

Insgesamt aber schon eine gut komponierte Umsetzung der Herbstlandschaft.

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Kommentar des Fotografen:

Als Hobbyastronom verbrachte ich die zweite Hälfte einer Dezembernacht letzten Jahres um Astrofotos zu machen.Ich hatte meine Kamera schon eingepackt,als sich der Morgennebel über Villach auflöste. Die Weihnachtsbeleuchtung der Stadtpfarrkirche tauchte die Stadt in ein mystisches Licht und so entstand dieses Foto. Stativ war mein Autodach da ich keine Zeit wegen des abziehenden Nebels vergeuden wollte.

Profi Robert Kneschke meint zum Bild von Hans Koechl:

Mehrmals hatten wir hier auf fokussiert.com beeindruckende Leserbilder besprochen, die nur durch Ausdauer, Geduld oder übermenschliche Anstrengung entstehen konnten. Dieses Bild ist ein weiteres Beispiel. Nicht genug, dass der Fotograf die ganze Nacht ohne Schlaf auf den Beinen blieb, um Aufnahmen zu machen, er wählte dazu auch noch den Dezember, einen Monat, bei dem ich regelmäßig fürchten muss, mir draußen meine sensiblen Fingerchen einzufrieren, wenn ich metallische Teile meiner Fotoausrüstung anfasse.

Aber das Ergebnis ist es wert:

Sehr imposant und märchenhaft wirkt das Foto mit dem dichten, wabbernden Morgennebel im verschneiten Tal, wo das Dorf nur durch die geordneten weißen und teils bunten Lichter zu erkennen ist. Hier zeigt sich auch, welchen Vorteil der Dezember trotz der Kälte bieten kann: Zur Weihnachtszeit gibt es nachts deutlich mehr bunte Lichter zu sehen als in anderen Monaten.

Als hätte die Natur einen Sinn für gute Bildkomposition lichtet sich der Nebel gerade dort, wo das Dorf besonders bunt strahlt, als wolle sie sagen: Seht her, hier gibt es was zu sehen. Die Tannen im Schatten am unteren Bildrand umrahmen das Tal sehr fotogen und als kleines Tüpfelchen auf dem i erstreckt sich in der rechten unteren Ecke etwas Schnee in Richtung Kamera, um dem Bild etwas mehr Tiefe zu verleihen; als wäre das überhaupt nötig gewesen.

Rechts am Horizont finde ich den Himmel durch die zaghaft aufgehende Sonne fast schon zu hell, hier wäre es spannend gewesen, zu sehen, wie das Motiv zehn, zwanzgi Minuten vorher vom Licht her gewirkt hätte. Insofern war der Verzicht auf das Stativ sicher die richtige Wahl gewesen, da das bestimmt ein, zwei wertvolle Minuten gekostet hätte. Aber einen guten Fotografen zeichnet eben auch aus, dass er improvisieren kann und in solchen Fällen eben ein Autodach oder was sonst eben greifbar ist, als Hilfsmittel verwendet.

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Kommentar des Fotografen:

Vordergründig nehmen die architektonisch dominierenden Formen der Treppenstufen das Bild ein aber unser Blick findet noch etwas anderes… Bei der Aufnahme des Bildes tanzten die Laubblätter im Herbstwind um mich herum und ich pickte dieses Eine auf der Treppe heraus. Wo will es hin? Durch die farbliche Hervorhebung des Blattes habe ich versucht das Ungleichgewicht im Formenkontrast auszugleichen.

Profi Robert Kneschke meint zum Bild von Arvid Kammler:

Der Color-Key-Effekt ist ein tolles Element in der fotografischen Trickkiste, um manche gute Bilder noch besser zu machen. Es ist aber kein Allheilmittel, um eher unspektakuläre Bilder überhaupt sehenswert zu machen. Der Color-Key-Effekt hebt ein Element des Bildes farbig, meist in seiner Orignalfarbe, hevor und lässt den Rest des Fotos in Schwarz-Weiß versinken, um so gegenüber dem farbigen Hauptmotiv in den Hintergrund zu treten.

Das bedeutet jedoch auch, dass es ein Motiv geben muss, das groß genug ist, um wirksam die Blicke anziehen zu können. Das ist hier beim gezeigten Bild von grauen Treppenstufen mit einem sehr winzigen braunen Herbstblatt, fast ein Blättchen, leider nicht der Fall.

Der Fotograf wollte durch den Color-Key-Effekt den Formkontrast zwischen den geraden Linien der Treppenstufen und der organischen Form des Blattes stärker herausarbeiten. Das funktioniert auch deshalb nicht, weil die Treppen selbst genug Unebenheiten, Schmutz, Beschädigungen und aufgeplatzten Mörtel haben, um die strenge Linienform aufzubrechen. In seinem Kommentar meint der Fotograf, er versuche, mit dem Color-Key-Effekt den Formkontrast auszugleichen. Genau das Gegenteil ist üblicherweise das Ziel dieses Effekts, was aber hier wegen der genannten Gründe nicht erreicht wird.

Nüchtern betrachtet bleibt dieses Foto deshalb leider eine langweiligen Aufnahme einer Treppe, bei der unfreiwillig der größte Reiz darin besteht, dass die Form des kleinen Blattes auf den ersten Blick an einen winzigen Kinderwagen erinnert.

Die Bewegung der herumwirbelnden Herbstblätter, die Du einfangen wolltest, ist auf dem Foto nicht sichtbar. Das Blatt liegt starr an seinem Fleck. Übliche Tricks, um Bewegung auf einem statischen Foto zu simulieren, wären zum Beispiel Bewegungsunschärfe – entweder durch Mitziehen der Kamera oder hier durch eine Langzeitbelichtung, wo dann hoffentlich die Flugbahnen mehrerer wehender Blätter zu erkennen gewesen wären.

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Kommentar des Fotografen:

Das Foto entstand im Sommer auf der Nordseeinsel Spiekeroog. Ich war abends unterwegs, um ein paar schöne Aufnahmen vom Strand zu machen. Die Lichtstimmung war einfach gigantisch. Interessant finde ich die Lichtspiegelungen der Muscheln im Sand.

Profi Robert Kneschke meint zum Bild von Ulrich Beckonert:

Dieses Foto könnte man zu den optischen Täuschungen zählen. Wer sich das Bild in kleiner Größe bzw. von weit entfernt anschaut, bekommt den Eindruck, dass es ein Foto vom Meer ist. Dann fällt auf, dass ganz links zwei Personen laufen, die dann logischerweise über das Wasser laufen müssten. Das geht doch gar nicht?

Erst bei näherer Betrachtung klärt sich dieses scheinbare Rätsel und der Betrachter erkennt, dass der Vordergrund doch nicht das Meer, sondern nur der Strand ist.

Erreicht wird dieser Effekt unter anderem durch die sehr geringe Tiefenschärfe trotz Blende Acht, vermutlich durch ein Makro-Objektiv erreicht. Dadurch verschwimmt ein großer Teil des Vordergrunds in Unschärfe, genau wie bei einem Meer, was bei schneller Wellenbewegung unscharf abgebildet wird.

Kaum zu sehen, aber trotzdem sehr wichtig für das Bild, sind die beiden unscharfen Gestalten ganz links. Dadurch erst werden die abstrakten Muschelpunkte vorne in eine Größenrelation gesetzt, die erkennen lässt, dass es relativ kleine Gegenstände sein müssen, die da gezeigt werden.

Für meinen Geschmack sind die Personen jedoch schon zu weit links angeordnet und fallen fast aus dem Rahmen. Hier wäre es besser gewesen, wenn beide Personen so weit nach rechts gerückt worden wären, dass die linke Person da steht, wo jetzt die rechts Person steht.

Rein technisch betrachtet ist auch die Mitte des Himmels durch die tiefstehende Sonne stark überbelichtet, sodaß das Weiß keine Zeichnung mehr enthält. Hier stört mich das aber, kombiniert mit den ebenfalls reizvollen gelb-grünen Blendenflecken fast nicht, weil das Rätselhafte der Szene dadurch mehr herausgestellt wird.

Insgesamt ein sehr sehenswertes Foto, was mit ganz einfachen Mitteln entstanden ist – wenn man sich nur traut, sich selbst oder die Kamera in den Sand zu legen.

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Kommentar des Fotografen:

Nach einem schönen Tag im SeaLife München ist dieses Bild “Trojan Horse” entstanden. Kurz vor dem Ausgang war dann das größte Becken des SeaLife zu sehen. Ein unscheinbares Fenster direkt vor dem Ausgang bot mir dann diesen Blick. Ich wollte unbedingt diese Perspektive festhalten. Das Licht von oben, das Blau des Wassers, die Luftblasen, die Tiere, die im Becken schwammen, und natürlich das riesige Holzpferd. Die meiste Zeit von meinem Besuch im SeaLife habe ich wohl genau an diesem Fenster verbracht. Ich hatte Glück, dass dieses Fenster nicht so stark gebogen war. Da das Fenster nicht besonders groß ist und man keine Möglichkeit hat, ein paar Schritte zurückzutreten, musste ich direkt an das Fenster ran, um das Pferd komplett ablichten zu können. Genau hier war ich richtig froh, dass mein Canon 50mm f1.4 an meiner Canon 5D Mark II genau den richtigen Bildausschnitt hatte. Mein Freund, der auch dabei war, hatte mit seiner Canon 50D und dem 50mm f1.8 weniger Glück. Der Bildausschnitt an seiner Kamera war zu eng. Da mich dieses Pferd an das Holzpferd von Troja erinnerte, benannte ich das Bild dementsprechend.

Profi Robert Kneschke meint zum Bild von Christian Steiner:

Eine Szene wie aus einem Märchen. Nein, genauer, wie aus einer Geschichte aus längst vergangenen Zeiten. Sofort beim Anblick musste ich an das trojanische Holzpferd denken; mittlerweile versunken auf dem Meeresgrund, wartet es auf die Entdeckung durch den Fotografen.

Es ist ein gutes Bild, weil es eben bei den meisten Betrachtern die Geschichte vor dem inneren Auge ablaufen lässt. Außerdem ist es ein seltenes Motiv, und diese Art der Unterwasseraufnahme kann auch nicht jeder Fotograf einfach in der heimischen Badewanne oder beim Tauchurlaub nachmachen.

Der Lichtfall von oben schräg nach rechts beleuchtet genau das versunkene Pferd, was eindeutig das Hauptmotiv im Bild ist. Die passende Würze bringen jedoch die vielen Fische und anderen Meeresbewohner, die mit ihrem Gelb zum einen für den farblichen Kontrast sorgen, zum anderen im Gegensatz zum toten Pferd auch etwas Leben und Bewegung ins Bild bringen.

Trotzdem behält das Foto einen schalen Beigeschmack. Deinem Kommentar nach entstand das Foto beim Besuch des SeaLife München, wo der Blick ins riesige Aquariumbecken durch ein Fenster eigentlich nur diese ein Perspektive ermöglicht.

Die meisten Punkte, die ich oben gelobt habe, die Komposition, das Zusammenspiel aus Pferd und Fischen und die Positionierung des Lichts sind also streng genommen keine Leistungen des Fotografen, sondern des Architekten und der Planer des SeaLife, die mit ihrer Bauweise sehr wahrscheinlich genau diesen Effekt erzielen wollten, der letztendlich auf dem Foto zu sehen ist.

Das Foto und das Motiv wird dadurch nicht schlechter. Überlegenswert ist nur, wie viel Lob für die kreative Leistung dem Fotografen gebührt und wie viel den SeaLife-Verantwortlichen. Das ist vergleichbar mit Ergebnissen eines Foto-Workshops, wo der Workshop-Leiter das Licht gesetzt und die Models gebucht, die Stylisting die Models bekleidet und geschminkt hat und die Fotografen nur noch auf den Auslöser drücken mussten.

Auch dabei bleibt einiger Spielraum für Kreativität – aber in einem bereits vorgegebenen, hochwertigen gestalterischen Rahmen, der nicht das Verdienst des Fotografen ist.

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Kommentar des Fotografen:

Meine Interpretation einer Situation im Riesenrad im Wiener Prater: Mir gefällt, dass die zweite Person des romantischen Dinners praktisch vollständig vom Fensterrahmen verdeckt ist. Der rote ColorKey im kontrastreichen schwarz-weiß soll ein wenig an SinCity erinnern, da die eigentliche Szene ja eher romantisch ist. Bin gespannt auf die Profi-Kritik.

Profi Robert Kneschke meint zum Bild von Lars Röglin:

Schwarz-Weiß-Fotos leben von Kontrasten und der Komposition. Spannend wird es, wenn durch den Color-Key-Effekt der Kontrast durch eine zusätzliche Farbe – im gezeigten Fall Rot – entsteht und damit die Aussage “Schwarz-Weiß-Bild” fast konterkariert wird. Außerdem kann ein Color-Key-Effekt durch übertriebenen Einsatz schnell kitschig oder peinlich wirken.

Beim Foto von Lars Röglin passt der Effekt jedoch erstaunlich gut.

Das hat mehrere Gründe. Fangen wir außen an und arbeiten uns nach innen vor. Das Foto ist symmetrisch aufgebaut, was oft eine Sogwirkung ins Bild hinein entfaltet. Durch die harte Sonne von oben links wird sie etwas aufgelockert, da die Schatten nicht gleichmäßig verteilt sind. Die starke Sonneneinstrahlung sorgt außerdem für eine knackige Hell-Dunkel-Verteilung im Bild, die besonders Schwarz-Weiß-Fotos gut steht.

Das knallige Rot in der Mitte sorgt für den Hingucker und erleichtert es, im Gewirr von Metallträgern, Drahtseilen, Geländern und Betonwänden das eigentliche Motiv – eine Art Eisenbahnwagon zu erkennen. Innerhalb dieses “Hinguckers” gibt es ein “Bild im Bild”, auf dem ein älterer Mann im Profil durch das Fenster zu erkennen ist.

Du fandest es faszinierend, dass die Person gegenüber nicht zu erkennen ist, aber ich bin mir da nicht so sicher, ob dieser Kunstgriff geglückt ist. So wirkt es, als würde der Mann mit einem Strauß Rosen flirten, was die Szene skurril wirken lässt. Andererseits passt das wiederum angesichts der metallenen Konstruktion, bei der ein Betrachter sowieso nicht automatisch an ein romantisches Rendevouz denken würde. Die Assoziation mit der Filmästhetik von “Sin City” liegt hier in der Tat nah.

Verbessert werden können hätte die Kombination aus Belichtungszeit und ISO-Wert. Ich bin mir sicher, dass sich das Riesenrad nicht so schnell bewegt hat, dass 1/3200 Sekunde notwendig gewesen wären. Mit 1/1600 oder 1/800 Sekunde hätte der ISO-Wert auf ISO 400 oder gar ISO 200 gesenkt werden können, was in Druckgröße zu einer Rauschreduzierung geführt hätte.

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Kommentar des Fotografen:

Dieses Bild habe ich am frühen Abend gezwungenermaßen aus einem Auto heraus gemacht. Meine Besorgnis über verwackelte Linien Sorgte sich bei der Sichtung und Wohlgefallen auf! Mir persönlich gefallen die geschwungenen Linien sehr. Ich würde mich sehr über eine professionelle Kritik freuen, da ich noch nicht lange Fotografiere. Belichtet habe ich 60 sec bei ISO 100.

Profi Robert Kneschke meint zum Bild von Ole Krüger:

Wie einige wissen, verdiene ich mein Geld mit der Stockfotografie, der Fotografie von Motiven, die kommerziell nutzbar sind und von verschiedenen Kunden lizenziert werden können. Auch wenn auf dem gezeigten Foto keine Personen zu sehen sind, ist das Foto trotzdem kommerziell sehr interessant.

Besonders wichtig ist natürlich die Aussage:

Die Geschwindigkeit als Konzept wird durch die Langzeitbelichtung von einer Minute sofort sichtbar, die Autobahn trägt ebenfalls ihren Teil dazu bei und sorgt dafür, dass “Transport” ebenfalls ein passendes Konzeptwort wäre.

Auch gestalterisch ist das Bild gelungen, obgleich nüchtern betrachtet wenig zu erkennen ist. Horizontal folgt die Trennung von Himmel und Straße der “Rule of Thirds”, also der harmonischen Teilung bei ungefähr einem Bilddrittel. Vertikal ist die Drittelteilung ebenfalls dort zu erkennen, wo sich die Autobahn biegt und durch die meisten Lichtpunkte der hellste Bereich im Foto zu finden ist.

Farblich ist das Bild stimmig, weil das kühle Abendblau des Himmels einen Komplementärkontrast zu den orangen Lichtern der Fahrzeuge bildet. Diese sind dabei jedoch nicht eintönig orange, sondern erreichen diese Farbe als Quersumme verschiedener gelber und roter Lichter, die das Bild abwechslungsreicher machen. Die dicken weißen Fahrbahnmarkierungen auf der Straße sorgen für eine visuelle Orientierung, an der sich die Augen des Betrachters langhangeln können.

Verbessert werden könnte eventuell die gelbe Lichtspur auf der linken Seite, da sie vor allem zum Horizont hin erkennbar ins Weiße ausfrisst. Wenn das Bild im RAW-Format aufgenommen würde, könnte ein Fake-HDRI helfen, indem im RAW-Konverter zusätzlich zum Ausgangsbild eine deutlich unterbelichtete Version entwickelt wird, die dann mit einem HDR-Tool mit dem Originalfoto verschmolzen wird.

Die geschwungenen Linien sind Geschmackssache. Ich selbst hätte sicher weiter probiert, wenn das Auto auf einer glatteren Strecke unterwegs ist, um den direkten Vergleich mit geraden Linien zu haben.

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Kommentar des Fotografen:

ich wollte mal einen anderen Ausschnitt meiner Katze zeigen. Sie saß am Fenster, gg Abend, daher die lange Belichtungszeit. Die kleine Blende (eigentlich schon zu klein) wollte ich, um eine gute Tiefenschärfe zu erreichen. Farbe und Kontraste wurden in PS nachgearbeitet.

Profi Robert Kneschke meint zum Bild von Carsten Schröder:

Plüschtier, Hauskatze oder wilder Löwe? Auf den ersten Blick ist es gar nicht so einfach zu sagen, was auf dem Foto zu erkennen ist. In diesem Fall macht genau das den Reiz aus. Bezaubernde Fotos von niedlichen Kätzchen, die mit großen Augen in die Kamera schauen, gibt es schließlich zuhauf.

Hier probierte der Fotograf Carsten Schröder, seine Katze mal anders abzulichten und es ist im bravorös gelungen. Er konzentrierte sich auf ein anderes typisches Merkmal von Katzen: Die Beine und die Pfoten. Dadurch fällt der Kopf als Vergleichsmaßstab weg und es ist nur schwer einschätzbar, wie groß das gezeigte Tier tatsächlich ist.

Die gelb-bräunliche Färbung des Fells trägt ebenfalls dazu bei, dass man nicht unbedingt an eine Stubenkatze denkt, sondern eher an eine Raubkatze.Die feinen Härchen und die gut abgebildeten Details der Fellstruktur erwecken zusätzlich den Eindruck, ganz dicht dabei zu sein. Kombiniert mit der Möglichkeit, dass es eine große, wilde Katze sein könnte, erhöht hier den Nervenkitzel. Möglich wurde das durch die her weit geschlossene Blende (Blendenwert 25), die als Nachteil jedoch zu einer langen Belichtungszeit führt.

Erstaunlich ist, dass das Bild bei der relativ langen Belichtungszeit von 8/10 Sekunden nicht verwackelt wurde, obwohl sich immer noch die Katze hätte bewegen können, selbst wenn die Kamera auf einem Stativ gestanden hätte. Dafür musste der Fotograf einen ISO-Wert von 800 in Kauf nehmen, was aber nicht auffällt, weil keine größeren homogenen Flächen im Bild sind, wo das Rauschen am meisten auffällt.

An der Komposition sowie an der Bearbeitung ist nichts auszusetzen: Die Linien der Härchen lenken den Blick von oben nach unten zu den Pfoten, die das Gefühl erzeugen, über das weiche Fell streicheln zu wollen. Insgesamt ein überzeugendes Foto, welches sogar ohne großen technischen Aufwand umgesetzt werden konnte.

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Kommentar des Fotografen:

Ich bin Hobbyfotografin und lese seit langem mit grossem Interesse die Bildkritiken und versuche die Tipps auch bei meinen Bildern umzusetzen. Dieses Bild entstand im Dänemark-Urlaub im letzten Herbst an der ruhigen Ostsee beim Standspaziergang mit einer einfachen Compact-Kamera. Es gefällt mir vom Bildaufbau sehr gut. (Als Kategorie hätte ich Urlaubsbild gewählt, zu sehen sind meine Lieben. ;-))

Profi Robert Kneschke meint zum Bild von Sara Obornik:

Das gezeigte Foto ist ein Urlaubsfoto mit der Familie der Fotografin drauf für das heimische Fotoalbum. Ihr gefällt der Bildaufbau sehr gut – und damit hat sich die Sache erledigt. Schönes Bild, Klebe-ecken ran und rein ins Album. Da es aber für eine ausführliche Bildkritik eingesandt wurde, können wir es dabei nicht belassen. Ich habe nun das schwere Los, der Fotografin zu sagen, dass mich der Bildaufbau überhaupt nicht überzeugt. Das hat mehrere Gründe. Aber erst mal das Positive:

Der Horizont ist genau waagerecht ausgerichtet und die beiden großen Steine im Vordergrund bilden zusammen mit der Familie im Hintergrund ein Dreieck, zwischen dem der Blick hin- und herwandern kann.

Aber halt, habt Ihr etwas bemerkt? Die Familie im Hintergrund auf dem Urlaubsfoto? Was denn nun? Wenn es ein richtiges Urlaubsfoto sein soll, das heißt, ein Foto, auf dem die teilnehmenden Personen alle gut zu erkennen sind und sich später gut an die tolle Zeit erinnern können und die Daheimgebliebenden ebenfalls erahnen können, wie toll der Urlaub war: Dann sind die drei Personen auf dem Bild eindeutig viel zu klein abgebildet.

Wenn jedoch die Schönheit der Natur im Mittelpunkt stehen soll, dann überzeugt leider weder der unaufgeräumte Strand, das dunkle Stück Schlick rechts unten im Bild, noch der diesige Himmel. Zwischen den beiden großen Steinen ist dann zuviel Leere. Diese wird zwar gefüllt von Sand und vielen kleinen Steinchen, diese sind jedoch nicht aufsehenserregend genug, um das Foto “zu tragen”.

Geholfen hätte hier entweder ein ungewöhnlicherer Blickwinkel, zum Beispiel viel dichter in Bodennähe, eine spannendere Gesteinsformation oder ein anderer Beschnitt. Ich habe das Foto versuchshalber mal zu einem radikalen Hochformat-Panorma beschnitten und siehe da: Es ist kein Meisterwerk geworden, sieht aber deutlich spannender aus als die Ausgangsvariante. Allerdings sind die Menschen nicht mehr drauf und der Zweck als Urlaubsbild damit ebenfalls hinfällig.

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Kommentar des Fotografen:

Ursprünglich sollte das Mädel frustriert wirken, wer läuft schon gerne so über Schienen

Profi Robert Kneschke meint zum Bild von Peter Knechtges:

Manchmal sagt der Kommentar zu einem Foto mehr aus als das Bild selbst. Genau genommen ist das nicht die beste Aussage über ein gutes Foto, denn es sollte für sich selbst sprechen können. Auf mich wirkt das Foto zusammen mit dem Kommentar so:

“Ich hatte als Fotograf ein Fotoshooting mit einer hübschen, jungen Frau geplant, die Hobbymodel ist. Ich wusste dann draußen irgendwann keine Motive mehr, die ich mit ihr hätte umsetzen können, deshalb sollte sie ihren Rollkoffer nehmen, in dem sie ihre Kleidung mitgebracht hat und mal frustriert schauen. Hat aber leider nicht geklappt”.

Die Gründe, warum das nicht funktioniert hat, sind vielfältig, aber leicht zu erkennen. Fangen wir bei einem der wichtigsten Komponenten an: Der Bildaussage. Mit einer gelungenen Aussage im Foto werden handwerkliche Fehler eher verziehen als bei einem Foto, welches nur durch kompositorische Schönheit wirken will.

Hier passt zwar die elegante Kleidung des Models zum Rollkoffer, aber weder wirkt sie frustriert, noch sieht sie so aus als würde sie angestrengt schon lange so laufen. Sie und der Koffer stehen eindeutig, deswegen wird das erwähnte “Laufen” als Aussage nicht erreicht.

Aber es ist auch kein Grund ersichtlich, warum die Frau auf Schienen laufen sollte. Quer über die Schienen ist unwahrscheinlich, weil auf der einen Seite ein Zaun zu sehen ist und eine Frau im Minirock selten zum Typ Frau gehört, der einen schweren Koffer über einen Zaun wuchtet und gleich hinterher hüpft. Und längst auf den Schienen zu laufen passt ebenfalls nicht. Einerseits, weil kein Ziel zu erahnen ist, was bei einem vertikalen Format sowieso schwerer umzusetzen ist, andererseits, weil der Typ Frau wieder so wirkt, als würde sie eher lässig mit dem Koffer an den Gleisen ihre Hand heben, in der Hoffnung, ein Taxi möge kommen.

Auch handwerklich ist das Foto deutlich verbesserungswürdig. Die Haare rechts sind deutlich überstrahlt, hier hätte eine Unterbelichtung mit einem zusätzlichen Aufhellblitz von vorne den Kontrast und die Überstrahlung mindern können. Außerdem stört die große, klobige Halskette an der Frau und ihr sichtbarer BH-Träger.

Das Foto wäre sicher besser geworden, wenn Du Dir besser überlegt hättest, wie Du die vorhandenen Möglichkeiten – Frau, Koffer, Schienen, Zaun – hättest nutzen können. Spontan fallen mir beispielsweise ein: Die Frau lauscht kniend angestrengt an den Gleisen, ob ein Zug kommt, die Frau sitzt spielerisch auf dem Koffer wie ein Zugführer, ein sommerliches Beauty-Porträt mit der Frau auf dem Zaun sitzend – und so weiter.

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Kommentar des Fotografen:

Das ist mein 2 Wochen alter Sohn und ich hatte keine bestimmte Absicht als nur die, ein schönes Foto von ihm zu machen. Ich liebe die Gesichtchen und Körper von Neugeborenen im allgemeinen. Ich kann mich an ihnen nicht satt sehen. Neugeborene berühren mein Herz. Das wollte ich irgendwie dass es durchdringt. Das Bild wurde nachbearbeitet. Belichtungsdaten nicht vorhanden.

Profi Robert Kneschke meint zum Bild von Luciana Orsini:

Was sehen wir auf diesem Bild? Eine große, fast überdimensioniert abgebildete Hand auf schwarzem Hintergrund. Ach ja, da war noch was. Irgendwo am rechten Bildrand ist auch noch ein kleiner Säuglingskopf.

Das ist jetzt übertrieben, aber es zeigt gleich, was am Bild komisch ist. Es geht ja nicht um eine Hand, die eher zufällig ein Baby streichelt, sondern um ein niedliches, süßes, herzallerliebstes Baby, was in seinem friedlichen Schlummer gezeigt wird:

Deshalb stimmen im Bild die Proportionen nicht.

Aber nicht nur die sorgen für ein seltsames Gefühl beim Betrachter. Es ist nicht automatisch klar, dass die Hand das Baby wirklich streichelt, denn auf dem Foto unterscheidet sich die Fingerhaltung nur minimal von einer Faust, die zuschlagen will. Kombiniert mit dem leicht geöffneten Mund des Babys kann das Bild auch so wirken, also würde die Faust dem Baby ins Gesicht schlagen. Keine angenehme Assoziation.

Wenn der Größenunterschied zwischen Hand und Kopf betont werden soll, empfehlen sich viele andere Kombinationen. Die Klassiker sind, das Kopf in die geöffnete Handinnenfläche zu legen oder den Kopf sanft mit beiden Händen zu umschließen. Auch das schlafende Baby, welches mit dem Bauch auf dem Unterarm und dem Kopf in der Handfläche liegt, wird gerne fotografiert.

Klar, das sind alles ausgeleierte Klischees, aber im Vergleich zu diesem Foto wird verständlich, warum einige Motive sich zu Dauerbrennern entwickeln und andere nicht. Die vorgeschlagenen Motive betonen die Zartheit des Babys auf jeden Fall besser als eine Hand, die das Bild dominiert und den zarten Kopf an den Bildrand drückt.

Vor allem bei dem eigenen Baby sollten genug Zeit und Möglichkeiten vorhanden sein, ein gut durchdachtes Foto zu machen. Vor dem Schlaf können Decken, Kissen oder andere Hintergründe drapiert werden, das Licht mit einer Puppe oder einem Teddybär getestet werden, bis das immermüde Baby dann zu einem seiner Nickerchen in die fertig eingerichtete Location gebettet werden kann.

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Kommentar des Fotografen:

Ich habe diese Blume in den Bergen am Morgen nach einem heftigen Gewitter aufgenommen. Der Himmel wurde plötzlich aufgerissen, dies wird wunderbar in den Wassertropfen gespiegelt. Ich wollte speziell gestalten, mit Gegenlicht, Spiegelungen und Aufnahmestandort (am Boden liegend mit Einbeinstativ).

Profi Robert Kneschke meint zum Bild von Claudia Portmann-Caminada:

Es scheint paradox: Blumen zu fotografieren sollte sehr einfach sein. Sie sind klein, von Natur aus schön und halten ziemlich still, wenn nicht gerade ein Unwetter herrscht. Trotzdem ist es sehr schwer, gelungene Blumenbilder zu machen.

Jeder hat sie im Garten, seine Idealvorstellung im Kopf und es gibt eine schier unglaubliche Masse an atemberaubenden Blumenfotos, gegen welche die eigenen Fotos konkurrieren müssen.

Claudia Portmann-Caminada hat diese Aufgabe gut gelöst, indem sie die Blume in einem Zustand fotografiert hat, den sie nur selten einnimmt – komplett mit Wassertropfen benetzt – und der deshalb von Fotografen nicht so oft festgehalten werden kann wie die gleiche Blume im trockenen Zustand.

Durch die feinen Härchen der Blume bilden sich nacheinander Wassertropfen verschiedener Größen, was wie eine heimliche Ordnung und komplizierte Symmetrie im oberflächlichen Chaos wirkt. Durch das schräg von hinten erhält das Foto eine schöne Tiefenwirkung und der blaue Himmel, der sich in den größten Wassertropfen widerspiegelt, sorgt für winzige Kontrast-Farbtupfer.

Das einzige, was mich nicht ganz zufriedenstellt, ist das Format und die Komposition. Die Blume ist leicht schräg nach links geneigt und das seltsame Seitenformat von 1:1,18 irritiert. Ich habe das Foto leicht nach rechts geneigt und quadratisch beschnitten. So kann der Blick viel besser auf der gut eingefangenen Blume ruhen. Außerdem habe ich ganz behutsam die Tonwerte angepasst und dem Bild etwas Farbsättigung spendiert, damit der Hintergrund nicht so fade aussieht.

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Kommentar des Fotografen:

Titel: Rosen für Vincent II – Versuche mich in der Wischtechnik und bin über die Ergebnisse oftmals überrascht. Würde mich über eine Beurteilung, ob dies wirklich ein interessantes Foto ist, sehr freuen.

Profi Robert Kneschke meint zum Bild von Gisela Diederichs:

Wie meine letzten Fotokritiken gezeigt haben, bin ich kein Freund von missglückten Fotoaufnahmen, die der Fotograf nachträglich als “Kunst” zu deklarieren versucht, in der Hoffnung, sein technisches Unvermögen würde nicht bemerkt werden. Manchmal, aber nur manchmal, kommen durch fehlerhafte Fotos jedoch Bilder zustande, die es doch wert sind, genauer betrachtet zu werden. Und bisweilen entsteht daraus eine neue Technik.

Nach technischen Gesichtspunkten ist das hier gezeigte Foto eindeutig unscharf und somit misslungen:

Da Unschärfe aber viele Ursachen haben kann, wollen wir genauer sein: Das Foto ist “verwischt”, weil die Kamera während der Belichtungszeit von 1/50 Sekunde schnell in eine Richtung gezogen wurde.

Entstanden ist so ein abstraktes Blumenbild, was an Pointillisten wie Monet mit seinen Seerosen erinnert, wo sich das Bild genau genommen erst im Kopf aus vielen einzelnen Farbpunkten zusammensetzt. Auf ähnliche Weise wirkt das Foto von Gisela Diederichs. Wir erkennen, dass es ein Rosenbusch war, der abgelichtet wurde, aber ganz sicher sein können wir nicht, da es wirkt, als würde wir das Motiv durch halbseidenen Stoff betrachten, oder durch strömendem Regen. Außerdem wirkt die Verteilung der Farben sehr harmonisch, bei der die rosa und roten Tupfer nach oben hin immer größer und farbintensiver werden.

Aber warum hat dieses Foto etwas, was viele andere verwackelte Fotos nicht haben? Zum einen ist die Verwacklung kein Fehler, sondern Teil einer gezielten “Versuchsreihe”, bei der die Fotografin mit der “Wischtechnik” experimentiert hat. Streng genommen war die Unschärfe also kein Zufall, sondern Absicht. Natürlich kann man als Fotograf viel weniger beeinflussen, wie das Bild wird, wenn man die Kamera wild durch die Gegend schwenkt. Wer es aber mit Vorsatz macht und darauf achtet, worauf er seine Kamera richtet, verbessert seine Chancen deutlich. Seien wir ehrlich: Ich habe noch andere Fotos der Fotografin aus dieser “Testreihe” gesehen, die bei weitem nicht so gelungen waren. Aber ich bin sicher, dass dieses gelungene Foto nicht dabei gewesen wäre, wenn sie nicht absichtlich versucht hätte, diese fotografischen Fehler zu erzeugen.

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Kommentar des Fotografen:

Bei meinen Fotos lege ich großen Wert auf Authentizität, erst weit danach auf technische Perfektion. Während ich dieses Bild machte, wurde gleichzeitig ein Musikvideo gedreht, und ich als Fotograf wenig beachtet. Das gab mir die Möglichkeit, die Schönheit und Echtheit des Moments einzufangen, die alle Teilhabenden bemerkten und genossen – ohne dass man sich auf den Fotografen konzentrierte. Die (nahezu) offenblendig bedingte Tiefenunschärfe harmoniert in meinen Augen perfekt mit den vollkommen verschwommenen Gräsern im Vordergrund, die dem Bild mehr Tiefe geben.

Profi Robert Kneschke meint zum Bild von Max Niemann:

Es ist eine sehr schöne Pose: Ein junger Mann und eine junge Frau, die Frau liegt auf dem Rücken im hohen Gras und lehnt mit ihrem Kopf an der Brust des Mannes, der sitzend zu ihr nach unten schaut. Die Nasen berühren sich fast, und auch die Lippen könnten sich wahrscheinlich berühren, wenn sie wollten:

Die Frau faltet ihre Hände wie zum Gebet und der Mann umschließt diese mit seinen eigenen. So liegend bzw. sitzend strahlen die beiden Ruhe, Gelassenheit und ein verliebte Vertrautheit aus, die das Foto zu einem gelungenen Portrait macht.

Der – sehr wahrscheinlich bewölkte – Himmel, immerhin die größtmögliche Softbox, die ein Fotograf sich wünschen kann, sorgt für eine sehr gleichmäßige und sehr weiche Ausleuchtung, welche ideal zu dem romantischen Portrait passt.

Interessanterweise stört mich bei diesem Portrait genau das, was der Fotograf für sich als “perfekt harmonierend” betrachtet: Die Gräser im Vordergrund. Die Staffelung von Objekten im Raum ist meist ein sehr geeignetes Mittel, um im zweidimensionalen Medium Fotografie immerhin die Illusion von Tiefenwirkung und Räumlichkeit zu erzielen.

Das Problem bei diesem Bild ist, dass die eher zur räumlichen Orientierung gedachten Elemente nicht zurückhaltend das Bild schmücken, sondern sich radikal quer über das Hauptmotiv im Bild legen. Einmal genau über die Lippen der Frau und noch mal über die Nase des Mannes. So irritieren die Gräser mehr als sie in ihrer Funktion als “Tiefenwirkungsverstärker” das Recht dazu hätten.

Verbesserungswürdig ist auch die Kleidung des Mannes. Wenn wir die Aussage des Fotografen ernst nehmen, er wolle authentische Fotos machen, dann können die Leser meine Anmerkungen vor allem als Hinweise für eigene, gestellte Szenen lesen. Der Kragen an der (Leder-) Jacke des Mannes ist hochgeklappt, was meist härter und “cooler” wirkt, als es bei dieser eher zarten Pose sinnvoll wäre.

Der Hut nimmt eine sehr prominente Position im Bild ein und verdeckt logischerweise auch viel vom männlichen Kopf, was ebenfalls etwas von der Nähe aus dem Bild nimmt. Wer auf eine harmonische, sanfte Aussage Wert legt, könnte diesen beiden Punkte noch verbessern.

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