Kommentar des Fotografen:

“Winter” im Hochmoor: Nachdem in den beiden letzten Jahren die Winter sehr schneereich waren, scheint er diesmal auszufallen. Ort: “Ewiges Meer”, nördlich von Aurich.

Profi Sofie Dittmann meint zum Bild von Fred Knöchelmann:

Hochmoor im Winter. Man kann bestimmt stundenlang dort herumwandern und begegnet keinem Menschen. Kompositionell finde ich Deine Aufnahme ansprechend, wenn auch der Baum im Vordergrund zugleich zu dominant wirkt und auch oben abgeschnitten ist. Die Einöde der Landschaft verleiht dem ganzen etwas Melancholisch-Träumerisches. Der Himmel spiegelt sich im Wasser und gibt der Szene zusätzliche Tiefe. Den Horizont hast Du gut getroffen, wenn auch die Sonne nach rechts verschoben ist. Das hätte man durch einen veränderten Standpunkt korrigieren können, wodurch wahrscheinlich auch die Platzierung des Baumes verbessert worden wäre.

Bei diesem Bild dachte ich ansonsten erst, es handele sich um ein HDR, denn so, wie die Lichtstimmung hier ist, wirkt sie für mich unnatürlich. Da ist die Sonne rechts, die tiefliegend durch die Wolken bricht, und dann der dunkle Himmel links. Du hast allerdings nicht erwähnt, das Foto so zusammengesetzt zu haben, und andere typischen Merkmale sind nicht zu sehen. Und das ist auch mein Hauptkritikpunkt an Deinem Bild – der Eindruck eines HDR, das hier fehl am Platz gewesen wäre, läßt sich einfach nicht verscheuchen. Die Stimmung, die im Foto mit angelegt ist, die ja eigentlich melancholisch und einsam sein sollte, wird dadurch beeinträchtigt. Man kann natürlich mit solchen Gegensätzen spielen, aber das sollte man gekonnt tun.

Ich habe daher das Bild in Photoshop so nachbearbeitet, daß wieder etwas mehr Stimmung hineinkommt. Zu Demonstrationszwecken und im Hau-Ruck-Verfahren, denn man kann es durchaus noch feiner abstimmen. Durch das Abdunkeln insbesondere der Ränder nach der Sonne hin wirkt es, wie man es erwartet hätte. Zwielicht, Einsamkeit, nur der Betrachter zwischen Moor und Himmel, endlose Weite.

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Kommentar des Fotografen:

Bei einem privaten Test-Shooting mit meinem Sohn, um das selbst gebastelte Grid für mein Blitzgerät zu testen, entstand dieses Bild. Mir gefällt besonders sein Blick in diesem Foto, der in Schwarz-Weiss besser zur Geltung kommt. Unter Photoshop mit Nik Silver Efex in Schwarzweiss umgewandelt.

Profi Sofie Dittmann meint zum Bild von Oktar Özkartal:

Du hast hier ein meines Erachtens sehr gelungenes Foto geschossen. Aus irgendeinem Grund war “Damien” das erste, was mir durch den Kopf ging, als ich dieses Porträt sah – und dabei bin ich kein Fan von Horrorfilmen, und “Omen” habe ich nie wirklich zuende gesehen.

Dein Sohn sieht hier aus, als wäre er zu allem fähig, und die gewählte Beleuchtung trägt ihren Teil dazu bei. Meine Kinder fanden es auch immer ganz klasse, wenn ich sie so fotografiert habe – sie durften so furchterregend, verrückt oder wie auch immer sie wollten aussehen, und heraus kamen immer super Bilder.

Zur technischen Seite ist anzumerken, daß die Belichtungszeit ohne den Strobisten so nicht hinzubekommen gewesen wäre, es aber trotzdem so wirkt, als hätte man dem Jungen eine Taschenlampe ins Gesicht gehalten. Das macht hier das Foto aus, weil es zusammen mit der Tatsache, daß sich das meiste des Bildes im vollen Dunkel befindet (hier rahmt das den Kopf gekonnt ein) und dadurch, daß der Gesichtsausdruck des Kindes irgendwo zwischen furchterregend, traurig und gemein liegt, ein effektvolles Zusammenspiel ergibt, das den Betrachter im Foto festhält.

Sein Gesicht ist etwas aus dem Goldenen Schnitt heraus verschoben, was dem ganzen aber hier Dynamik verleiht – ein “korrekt” angeordnetes Modell wäre hier fehl am Platz gewesen. Denn so bekommt die Sache für mich einen Schnappschußcharakter, der ebenfalls zum “Taschenlampeneffekt” der Beleuchtung paßt.

Das einzige, was ich etwas heruntergeschraubt hätte, sind seine Lippen, die für mich wirken, als trüge er Lippenstift. Ich führe das auf eine Einstellung in Nik bei der Schwarzweißumwandlung zurück. Das ist aber eher Geschmackssache, und fällt in diesem Bild nicht schwerwiegend auf.

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Kommentar des Fotografen:

Die Spiegelung des Hamburger Hafens an einem Winterabend in der Glasfront des Dockland Gebäudes. Ich habe hier die Linien der Gebäudekonstruktion veruscht zu nutzen, um die Elemente in der Spiegelung zu unterstützen.

Profi Sofie Dittmann meint zum Bild von Borg Enders:

Der Hamburger Hafen einmal ganz anders. Dein Foto ist ein gutes Beispiel dafür, daß auch oft dargestellte Motive noch anders bearbeitet werden können, wenn man nur ein Auge dafür hat. In dieser Spiegelung wirkt diese Industrielandschaft nicht nur attraktiv und interessant, sondern beinahe romantisch, weil man erst beim zweiten Hinschauen sieht, daß um den Sonnenuntergang herum Ladedocks etc. sind.

Insgesamt gefällt mir Dein Foto also sehr gut, insbesondere die Idee der Aufnahme an sich. Was mir allerdings sofort auffiel:

Die Symmetrie, die Du angestrebt hast, wurde nicht durchgehalten. Die Linien zwischen dem Glas streben nach oben und bilden damit Geraden, die einem bestimmten Fluchtpunkt entgegen laufen. Der andere liegt in der Landschaft selbst, fällt aber optisch nicht so ins Gewicht, weil das von der Fassade vorgezeichnete Raster so markant ins Auge springt.

Wenn man Hilfsgeraden über das Foto legt, wird einem sehr schnell klar, daß das Gebäude nicht vollkommen gerade aufgenommen wurde, sondern leicht nach links gekippt ist. Man sieht ebenfalls, daß der Beschnitt nach rechts nicht dem links entspricht. Auch ragt das Ufer links in die Fensterscheibe hinein, wo ich die Fortsetzung der dunklen Linie des Quais erwartet hätte. Die Verzerrung ist höchstwahrscheinlich u.a. auf die gewählte Brennweite von 18 mm zurückzuführen, und auf die körperlichen Begrenzungen – man kommt an die Fassade nur so und so weit heran, und wenn man einen Schritt nach rechts macht, verschiebt sich etwas links im Fenster…

Hinsichtlich dieser Herausforderungen hast Du das Motiv so gut getroffen, wie Dir möglich war, und mit ein bisschen Nachbearbeitung wird die Symmetrie auch so perfekt, wie man das erwartet hätte. Etwas entstrecken, so beschneiden, daß die Kante links der rechts entspricht, und vielleicht sogar die helle Stelle am Quai links so abdunkeln, daß sie optisch nicht mehr so auffällt.

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Kommentar des Fotografen:

Mein Ziel war es, von der Rialtobrücke aus die wunderbare Architektur Venedigs, das Leben am und auf dem Wasser und gleichzeitig auch die Ruhe des Canale auf meinem Bild festzuhalten. Dies “by night”. HDR Software macht mich meistens nicht glücklich. Ich habe eine Belichtungsreihe von 3 Fotos erstellt und diese manuell in CS5 zusammengefügt. Ich bin gespannt, was Profis zu meinem Bild sagen. Bei der Wahl der Kategorie bin ich unschlüssig.

Profi Sofie Dittmann meint zum Bild von Claudia Portmann-Caminada:

Zunächst einmal Glückwunsch zu diesem meines Erachtens beeindruckenden Foto. Wie schon oft erwähnt ist es extrem schwierig, von bekannten Motiven noch interessante Fotos zu machen, und wenn sie dann noch so bekannt sind wie der Canale, fast unmöglich. Trotzdem hast Du es geschafft, mir hier etwas Neues zu bieten – Hut ab!

Du schreibst, HDR Software mache Dich meistens nicht glücklich. Wenn ich Dir auch insofern recht geben muß, daß oft unerwünschte Effekte mit ins Bild kommen, hätte HDR, etwa durch Photomatix hergestellt, hier sicherlich auch einen interessanten Effekt ergeben:

Den man natürlich hätte nachbearbeiten müssen, damit das Bild nicht auf mehrere Meter nach HDR aussieht. Du hast hier einer beliebte Nachbearbeitungsmethode die kalte Schulter gezeigt und MANUELL drei Aufnahmen zusammengesetzt. Aus eigener Erfahrung kann ich bestätigen, daß das nicht wenig Aufwand bedeutet, aber wie hier ersichtlich lohnt sich die Liebe zum Detail.

Zur Komposition: der Horizont/Fluchtpunkt ist in Deinem Bild aus dem Goldenen Schnitt heraus verschoben, so daß man im Vordergrund viel Wasser sieht, das von den Lichtern der Häuser und Laternen flankiert wird. Da der Himmel jedoch ebenfalls vollkommen schwarz ist, kommen dadurch die Lichter, die sich wie eine Perlenkette links und rechts durch das Bild reihen, noch mehr zur Geltung – ein meines Erachtens gelungener Regelbruch, der Dynamik ins Foto bringt.

Das einzige, was ich hier anzumerken habe, ist, daß die Boote vorne links verschwommen wirken. Das mag der langen Beleuchtungszeit geschuldet sein – das Wasser sieht vollkommen ruhig aus, aber vielleicht kamen sie leicht in Bewegung. Außerdem ist das Bild zu den Ecken hin leicht verzerrt, was aber nicht weiter auffällt.

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Kommentar des Fotografen:

Dieses Bild entstand an Silvester, als ein Junge über die Reste von Raketen & Böllern Benzin goss & es anzündete.

Profi Sofie Dittmann meint zum Bild von Annika Fischer:

Zunächst einmal beschäftigt mich die Frage, wer dem Jungen Benzin in die Hand gedrückt hat, und warum Ihr nicht alle geflüchtet seid, als er die Raketen damit übergoß – mein Sohn hätte sich beinahe mal mit normalem Benzin in die Luft gejagt, und das ohne Raketen.

Feuer hat den Menschen schon seit Jahrtausenden fasziniert. Es sieht aus wie rote Federn, wie Zungen, man hat ihm unzählige poetische Namen gegeben. Tiere haben instinktiv davor Angst, beim Zelten wirkt es romantisch. Und man ist natürlich versucht, es irgendwie fotografisch festzuhalten.

Fotos von Feuer wirken im allgemeinen nur dann, wenn es dunkel genug ist, um die Farben zur Geltung kommen zu lassen:

Und darin liegt auch die Herausforderung, denn die damit verbungenen langen Belichtungszeiten sorgen automatisch dafür, daß die Flammen verschwommen wirken, selbst wenn man ein Stativ benutzt. Bei Wasser werden lange Belichtungszeiten absichtlich eingesetzt, um es weich schäumend aussehen zulassen, hier wurde dadurch aus Deinem Foto etwas Abstraktes.

Ich habe auch schon mehrmals Feuer fotografiert, so wie Du hier, und es ist eine lustige Übung, aber die Bilder waren alle eher unaufregend. Ja, die Farben verlaufen schön von hellgelb nach blutrot und die Linien sind faszinierend, aber das ist es dann auch. Nichts hält mich im Bild fest, und wo ich die Aufnahmen mittlerweile habe, weiß ich nicht mehr.

So ist es auch hier. Es gibt nichts, was mich in Deinem Bild festhält. Es ist ein Schnappschuß von Feuer, und mit dieser Erkenntnis ziehe ich weiter.

Feuer bietet aber einen faszinierenden Hintergrund für Scherenschnittaufnahmen, also solche, bei denen Du nur noch die Silhouette von etwas siehst, das von hinten davon beleuchtet wurde.

Ich habe mal ein Beispiel hochgeladen, das ich vor ein paar Jahren von meinem Mann vor einem riesigen brennenden Holzhaufen geschossen habe. Das hat ihm so gut gefallen, daß er es schon seit Jahren als Avatar etwa auf Facebook benutzt.

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Kommentar des Fotografen:

In den Voralpen bei leicht nebligem Wetter auf der Suche nach einer Abfolge von Landschaftskulissen bis an den Horizont. Angestrebt waren nicht Silhouetten bei Gegenlicht. Mit dem seitlich einfallende Abendlicht zeigte sich sich die erwünschte Farbigkeit. Nach längerem Suchen fand sich schliesslich mit dem Blick in ein kleines Seitental eine Situation, die mich ansprach.

Profi Sofie Dittmann meint zum Bild von Peter Künzler:

Obwohl ich schon seit Jahren nicht mehr wirklich in den Bergen war, möchte ich, seitdem ich Dein Bild gesehen habe, unbedingt mal wieder wandern gehen. Diese Majestät, diese Weite hatte ich fast vergessen, bis sie Dein Foto in Erinnerung brachte.

Das war auch der Grund, warum ich es mir herausgesucht habe – und mit ein bischen Feilen kann man hier ohne großen Aufwand noch das Tüpfelchen aufs “I” bringen. Daß Du eine Hochformataufnahme für eine Landschaft gewählt hast, die sonst oft im Querformat dargestellt wird, stört mich nicht im geringsten:

Im Gegenteil, die Art, wie die Linien im Bild verlaufen wäre sonst weit weniger dramatisch und es wäre meines Erachtens keine so effektvolle Darstellung.

Was mich allerdings stört, sind die blassen Farben, wo doch ein Foto wie dieses durch Kontraste und Farben erst zum Leben erwacht. Zum Verhängis wurde Dir hier derselbe Dunst, der Dich ja erst zur Aufnahme bewogen hat. Er bringt die Tiefe ins Bild, schafft erst die verschiedenen Ebenen, durch die es wirkt – und läßt gleichzeitig die Farben, die Dich Deiner Aussage nach so fasziniert haben, verblassen. Das Rot und Orange der Laubbäume, das in der bläulichen Luft hier kräftig leuchten könnte, schwächelt zwischen den Hügeln, und das Gelb-Grüne der Wiesen, die den Raum zwischen den dunklen Tannen ausfüllen und ein visuelles Kontinuum von vorne nach hinten bilden und so das Auge des Betrachters leiten, ist ebenfalls etwas blutleer. Und da ist auch noch der blasse Himmel…

Das hätte in der Nachbearbeitung ohne großen Aufwand korrigiert werden können, wie Du an meinem Beispiel siehst. Ich habe mehr draufgepackt, als ich normalerweise nachbearbeite, damit der Unterschied wirklich deutlich wird. Wie sehr Du daran “drehst”, bleibt natürlich Dir überlassen, aber um diese Berglandschaft wirklich so aussehen zu lassen, wie ich das als Betrachter erwartet hätte, bedarf es nicht sehr viel.

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Kommentar des Fotografen:

Nikon F3, Film: TMAX 3200. Konzertfotografie mal anders. Es geht mir um Stimmung und die Musik, nicht um die jeweiligen Musiker. Das vorhandene Licht verwenden ohne die Stimmung wegzublitzen.

Profi Sofie Dittmann meint zum Bild von Katharina Heinrich:

Gute Fotos leben von Stimmung und/oder Details, welche, im Idealfall effektvoll komponiert, eine Bildaussage ergeben, die den Betrachter bewegt. Wie der Fotograf das umsetzt, bleibt ihm überlassen. Manche Bilder leben hauptsächlich von Stimmung, andere hauptsächlich durch Details, die man nach und nach im Foto entdeckt. Am einen Ende des Spektrums – überwiegend Stimmung – stelle man sich etwa eine Aufnahme vor, die verschwommen etwas im Nebel zeigt, am anderen eine Makrofotografie, die detailliert den Kopf einer Fliege zeigt.

Konzertfotos sind eine Kunst für sich:

Es gilt, den Musiker oder die Band in einem Augenblick einzufangen, der nicht nur die Stimmung des Konzerts festhält, der die Musik irgendwie mitschwingen läßt, sondern auch die Emotionen im Gesicht oder der Haltung des Musikers. Ein meines Erachtens gutes Beispiel ist ein Bekannter meinerseits, Juan-Carlos Hernandez, der sich auf diese Art Fotografie spezialisiert hat. Manche seiner Aufnahmen sind Stimmung pur, andere eine Mischung, manche sehr experimentell, andere “klassisch”. In allen Fällen hat er jedoch die Regeln eindeutig gekannt, wenn er sie gebrochen hat.

Du hast hier Deiner Aussage nach die Stimmung des Konzertes einfangen wollen. Man blickt, wie der Musiker selbst, ins Scheinwerferlicht. Zu sehen ist nur die Silhouette des Sängers, sein ausgestreckter Arm mit Mikrofon. Da man bei Bühnenaufnahmen nie mit Blitz arbeiten sollte, sondern statt dessen mit einem schnellen ISO, ist die Körnung entsprechend hoch, wie hier auch ersichtlich. Das paßt zum Foto, es gibt ihm, wie auch die Schwarzweißumsetzung, einen dokumentarischen, spontanen Charakter. Auch in einem Fall wie diesem sollten allerdings bestimmte Elemente trotzdem vorhanden sein – oder gekonnt weggelassen werden.

Was mir an Deinem Foto negativ auffällt, ist, daß der Sänger seinen Kopf verloren hat. Er sieht irgendwie aus wie Quasimodo, und daran ändert auch die Tatsache nichts, daß man die Haare noch so andeutungsweise sieht, denn auf der rechten Seite verschwimmt alles ins Schwarze. Hätte man ihn mit gesenktem Kopf etwa im Halbprofil gesehen, wäre das meiner Meinung nach eine bessere Aufnahme geworden. Das Bild hätte immer noch von der Stimmung profitiert.

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Kommentar des Fotografen:

Tableau Vivant nach dem Gemälde “Die Jungfrau züchtigt den Jesusknaben vor drei Zeugen” von Max Ernst. Im Originalbild liegt der Jesusknabe mit dem Rücken nach oben gewandt auf dem Schoß der Maria. Der auf dem Boden liegende Heiligenschein – hier durch den Knebel ersetzt – symbolisiert die Entheiligung des Jesuskindes, ein unerhörter Vorgang. Das Bild war deshalb auch Anlass für die Exkommunikation Max Ernst´s aus der Katholischen Kirche. In meiner Interpretation wird der Jesusknabe durch den Fetisch – Frauenbeine – ersetzt, Requisiten wie die Reitgerte und der Knebel lassen Assoziationen zur SM-Szene zu. Der Kulissenartige Hintergrund wurde, passend zum Thema, aus der Fassade des Diözesanmuseum Köln in PS konstruiert. Der Wandel von Moralvorstellungen, Sexualpraktiken und Toleranz, oder Inntoleranz der Kirche, wird im Kontext des Originalbildes thematisiert.

Profi Sofie Dittmann meint zum Bild von Horst Hazfeld:

Dein Bild war für mich ein “gefundenes Fressen”, wie man so schön auf Deutsch sagt. Erstens einmal sehen wir so etwas hier nicht alle Tage, und zweitens MUSS man das Bild interpretierend besprechen, wovon ich sonst meistens (u.a. aus Platzgründen) absehe.

Berühmte Künstler zu “zitieren”, ist immer mutig, sie umzuinterpretieren gewagt. Wenn man dieses auch noch in einem anderem Medium tut… Zunächst einmal ein paar Worte zum Original:

Als Max Ernst, ein berühmter deutscher Vertreter des Dadaismus und Surrealismus, das Original “Die Jungfrau züchtigt den Jesusknaben” 1926 zum ersten Mal in Paris ausstellte, löste er damit einen Skandal aus. Später in Köln erwirkte der Kölner Erzbischof die Schließung der Ausstellung und exkommunizierte Max Ernst wegen Gotteslästerung.

Allgemein wird das Original als Kritik Ernsts nicht nur an der Katholischen Kirche und ihrer Madonnenverehrung, sondern auch als Auseinandersetzung mit seiner eigenen Jugend in einem extrem streng-katholischen Haushalt verstanden, wo körperliche Züchtigungen an der Tagesordnung waren. Die Jungfrau ist, wie auch in “klassischen” Madonnendarstellungen sonst auch, in rot und blau gekleidet, das Jesuskind ist nackt. Es wird allerdings nicht, wie sonst üblich, lieblich auf dem Arm gehalten, sondern vor den Augen von drei Zeugen (u.a. dem Maler selbst) mit der bloßen Hand so geschlagen, daß seine Pobacken bereits gerötet sind. Die “Zeugen” in Max Ernsts Bild schauen nicht wirklich hin, und eingegriffen wird schon gar nicht.

Du hast hier das berühmte Original dahingehend uminterpretiert, daß Du a) den Jesusknaben durch Frauenbeine aus Plastik ersetzt hast, und b) den Heiligenschein durch einen Knebel. Es wird auch nicht mehr mit der bloßen Hand geschlagen, sondern mit einer Reitgerte, und aus drei “Zeugen” wurde einer. Der Raum ist fast vollständig dem Original nachempfunden. Auch trägt die Frauengestalt rot und blau.

Wenn Du auch Max Ernst offen zitiert hast, hast Du doch mit diesem Bild etwas geschaffen, was von ihm losgelöst interpretiert werden muß. Die Frauengestalt hat für mich etwas von einer Domina, allerdings paßt es nicht, daß sie unter dem Bustier noch ein Tanktop trägt. Auch der lange Rock paßt zum Bild der Domina nicht. Ich hätte ihn zumindest so aufgeschlitzt, daß man das dem Betrachter zugewandte Bein vollständig sieht. Die “Madonna-Domina” wirkt, als hätte man sich nur halb getraut, sie auszuziehen.

Sie schlägt mit der Reitgerte auf Plastik-Frauenbeine ein. Diese kann man als Fetisch interpretieren, als etwas, das von Männern idealisiert und sexualisiert wird, insbesondere mit Schuhen wie diesen. Allerdings könnte man argumentieren, daß es in einer SM-Situation darum geht, daß die Domina den Mann erniedrigt – wie dazu die Frauenbeine passen, ist mir nicht ganz klar. Das wird auch dadurch bestätigt, daß ein Knebel auf dem Boden neben der Frauengestalt liegt.

Du hast, wie oben erwähnt, nur einen Zeugen belassen. Der wirkt hier, als befände er sich in einer Peepshow, macht aber auch irgendwie einen desinteressierten Eindruck. Er schaut dabei zu, wie die “Jungfrau” auf die Frauenbeine einschlägt. Es heißt, daß Männer davon angesprochen werden, wenn Frauen sich mit Frauen vergnügen, aber in diesem Kontext (Knebel) paßt es für mich wiederum nicht ganz.

Fazit ist, daß irgendwie durchdringt, was Du hier versucht hast, aber es wirkt wie nicht ganz zu Ende gedacht.

Zum Technischen selbst ist noch zu sagen, daß sich auf der rechten Achsel des Modells ein merkwürdiger Schatten befindet, der wohl durch die ursprüngliche Aufnahme verursacht wurde, mich hier aber stört. Auch stimmen die künstlichen Schatten nicht ganz mit den Lichtverhältnissen des ursprünglichen Bildes überein. Diese kann man, wenn man es in Photoshop geschickt anstellt, so mit in ein anderes Foto bringen, daß es vollkommen natürlich wirkt. Daß die Fotoelemente des Bildes leicht verschwommen aussehen, mag an der Auflösung liegen.

Insgesamt meines Erachtens ein guter Ansatz, an dem ich allerdings noch etwas feilen würde.

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Kommentar des Fotografen:

Ein Schilfbestand im klaren, niedrigen Wasser des Weissensees in Kärnten spiegelte sich wunderbar auf der fast stillen Wasseroberfläche. Mich erinnerte das ganze an asiatische Schriftzeichen, und so versuchte ich in der SW-Umsetzung besonders die Kontraste heraus zu arbeiten, ohne den Wassereindrück gänzlich verschwinden zu lassen.

Profi Sofie Dittmann meint zum Bild von Franz Bogner:

Immer, wenn ich Equipment-Neid bekomme, weil sich eine Bekannte mal wieder ein super-teures Objektiv gegönnt hat, oder ein Freund sich eine neue Kamera… Und wenn ich dann so meine “Ausrüstung” anschaue und denke, “Was könnte ICH mit der Kamera alles machen!” – dann muß ich mir nur etwa auf Flickr alle die schlechten Fotos anschauen, die die Leute zum Teil mit sehr teuren Kameras gemacht haben und mich darauf besinnen, daß letztlich nur eines zählt: ein gutes Auge.

Wenn jemand SIEHT und nicht nur SCHAUT, kann er mit einer Holga überdurchschnittliche Fotos schießen. Und das wird in einem Bild wie diesem wieder mal überdeutlich: Du siehst, und es wäre egal gewesen, ob Du diese Szene mit Deiner Olympus oder einer Spielzeugkamera aufnimmst. OK, ein Stativ hast Du bei 1/3s wohl gebraucht.

Man muß erstens ein Motiv als solches SEHEN können, und dann so weit wie möglich mit der Kamera umsetzen, was man gesehen hat. Denn bekanntlich nimmt diese ja anders auf als das Auge sieht – was mir immer wieder bewußt wird, wenn ich etwa Essen fotografiere und die Fotos dann später auf dem Bildschirm habe.

Du hast hier eine Situation eingefangen, an der andere womöglich vorbeigegangen wären. Schlicht, elegant, faszinierend. Du hast sie weiterhin in einer Weise aufgenommen, die irgendwo die Grenze zwischen Natur und Abstraktion verwischt. Man muß mehrmals hinsehen, um zu erkennen, das es sich um Halme handelt, und wo eigentlich die Oberfläche verläuft. Und am Ende hast Du sie in einer Weise bearbeitet, die ein an sich schon gutes Foto noch verfeinert hat. Auch der quadratische Beschnitt paßt gut, denn jetzt verläuft eine unmerkliche Diagonale durch das Bild und der negative Raum wird optimal eingesetzt.

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Kommentar des Fotografen:

Eigentlich wollte ich an dem Morgen ganz woanders sein. Unterwegs bemerkte ich am allerersten leichten Rot am Horizont, dass ich ca. eine Viertelstunde zu spät war. Als ich an dieser Stelle vorbei kam, stoppte ich kurzerhand und baute mein Stativ auf. Obwohl ich einen Filterhalter für das 7-14mm Zuiko besitze (Sonderanfertigung), reichte der Cokin X121 Grauverlauffilter nicht aus (2 Filter geht nicht – Vignettierung), um die Dynamik fest zu beherrschen. Deshalb machte ich eine Belichtungsreihe und verarbeitete das Ganze hinterher mit Photomatix Pro 4.0. Ich fand es sehr schwierig, dabei einerseits nicht zu übertreiben, andererseits aber auch die enorme Farbenpracht dieses Morgens wiederzugeben. Auch vom Bildaufbau hatte ich wenig Möglichkeit. Hinter meinen Füßen der Asphalt der Strasse, rechts und links Weidedraht.

Profi Sofie Dittmann meint zum Bild von Katharina Neumann (alias im internet Noord):

Die Farbenpracht dieser Szene hatte es mir von vorneherein angetan. Man sollte eben immer seine Kamera mitführen – oder wie in Deinem Fall eine volle Ausrüstung. Dann kann man seinem Impuls folgen und auf dem Weg irgendwo anders hin eine Aufnahme machen, die außergewöhnlich ist. Ich mache oft nur eine Aufnahme in RAW und verwandele sie dann hinterher in ein Pseudo-HDR, wenn ich kein Stativ bei mir habe (was meistens der Fall ist).

Daß es sich um ein HDR handelt, hätte man auch ohne Deine Erklärung gesehen – allerdings hast Du das Bild so behandelt, daß die sonst unangenehmen Nebeneffekte wie Quietschfarben und Auraeffekte nicht sichtbar sind. Du schreibst nicht, daß Du auch ein Nachbearbeitungsprogramm wie Photoshop benutzt hättest, daher gehe ich davon aus, daß Du bereits in Photomatix daran “herumgefeilt” hast, bis es optisch stimmte (keine einfache Sache).

Von der Gezwungenheit des Standpunktes sehe ich hier als Betrachter nichts, was gegen Dich als Fotografin spricht. Du hattest trotz der (optisch) beengten Verhältnisse Deine Komposition voll im Griff. Die Geraden verlaufen gekonnt durch das Bild, und da sich der gerötete Himmel ebenso dramatisch im Bachverlauf wiederspiegelt, ist der Verlauf des Gewässers genau da richtig, wo er sich optisch befindet. Er ist Vordergrund, aber auch gleichzeitig optisches Echo des Hintergrunds.

Das einzige, an dem ich noch herumgefeilt hätte, ist der Bereich links oben auf der Wiese. Obwohl von der Morgensonne direkt beleuchtet ist er dunkler, als er für mich sein sollte. Durch HDR kommen manchmal solche Stellen ins Bild. Ich hätte ihn deshalb optisch nur ein klein wenig aufgehellt.

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Kommentar des Fotografen:

Ein Spaziergang zum Leuchtturm bei Dorum, prächtiges stimmungsvolles Nebelwetter, Sichtweite unter 100 Meter, tausend Motive springen ins Auge… und natürlich die Spiegelreflex vergessen. Glücklicherweise ist das Telefon immer dabei. Also aus der Not eine Tugend gemacht. Ich bin mit der Qualität der Kamera des iPhone 4s sehr zufrieden, die Nachbearbeitung in Apple Aperture und Nik Silver Efex tat ihr übriges.

Profi Sofie Dittmann meint zum Bild von Jan Thomas Michaelsen:

Man sollte eben immer notfalls noch ein As im Ärmel oder ein iPhone in der Tasche haben, wenn man zu Fuß unterwegs ist. Besser ist meines Erachtens eine Kamera, wenn sich ja auch mittlerweile eine große Fangemeinde von “iPhoneography” gebildet hat. Allerdings wäre Dir dann die Gelegenheit flöten gegangen. Mit der mickrigen 3.2 MP “Kamera” auf meinem LG hätte ich es jedenfalls garnicht erst versucht.

Mir gefällt die nachdenkliche Nebelstimmung in diesem Bild, das Verträumte. Auch die Schwarzweißumwandlung halte ich für eine gelungene Wahl. Aufnahme und Nachbearbeitung haben jedoch für ein beträchtliches Bildrauschen gesorgt, das ich mit Noise Ninja oder einem anderen Filter behoben hätte. Körnung ist eine Sache, Bildrauschen eine andere.

Ansonsten fielen mir bei Deinem Foto zwei Dinge ins Auge: Erstens einmal ist das Bild nach rechts hin verzerrt. Der Leuchtturm im Hintergrund ist gerade, aber nach vorne hin insbesondere zur unteren rechten Ecke ist eine deutliche Verzerrung zu beobachten, die ich auf das Objektiv des Telefons zurückführe. Das kann man digital zumindest teilweise wieder entstrecken, ohne dadurch am Foto zuviel “herumzuschneiden”.

Zweitens ist da der Laternenmast im rechten Bildteil, der das Foto optisch komplett dominiert. Schon allein von der relativen Größe her und dann der Tatsache wegen, daß er dunkel und voll sichtbar ins Bild ragt, während der Leuchtturm selbst als Silhouette angedeutet im Nebel verschwindet.

Es ist schon richtig, daß das Foto von einem gut platzierten Gegenstand im Vordergrund profitieren würde, allerdings ist dieser hier so dominant, daß er mit dem Hintergrund konkurriert. Das wäre leicht zu beheben gewesen, hättest Du nur ein paar Schritte zurück gemacht und Dir mehr Zeit genommen, Dein Bild zu komponieren. Der Laternenmast wäre immer noch im Vordergrund, hätte aber nicht die gleiche optische Dominanz.

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Kommentar des Fotografen:

Hi! Dieses Bild ist während einer Kletertour am Gardasee entstanden. Mir gefiel die Perspektive, da sie dem Bild mehr Dramatik verleiht als in einer Frontalaufnahme. Die Schwarz-Weiß-Wandlung habe ich gewählt, um den Fokus auf diese Perspektive zu konzentrieren. Interessant erscheint für mich dadurch auch die Wolkenformation, die dadurch etwas “bedrohlicher” wirkt.

Profi Sofie Dittmann meint zum Bild von Florian Tetschke:

M.C Escher war ein Meister des negativen Raums und der veränderten Perspektive. Ich liebe seine Zeichnungen noch heute, denn sie sind auf der einen Seite hoch mathematisch, auf der anderen dann doch im Konzept so simpel.

Dein Bild spielt ebenfalls mit Raum und Perspektive und einem simplen Bildgegenstand:

Wieviele Bergsteigerfotos hat man bereits gesehen, in denen sich gut gebräunte Mitzwanziger in toller bunter Ausrüstung an den Felsen hochhangeln. Das wäre nichts besonderes mehr. Darum fiel mir Deine Aufnahme auf, die mit dem Thema anders umgeht, als “typische” Fotos dieser Art.

Zunächst einmal sei zur Komposition bemerkt, daß ich Deinen Regelbruch hier gekonnt finde. Durch die Gegenlichtaufnahme verschmilzt die Frau am Bildrand mit demselben, und jeder andere Beschnitt hätte dem Bild Abbruch getan. Die Schwarzweißumwandlung tut ein übriges, verwandelt aber in meinen Augen die Wolkenformation nicht unbedingt in etwas “Bedrohliches”. Es ist klar, daß die Aufnahme am hellichten Tag entstanden ist, und daß Dunst über dem Tal liegt, wohl ob der Hitze.

Das einzige, was mich bei Deinem Bild wirklich stört, ist das extreme Bildrauschen. Da keine EXIF Daten vorhanden sind und ich auch nicht weiß, was Du zur Schwarzweißumwandlung benutzt hast, kann ich nicht sagen, ob das Rauschen bereits im Bild angelegt war oder erst mit der Umwandlung ins Foto gelangte. Du schreibst nicht, ob das Foto aus mehreren Aufnahmen entstanden ist. Meine Vermutung ist ein extremer Beschnitt einer “normalen” Aufnahme, was das Bildrauschen ebenfalls erklären könnte.

Das Bildrauschen kann man allerdings sehr leicht beheben, indem man das Foto durch einen Rauschfilter “zieht” – einmal genügt bereits. Eine gute Anwendung in dieser Hinsicht ist Noise Ninja, aber es gibt noch andere, die in dieser Hinsicht gut funktionieren.

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Kommentar der Fotografin:

aufgenommen im April im Dänemarkurlaub. Irgendwer hatte den falschen Lichtschalter erwischt und in der Sauna das Licht angeschaltet. Ich fand das so toll, dass ich unter den fragenden Blicken aller beteiligten die Kamera samt Stativ schnappte und ins Bad verschwand. Ergebnis ist dieses Bild, für das ich schon sehr sehr viel Lob und sogar die Verwendung in einem Onlineartikel geerntet habe.

Profi Sofie Dittmann meint zum Bild von Juliane Kunath:

Dieses Foto habe ich mehrmals zwischen meinem Kritikerspace und dem allgemeinen Fotopool hin und her geschoben. Es stach mir ins Auge, aber nicht aus den Gründen, die die Fotografin angibt:

Zunächst einmal zum Bild selbst: spontanen Impulsen sollte man immer folgen. Die paar Mal, als ich es nicht getan habe, hängen mir immer noch nach. Aber “hätte”, “wenn” und “könnte” helfen einem nichts mehr, wenn das Motiv, das sich einem doch so auf dem Präsentierteller darbot, vorbeigeschwommen ist. Darum: weiter mit der Kamera draufhalten!

In diesem Fall hätte ich aus o.g. Gründen daher auch “zugeschlagen”. Allerdings muß sich der Fotograf mit dem herrschenden Lichtverhältnissen in solch einer Situation abfinden, und die sind nicht immer ideal. So auch hier nicht. Die Lichtquelle sorgt für harte Schlagschatten, das Licht hat einen starken Gelbstich. Als klassisches “Stilleben” wäre dieses Bild daher für mich eher nicht einzuordnen, denn da spielen willkürliche Anordnung durch den Fotografierenden u.a. eine Rolle, und die kann ich hier nicht erkennen.

Dieser Eimer ist für mich mehr ein Schnappschuß, den ich mir bestenfalls gut in einem Beitrag einer Tourismuszeitschrift über Skandinavien vorstellen könnte. Mehr aber auch nicht. Ob Lob von anderen oder nicht: jedem, der ein Foto zum ersten Mal betrachtet, sollte es aus sich heraus etwas sagen. Und mir persönlich sagt es nicht viel, außer, daß es einen Holzeimer mit Löffel in Dokumentarfotografie-Manier zeigt. Wie gesagt, für mich ist das kein “Stilleben”, und daran ändert auch die Beschreibung der Fotografin für mich nichts. “Beauty is in the eye of the beholder.” (Schönheit ist/existiert im Auge des Betrachtenden.)

Abgesehen davon hätte ich hier den Rahmen und Schatten um das Foto weggelassen. Sie tragen nichts zu der Aufnahme bei. Ein gutes Bild bedarf solcher Effekte nicht, ein schlechtes machen sie nicht besser.

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Kommentar des Fotografen:

Die giftig-grüne Mamba lauert auf Beute…

Profi Sofie Dittmann meint zum Bild von Georg May:

Ja, Deine Aufnahme dieser Schlange war eine, bei der ich mehrmals hinschauen mußte. Foto? Digitale Kunst? Hybrid? Nein, doch Foto?

Das liegt zum einen an den Farben des Bildes – Grün dominiert fast ausschließlich – aber auch an der gestochen scharfen Wiedergabe der Schuppen, des Auges und so weiter.

Durch die lange Brennweite in Verbindung mit einer dafür relativ großen Blende ist der Rest des Bildes verschwommen, das Tier hebt sich gut ab. Eine insgesamt für mich sehr gut gelungene Aufnahme, die nicht nur für ein gutes Auge spricht, sondern auch für die benutzte Ausrüstung. Wenn das Objektiv hier nicht so gut wäre – die Aufnahme gäbe längst optisch nicht soviel her. Manchmal hilft es eben, das richtige Handwerkszeug dabeizuhaben.

Es gibt nur zwei Diskussionspunkte, die mir sofort ins Auge stachen:

Erstens einmal sind Teile des Schlangenkopfes bleich-grün bis ins Weiße ausgebrannt, während andere Teile der Schlange, die im selben Einfallswinkel des Lichtes lagen, davon nicht betroffen sind. Das fällt bei dem extremen Farbton, den das Tier an sich hat, zumindest mir negativ auf, denn dadurch wird diese Grenze zum digital erzeugten Bild, an das diese Aufnahme visuell anlehnt, wieder verdrängt.

Will sagen, wie ich auch anderswo erwähnt habe, wenn man mit etwas “liebäugelt”, solle man es auch konsequent durchhalten. Es ist eine Sache, gekonnt dann eine Störung ins Bild zu bringen oder sie dort zu belassen, damit das Foto ein Foto bleibt. Es ist eine andere, sie dort zu belassen, weil man sie nicht entfernen konnte – oder es schlicht übersehen hat.

Ich nehme an, daß das an der Beleuchtung im Terrarium und der an sich glänzenden Oberfläche des Schlangenkopfes lag. Wenn Du RAW fotografiert hast, hättest Du allerdings noch eine etwas dunklere Kopie des Bildes erzeugen (geht etwa in Lightroom sehr einfach) und es in Photoshop mit dem Original so “verheiraten” können, daß die Highlights nur noch Highlights sind, und nicht große, bleich-grüne bis fast weiße Flächen.

Woran ich ausserdem lange geknabbert habe, ist die komplett mittige Anordnung des Schlangengesichts. Während Du die Diagonalen sehr gut getroffen hast und auch das Auge vertikal fast perfekt im Goldenen Schnitt liegt, ist ansonsten das Auge horizontal perfekt mittig. Du hättest hier etwas weiter von der Schlange weg zoomen können, aber dann würde man die Details und insbesondere diesen kalten Glanz im Auge verlieren.

Man könnte das Bild rechts beschneiden, aber damit würde das Tier visuell enthauptet. Wenn man nichts verbessern kann, ohne es zu verschlechtbessern, sollte man ein Foto (kompositionell) so lassen, wie es ist. Und das würde ich hier tun.

Nachwort: Ich habe mich begeistert auf den Link zu “Deiner” Webseite gestürzt, um noch mehr Schlangenbilder zu sehen – und landete auf einer Webseite eines Kaffs in der Eiffel? Gibt es da Mambas?

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Kommentar des Fotografen:

Mich haben hier sofort die Lichtpunkte fasziniert, die durch den Strohhut auf die Nase gefallen sind. Die S/W Umsetzung habe ich gewählt, weil ich dadurch die Kontraste schöner schärfen konnte. Den Bildschnitt habe ich so gewählt, um das Auge auf das Wesentliche, die Lichtpunkte, zu wälen. Das Bild ist unbemerkt gemacht, allerdings ist mir das Model bekannt.

Profi Sofie Dittmann meint zum Bild von Sabine Reuss:

Bei Porträts soll man sich auf die Augen konzentrieren. Und alles im Goldenen Schnitt halten… Hier mußte ich sofort an Asterix und Kleopatra denken: “Diese Nase…” Bei diesem Foto stimmt praktisch nichts, und doch alles. Um Regeln gekonnt zu brechen, muß man sich dieser bewußt sein. Das kommt in Deinem Bild für mich zum Ausdruck.

Du hast Dich auf die Nase des Modells konzentriert, auf der die Sonne ein helles Fleckenmuster gezeichnet hat. Die gewählte Blende und Brennweite lassen alles, was unmittelbar hinter und vor dieser Ebene liegt, verschwimmen. Dadurch konzentriert man sich noch mehr auf die Nase.

Du hast einen extremen Ausschnitt des Gesichtes gewählt UND das Bild quadratisch beschnitten, wodurch die Proportionen des Gesichts mehr Gewicht erhalten. Das widerspricht allen Regeln, aber dadurch (und durch Deinen Bildgegenstand als solchen) wird dieses Foto erst zu dem, was es ist. Eine normale Profilaufnahme, die das ganze Gesicht des Mannes zeigt, wäre nicht halb so wirksam gewesen – oder für einen Betrachter über den Portraitierten hinaus interessant.

Mir gefällt auch Deine Umwandlung in Schwarzweiß gut, denn wie von Dir bereits bemerkt kommen dabei die Kontraste, von denen diese Aufnahme ja lebt, besser zur Geltung. Du hast vermieden, daß das Gesicht des Modells ins Schwarze wegsumpft, indem genügend Details verblieben sind, um ihn auszumachen. Daß Teile der Hutkrempe ausgebrannt sind, stört mich nicht im Geringsten, und heller hätte ich den Himmel auch nicht gelassen, der Kontrast zum Gesicht wäre sonst zu stark.

Glückwunsch zu diesem Bild, meines Erachtens eine gelungene Aufnahme.

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Kommentar des Fotografen:

Die außergewöhnliche Perspektive des von sich aus schon sehr abstrakt wirkenden Turms (der Torre Agbar in Barcelona) in Kombination mit der Sonne ergaben ein sehr “abgespacetes” Bild das mir in Schwarzweiß mit einer leichten Tonung besonders gut gefällt.

Profi Sofie Dittmann meint zum Bild von Valentin von Guttenberg:

“Tron” trifft Architekturmotiv ist die beste Beschreibung, die ich für dieses Foto finden konnte. Die Turmfassade hat etwas Außerirdisches, was durch die Nachbearbeitung noch verstärkt wird. Der Sonnenfleck links “stört” die Statik der Komposition und sorgt dafür, daß zusätzliches Interesse beim Betrachtenden geweckt wird. Das Foto wirkt eher wie digitale Kunst denn wie ein Foto.

Ich stimme mit Dir voll überein, daß das Bild erst durch die Nachbearbeitung seinen besonderen Effekt erhält, denn jetzt sieht es eben nach “WOW” aus – und das, obwohl ich sonst nicht für übermäßige Nachbearbeitung bin und mich eher für eine Puristin halte. Ich hätte es mir zwar auch sehr gut als schlichtes Schwarzweißfoto ohne Tönung und Vignette vorstellen können, aber das hätte nicht denselben “außerirdischen” Touch gehabt.

Dadurch, daß Du so eine minimalistische Komposition gewählt hast – wie auch dadurch, daß Deine Nachbearbeitung an Science Fiction Filme erinnert – werden bei mir jedoch als Betrachtendem bestimmte Erwartungen geweckt, die nicht ganz erfüllt wurden.

Erstens einmal, daß der Turm wirklich vollkommen symmetrisch im Bild liegt, was er hier nicht tut. Er ist leicht verschoben, was man bei der Aufnahme ohne weiteres hätte mit einbeziehen können. Des weiteren, daß hier der Goldene Schnitt nicht gewahrt ist, denn das ist einer der Fälle, wo ein Regelbruch für mich nicht funktioniert. Wenn man Geraden über das Foto legt, sieht man sehr genau, daß der Turm aus dem Goldenen Schnitt heraus verschoben ist. Das hätte dann funktioniert, wenn zwischen ihm und der Sonne mehr Abstand gewesen wäre, also mit dem vorhandenen negativen Raum mehr “gespielt” worden wäre. Allerdings ist mir klar, daß da physisch Grenzen bestehen – man kann hier das Bild aber ohne weiteres unten beschneiden.

Last but not least sind an der Turmfassade selbst Flecken zu sehen, primär auf der linken Seite. Diese stören für mich den Science Fiction Eindruck, den das Bild ja vermitteln sollte. Man könnte hier argumentieren, daß diese sozusagen als versteckter Hinweis mit im Bild sind, aber ich denke, der Fotograf hat sie schlicht übersehen.

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Kommentar des Fotografen:

Eine Bauruine, die hier zwar am Rand des Industríegebietes steht, aber trotzdem die Landschaft verschandelt. Im inneren ist dieses Loch, was mich nahezu festhielt, es irgendwie zu fotografieren. Nach ca 30 verschiedenen Blickwinkeln ist dieses daraus enstanden.

Profi Sofie Dittmann meint zum Bild von Gerhard Frenzel:

Dein Bild hat mich aus den von Dir genannten Gründen angesprochen. Diese Öffnung hält einen fest, man muss sie förmlich fotografieren. Das Bild dann aber nicht weiter zu bearbeiten, heißt, es bei einem Schnappschuß zu belassen, wo ein Kunstfoto möglich gewesen wäre.

Wie schon ad nauseum hier ausgeführt, kommen in den allerseltensten Fällen Bilder vollkommen aus der Kamera.

Da sind die Licht- und Kontrastverhältnisse, die Situation an sich, die Zeit, die der Fotograf sich nimmt, um das Bild zu komponieren. Bei Deinem Foto kann ich keinerlei Nachbearbeitung erkennen, und doch wäre es so einfach gewesen, mit einem oder zwei Mausklicks (OK, es waren ein paar mehr) aus diesem Foto das herauszuholen, was bereits angelegt war: etwas Außerordentliches.

Erschwingliche Programme gibt es zu Hauf, und meines Erachtens ist es auch für einen ernsthaften Amateur angezeigt, sich mit seinen Fotos auch NACH der Aufnahme noch etwas zu befassen. Je länger man fotografiert, desto weniger Zeit wird es kosten, denn bestimmte Dinge wurden bei der Aufnahme bereits berücksichtigt und “ausgebügelt”.

Ich selbst war regelrecht baff, als ich diese Aufnahme durch Photoshop “zog”. Ich habe zunächst den Kontrast erhöht und die Farben etwas verstärkt. Allein dadurch treten die dunklen Flächen (Decken), die sich graduell nach oben erhellen, besser hervor.

Ich habe es auch etwas entzerrt, denn Du hast hier, wie ich es auch getan hätte, Symmetrie angestrebt, sie aber nicht voll erzielt. Schließlich habe ich es in Schwarzweiß verwandelt, und da erhält das Bild einen Ausdruck, der mich persönlich beeindruckt. Ich hatte erwartet, daß das Foto in monochrom gut aussehen könnte, aber jetzt treten die Strukturen im Beton stärker hervor, das ganze wird zum Kunstfoto.

Was man aber auch dann erst sieht, ist, daß sich an der unteren linken Bildecke ein Betonträger befindet, den es rechts nicht gibt. Bei der Aufnahme wäre das wohl zu vermeiden gewesen, und er stört mich persönlich, weil er die Symmetrie beeinträchtigt. Ich habe ihn deshalb zu Anschauungszwecken wegretouchiert (was man allerdings sieht, denn ich habe nicht die nötige Zeit darauf verwandt). Das wäre allerdings nicht unbedingt nötig gewesen.

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Kommentar des Fotografen:

Ein winterliches Feld mit einem Baum im Nebel. Diese unwirkliche Situation war mir eine Aufnahme wert. Die etwas zu mittige Platzierung ist der Situation geschuldet. Die außerhalb des Motivs liegenden Bildelemente hätte den Bildeindruck gestört.

Profi Sofie Dittmann meint zum Bild von Jürgen Hirsch:

Glückwunsch zu diesem meines Erachtens sehr gelungenen Foto. Es ist einfach, aber effektvoll komponiert, und wer könnte schon an einem Baum im Nebel vorbeigehen, insbesondere, wenn noch so schöner Rauhreif auf allem liegt.

Du packst in Deiner Bemerkung zum Bild gleich den Stier bei den Hörnern und sprichst die mittige Komposition an. Das ist auch das, was bei diesem Foto sofort ins Auge springt. Allerdings nicht negativ, denn es war das, was mich an diesem Bild fasziniert hat. Du hast hier instinktiv, aber gekonnt, eine Regel gebrochen – das Schwierige wird sein, das in der Zukunft absichtlich zu tun.

Ja, der Hauptbildgegenstand ist nicht im Goldenen Schnitt, und ich bin eine derjenigen, die bei fokussiert gerne darauf herumreitet – aber nur dann, wenn es für mich angebracht ist. Bei einem so minimalistisch gehaltenen Bild ist Komposition alles, denn nichts lenkt von störenden Elementen ab, und dazu gehören auch falsch platzierte.

Der Baum ist fast komplett in der Bildmitte, aber Du hast die anderen Geraden im Foto so angeordnet, daß das nicht negativ auffällt. Im Gegenteil, der Gesamteindruck würde zerstört. Der Hauptgrund dafür ist, daß der helle Streifen (Feldweg?), der auf den Baum zuläuft und der ob seiner vom Rest des Feldes komplett unterschiedlichen Struktur eine prominente Rolle im Foto spielt, wäre verschoben worden. Dieser Feldweg “stört” die durch die mittige Platzierung des Baumes hergestellte Symmetrie und bringt dadurch visuelles Interesse ins Bild. Ich würde die Komposition genauso lassen, wie sie ist.

Die einzige Anmerkung meinerseits ist die obligatorische zu dem Rahmen, den Du um das Bild gelegt hast. Wie oft genug bemerkt, nicht notwendig. Ansonsten würde ich anregen, das Foto in Schwarzweiß zu verwandeln. Das ist Geschmackssache, aber ein Bild wie dieses ist geradezu zur Schwarzweißumwandlung prädestiniert.

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Kommentar des Fotografen:

Diese Aufnahme entstand am 4.9.11 um 7.52 morgens … Freehand. Ich wollte Sonntagsmorgens die Stimmung in Berlin einfangen, ohne dass Touristen vor der Kamera herumlaufen. Es waren Menschen unterwegs, die der Aufnahme, wie ich persönlich gaube, noch einen Reiz verleihen. Diese Aufnahme habe ich einmal in Farbe und SW und finde die SW Form sehr passend für diese Stimmung. Es lenkt nichts ab.

Profi Sofie Dittmann meint zum Bild von Sabina Schöfer:

Bei diesem Foto mußte ich zweimal hinsehen, denn ich hätte nicht gedacht, daß das Brandenburger Tor dermaßen menschenleer sein kann. Ich bin schon sehr oft in Berlin gewesen, habe aber nie die Gelegenheit gehabt, so früh unterwegs zu sein. Glückwunsch zu dieser Aufnahme.

Ein paar Kleinigkeiten sind zu bemängeln, aber diese sind nur Kleinigkeiten. Zunächst einmal hast Du das Tor vollkommen mittig ins Bild genommen.

Das liegt nahe, bringt aber auch eine gewisse Statik ins Foto. Diese wäre kein Problem, wenn irgendetwas dazukäme, was hier visuell etwas aufrüttelt.

Das bedeutet nicht, “Ablenkung” ins Foto zu bringen: Sofort ins Auge fällt die Sonne, die Du versucht hast, mit in Szene zu setzen. Allerdings nicht mit einer Blende, die aus der Sonne mehr als nur einen weißen Lichtklecks am Rande des zweiten Torbogens von rechts gemacht hätte. Mit einer kleineren Blende wäre dies gelungen. Damit hätte sich zwar auch die Verschlußzeit verlängert, aber das sind eben die Dinge, die man in eine solche Aufnahme mit einbeziehen muß (Du hast freihand fotografiert, dennoch wäre bei 1/400s Verschlußzeit und Blende f/10 noch Spielraum geween).

Wenn man sich die Zeit nehmen kann, so wie hier zu planen, kann man verschiedene Einstellungen probieren. Selbst, wenn die Fußgänger nur noch als Streifen zu erahnen gewesen wären, wäre es mit oben beschriebenem Effekt ein interessantes Bild geworden. Es gibt auch nichts im Vordergrund, was die Symmetrie irgendwie gestört hätte. Du hättest etwa darauf warten können, daß ein Fußgänger näher an Dir vorbeigeht.

Ansonsten hat sich der gewählten Brennweite wegen das Bild rechts etwas verzogen. Das fällt kaum auf – ich mußte in Photoshop Geraden über alles legen, um dem auf die Spur zu kommen. Es ist auch leicht zu beheben, indem man das Foto rechts entzerrt.

Was die Schwarzweißumwandlung angeht, stimme ich mit Dir voll überein. So wird aus einem Postkartenmotiv ein Kunstfoto.

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Kommentar des Fotografen:

Dieses Bild entstand bei einem abendlichen Spaziergang an der Ostsee. Mir gefiel die Spiegelung des Himmels in der Pfütze. Ich ließ meine Freundin vorgehen, um die linke Bildhälfte nicht zu leer werden zu lassen, und wählte die größtmögliche Blende, um den Fokus auf dem Vordergrund zu halten.

Profi Sofie Dittmann meint zum Bild von Stefan Wieczorek:

Stimmungsvolle Abendlandschaft am Meer. Durch die Pfütze rechts wird das Bild zur optischen Täuschung, man muß zweimal hinschauen, um zu erkennen, was man eigentlich vor sich hat. Das hat mich an dieser Aufnahme gefesselt. Es zeigt mir, daß Du ein gutes Auge hast.

Die Idee, Deine Freundin vorausgehen zu lassen, war in der Tat eine gute, denn so wird einem die Weite der Szene erst richtig bewußt – insbesondere auch, weil das Foto so dunkel gehalten ist. Der Bildaufbau ist gut, der dramatische Abendhimmel wird in der Pfütze (und zum Teil auch im Meer) wiederholt.

Ich weiß nicht, wie dunkel Deine ursprüngliche Aufnahme war, und wieviel Du danach noch nachgelegt hast. Ich vermute aber einmal, daß das Bild nachträglich digital noch abgedunkelt wurde. Jedenfalls sumpft auf meinem kalibrierten Bildschirm das meiste ins Schwarze weg, kann aber in Photoshop leicht wieder im Detail zurückgeholt werden.

Und das ist auch das eine, was ich hier anders gemacht hätte. Es ist nichts Falsches dabei, Details in den dunklen Flächen so zurück zu holen, daß man sie noch stellenweise erahnen kann. Es hätte die Aufnahme noch interessanter gemacht. Das Bild hat einen natürlichen Helligkeitsverlauf von rechts nach links, und so hätte ich es auch von den Details her herausgearbeitet. Insbesondere in Silver Efex ist das sehr einfach zu machen, da Dir dort volle Kontrolle über praktisch jeden Bereich des Fotos zur Verfügung steht.

Das hätte dann beispielsweise so aussehen können:

Die Details im Strand sind jetzt noch andeutungsweise erkennbar, was meiner Meinung nach das Foto noch etwas mehr abrundet.

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