Kommentar des Fotografen:

Das Bild entstand im verganenen Herbst in der wunderbaren Stadt Hoi An in Zentralvietnam. Abseits der Touristenpfade kamen wir an diesem Tempel vorbei, der nicht im Lonely Planet stand und außer uns von keinem anderen Reisenden besucht wurde. Welch ein kleines Juwel!

Profi Sofie Dittmann meint zum Bild von Daniel Mack:

Bei manchen Aufnahmen möchte ich den Fotografen im Nachhinein schütteln. Weil es ein so sehr anderes, so viel besseres Bild hätte werden können. Dein Foto ist so eines.

Ihr wart also in Vietnam, und Ihr seid an diesem Tempel vorbeigekommen, abseits des Weges. Das sind die die “Fotosafaris”, die ich persönlich liebe. Man findet Dinge, die eben in keinem Reiseführer stehen. Gebäude, Menschen, Situationen… Wenn man sich die Zeit nimmt, diese zu erkunden, sich die Zeit nimmt, eine Aufnahme zu durchdenken, bevor man sie macht, können außergewöhnliche Bilder dabei herauskommen, die zwar Schnappschußcharakter haben, aber auch für andere interessant sind.

Was hätte man dort für Aufnahmen machen können, der ganze Tag hätte nicht gereicht – aber Dein Foto hier wirkt, als hättest Du mal eben die Kamera zur Tür hereingehalten. Du hattest zwar die Idee, die beiden großen Pflanzen links und rechts als Rahmen zu benutzen. Allerdings spielst Du hier mit perfekter Symmetrie, und die wurde definitiv nicht eingehalten – man kann sie auch durch Beschneidung der einen Pflanze nicht zurückholen, da Du versetzt gestanden bist, als der Auslöser betätigt wurde. Die Frage ist aber, warum man dieses Motiv überhaupt in perfekter Symmetrie “von der Tür aus” ablichten will.

Wenn auch das farbenfrohe Portal das offensichtliche Motiv gewesen wäre, hätte ich mir etwa ein viel interessanteres Bild vorstellen können, mit dem dunklen Pflanzencontainer in der Mitte, bei dem das Portal im Hintergrund “verschwimmt”.

Dadurch, daß Du bei der eigentlichen Aufnahme mehr oder weniger einfach “abgedrückt” hast, ist aus einem Motiv, das so viel mehr gute Fotos hergegeben hätte, eben ein Urlaubsschnappschuß geworden, der mir als Betrachter visuell oder anderweitig nichts sagt.

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© Stefan Plüss SONY – DSC-HX5V – 1/160 – f 5.5 – ISO 125 – 425mm –

Kommentar des Fotografen:

Aufgenommen letzten November in Istanbul. Bei der Wegfahrt vom Hafen habe ich wenig vorbereitet diese Bild mit meiner kleinen Sony Cam geschossen. Das Bild habe ich in Lightroom entwickelt. Ich finde das Bild zeigt eine Seite des Islam die die meisten Leute nicht kennen. Die zwei haben sich hinter dieser schönen Mauer vor den neugierigen Blicken der Passanten versteckt und sind, wie man sehen kann sehr glücklich. Das Bild ist einfach aber es sagt sehr viel aus. Danke für eure Kritik! Ich freue mich schon drauf. Beste Grüsse Stefan Plüss

Profi Sofie Dittmann meint zum Bild von Stefan Plüss:

Dein Foto fiel mir vor allem wegen der auffälligen Mauer ins Auge. Die Farben in den Steinen, ihre Anordnung im Bild. Ein Motiv, an dem man schwer vorbeikann. Ein schöner Schnappschuß von einem interessanten Motiv, insgesamt gut komponiert.

Denn das ist für den Betrachter hier der Hauptanzugspunkt – die Mauer.

So, wie Du das Paar in die Aufnahme gebracht hast, werden sie optisch zur Nebensache. Die Mauer dominiert einfach. Und das ist übrigens garnicht schlimm, denn sie ist wirklich sehr sehenswert. Das Paar ist vor ihr im Vordergrund angeordnet, wie man etwa in einer Landschaftsaufnahme einen Strauch in den Vordergrund bringen würde, um dem ganzen Perspektive und Tiefe zu verleihen. Hier runden sie die Aufnahme ab.

Da Du Deiner Aussage nach allerdings das PAAR aufnehmen wolltest, muß ich leider feststellen, daß hier das von Dir GEWOLLTE Motiv im TATSÄCHLICHEN Motiv verschwindet. Bezogen auf die Farbenvielfalt und Struktur der Mauer sind die zwei eher Statisten, die die Mauer noch besser in Szene setzen. Hättest Du tatsächlich ein Straßenfoto mit ihnen als Modellen aufnehmen wollen, das sich auf sie auch konzentiert, hättest Du näher heran gehen müssen, so daß sie das Bild mehr füllen. Sie hätten Dich dann bemerkt und/oder Du hättest sie um Erlaubnis fragen müssen, sie zu fotografieren – was sie hätten ablehnen können.

So bist Du in sicherer Distanz geblieben und hast vom Boot aus noch schnell ein Foto gemacht. Ein zugegebenermaßen hübscher Schnappschuß, aber einer, der nicht das zum Ausdruck bringt, was Du eigentlich Deiner Aussage nach zeigen wolltest.

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Kommentar des Fotografen:

Habe versucht, den kommenden Frühling einzufangen, und dabei aber die kalte Erde bzw. Seele des Winters nicht zu vergessen.

Profi Sofie Dittmann meint zum Bild von Michael Schlembach:

Viele Amateure machen den Fehler, das sich ihnen offensichtlich bietende Motiv von ihrer Warte aus aufzunehmen, also von oben, unter Umständen auch noch unter Lichtverhältnissen, die dem Motiv nicht gerecht werden. Pflanzen, insbesondere Blumen, fotografieren sich am besten unter indirektem Licht oder im Gegenlicht, je nachdem, welcher Effekt gewollt ist.

Dein Foto von Krokussen zeigt, was man aus einer einfachen Pflanze fotografisch machen kann, wenn man sich buchstäblich Aug’ in Auge mit seinem Motiv begibt:

Die Kamera ist auf einer visuellen Ebene mit den Blumen. Die Blende ist weit offen, und heraus kam dabei ein Bild, das man schon fast als “intim” bezeichnen muß. Du hast Dich auf eine einzige Blume konzentriert, die perfekt im Goldenen Schnitt liegt. Alles andere ist halb oder ganz verschwommen. Das Bild hätte irgendwo aufgenommen werden können – dadurch, daß Du den Hintergrund hast verschwimmen lassen, fällt nicht auf, was dahinter passiert. Man konzentriert sich ganz auf die Blume. Die gewählte Blende mag manchem extrem erscheinen, aber ich finde sie hier vollkommen passend.

Das einzige, was ich hier anders gemacht hätte, ist der kleine Ast links, der ins Bild ragt. Diese Art Einzelheiten übersieht man gerne zur Zeit der Aufnahme, man kann sie aber sehr einfach auch hinterher noch entfernen. Da mir hier der extreme negative Raum links neben den Blumen gut gefällt, würde ich das Aststück einfach in Photoshop “wegklonen” anstatt das Bild zu beschneiden. Das sind ein paar Mausklicks und mehr nicht.

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Polaroid ist der Inbegriff der Sofortbildfotografie. Generationen sind mit Polaroid aufgewachsen, haben so ihre Erinnerungen festgehalten. Und doch stellte Polaroid 2008 nach über sieben Jahrzehnten die Produktion von Sofortbildfilmen in den letzten noch funktionstüchtigen Fabriken ein. Das war zumindest der Plan.

Polaroid, eine eingetragene Handelsmarke (Trademark) von PLR IP Holdings, LLC hatte 2001 Konkurs angemeldet, wurde dann 2005 von der Holding aufgekauft und hörte 2007 mit der Herstellung von Sofortbildkameras auf. Den eigentlichen Sofortbildfilm nicht mehr zu produzieren war nur der letzte, logische Schritt, trotz heftiger Auflehnung von Bewunderern des Genres und von Künstlern, die sich auf Polaroid-Kunst und Polaroidfotografie spezialisiert hatten. Webseiten wie „Save Polaroid“ (savepolaroid.com) und Blogs zum Thema schossen wie Pilze aus dem Boden, aber auch sie konnten die Firma nicht davon überzeugen, ihre Entscheidung noch einmal zu überdenken. Statt dessen heuerte man Lady Gaga Anfang 2010 als Creative Director an, um eine von ihr geschaffene Produktreihe ins Leben zu rufen.

Die Partnerschaft mit Lady Gaga hat bisher nur einen Fotodrucker, den GL10, hervorgebracht, mit dem man unter anderem über Bluetooth Bilder direkt vom Telefon ausdrucken kann. Dieser hat wohlwollende Bewertungen (siehe beispielsweise PC Magazine) erhalten, aber darüber hinaus waren die Reaktionen eher lauwarm. Geplant sind weiterhin die digitale Sofortbildkamera GL30 und eine Kamerabrille (GL20). Wo aber bleiben hier die Fans und Nutzer von analogen Polaroid Produkten?

Das unmögliche möglich gemacht
Hier kommt das Impossible Project ins Spiel. Benannt nach einem Zitat von Polaroid-Gründer Edwin Land („Don’t undertake a project unless it is manifestly important and nearly impossible.”, zu Deutsch „Unternimm kein Projekt, wenn es nicht offenkundig wichtig und fast unmöglich ist.“) kaufte Impossible unter dem Österreicher Dr. Florian Kaps 2008 das letzte noch funktionierende Werk in Enschede/Holland auf. Zunächst wurden noch vorhandene Filmbestände neu verpackt („limited Special Edition designed by Paul Giambarba“), dann mußte der Film buchstäblich neu erfunden werden, denn viele Originalzutaten, wie etwa die ursprünglichen Farben, waren nicht mehr erhältlich und/oder konnten nicht reproduziert werden.

Im Zuge der Entwicklungen wurden auch Experimente erfolgreich vermarktet, wie etwa der sogenannte „Fade to Black“ Film. Mit „Fade to Black“ („ins Schwarze verschwinden“) gemachte Bilder, an sich bereits eher dunkel mit Tonabstufungen von braun/grün bis schwarz, verfärbten sich über Stunden hinweg und wurden am Ende so dunkel, daß außer Schwarz nichts mehr erkennbar war. Die einzige Möglichkeit, den Ablauf vollständig aufzuhalten, war, den weißen Rand des Bildes aufzutrennen und das Foto austrocknen zu lassen, damit die Chemikalien nicht mehr reagieren konnten.

Mittlerweile produziert Impossible mehrere Arten Film für verschiedene Polaroid-Kameras, unter anderem „Silver Shade“, „Color Shade“ und „PX 70 Push“, und ihren Verkaufsstatistiken im Online-Shop nach zu urteilen sind diese regelmäßig ausverkauft. Fotografen werden ermuntert, Kommentare zu hinterlassen und ihre Arbeiten einzustellen, was auch regelmäßig geschieht. Dennoch muß man sich im Digitalen Zeitalter und mitten in einer Rezession bei einem Kostenpunkt von €1.71/Aufnahme ($2.04) für etwa „PX 70 Push!“ (ein Dreierpack à 8 Aufnahmen pro Packung kostet €41.00 oder $48.99) allerdings fragen, wer sich das überhaupt leisten kann. Warum sich nicht einfach die Kosten und Mühen sparen und mit einer Retro-App wie Hipstamatic die Sache für viel weniger Geld simulieren?

Das Digitale Zeitalter hat nämlich auch dafür gesorgt, daß jeder, der ein Handy mit Kamera besitzt, sich mittlerweile einbildet, ein Fotograf zu sein oder gar ein Künstler. Man muß sich nur auf einer Seite wie flickr.com umschauen. Von allen Seiten wird man visuell regelrecht bombardiert – wie soll man da noch etwas schaffen, was wirklich einzigartig ist? Analoge Fotografie, und insbesondere Sofortbildfotografie, bietet eine Möglichkeit, sich von anderen künstlerisch abzugrenzen. Insbesondere eine Kamera wie die SX70 ist in ihrer Einfachheit für einen ungeübten Fotografen eben nicht so einfach zu bedienen – alles voll manuell, alles muß eingeschätzt und gemessen werden, und anstatt der so bewunderten Retro-Aufnahmen kommen leicht verschwommene Farbkleckskompositionen heraus. Und egal, wie gut das Photoshop-Plugin oder die Retro-App auch sein mögen, an das analoge Original kommen digitale Möchtegerns nur selten heran.

Die Zukunft ist analog
Schon bevor Polaroids Management die aufkeimende Digitalfotografie verschlief und sich, als es ihnen dämmerte, schließlich panisch auf alles mögliche Digitale stürzte, entwickelte sich Sofortbildfotografie und –kunst zu einem Nischenmarkt. Polaroid-Transfers, Polaroid-Manipulationen, eine Polaroidaufnahme am Tag… Dieser Nischenmarkt, von Polaroid aufgegeben, wird heute von Impossible bedient, mittlerweile ein offizieller Partner der Firma. Und im Gegensatz zu Polaroid, die von denen man auch heute noch den Eindruck gewinnt, als wüßten sie nicht ganz, wie sie sich als Firma und Produkt(e) definieren sollen, hat Impossible ein klares Ziel vor Augen: „Die Zukunft ist analog.“ Die Zukunft wird zeigen, ob sie recht behalten.

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Kommentar des Fotografen:

Das Bild zeigt die gefärbten Blätter eines Perückenstrauchs im Gegenlicht. Ziel war es, die Adern in den Blättern und den negativen Raum zwischen den Blättern einzufangen. Leider sind es insgesamt zu viele Blätter, rechts im Bild herrscht Unschärfe, und eine Vergrößerung daher ist nicht sinnvoll möglich. Wie kann es zusammengehen, dass große Abzüge trotz unscharfe Bildteile nicht schlecht aussehen? Hätte doch alles richtig scharf sein sollen? (“Wow-Faktor”) Auf dem Monitor ist es okay, aber in 30*45cm macht es keinen Spaß mehr.

Profi Sofie Dittmann meint zum Bild von Tilman Hesse:

Blätter im Gegenlicht haben einen besonderen Reiz. Man sieht alle Adern, und wenn dann noch Farbenspiel dazukommt, ist es für den Betrachter schwer, sich davon loszureißen. Viele Amateure machen den Fehler, solche Motive so zu fotografieren, wie sie sich auf den ersten Blick darstellen (Blatt von oben), sie gehen um die Dinge nicht herum, suchen anderen Perspektiven. Je nach Lichtsituation kommen dann dabei die typischen Pflanzenfotos in hartem Licht heraus.

Du hast den Strauch im Gegenlicht aufgenommen, wodurch das Foto erst seinen Reiz erhält. Eine Menge mehr oder weniger konform aussehender Dinge zu fotografieren, stellt jedoch besondere Herausforderungen an den Fotografierenden, was Komposition angeht. Worauf konzentriert man sich?

Wie geht man die Sache an?

Du schreibst hier, es seien “insgesamt zu viele Blätter”, und gibst Dir damit eigentlich selbst Deine Antwort. Du hättest hier mehrere Möglichkeiten gehabt. Wenn Du ein Makroobjektiv benutzt hast, hättest Du an eines wesentlich näher herangehen können, um dem Bild einen eindeutigen Schwerpunkt zu geben. Du hast Dich statt dessen dazu entschlossen, die Blätter als Menge darzustellen, und Dich fotografisch in selbiger irgendwo verloren.

Als Betrachter wird man durch die Unschärfe rechts automatisch gezwungen, sich auf die Blattgruppe in der linken Ecke zu konzentrieren. Die unscharfen Blätter rechts dominieren allerdings so sehr, daß man an ihnen optisch nicht vorbeikann, weil sie sich auch noch im Vordergrund befinden.

Da Dir das erst hinterher aufgefallen zu sein scheint, kannst Du hier nur noch mit “chirurgischen Mitteln” arbeiten. Persönlich hätte ich das Bild von vorneherein wie oben beschrieben anders komponiert, aber hier im Nachhinein würde ich aus dem Querformat einfach ein Hochformat machen. Das Foto erhält so eine vollkommen andere Gewichtung.

Was ich auch noch etwas nachkorrigiert habe, ist der Kontrast in den Blättern und das Blau des Himmels direkt dahinter auf der rechten Seite. Da Du hier mit Farben und Kontrast arbeitest, sollte beides voll zur Geltung kommen.

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Kommentar des Fotografen:

Bildtitel: “Koan Titel” Die Bildidee war/ist, die verpassten Chancen eines renommierten Erstligavereins, der drei mögliche Titel nicht gewann, bildlich darzustellen. Beim Spiel Hannover 96 – FC Bayern München zeigte die Fankurve der Hannoveraner Schilder mit “Koan Titel” … Die Grashalme/Schuhe wurden einzeln mit Löschpinsel pixelgenau freigestellt. Lichtquelle ist die Nachmittagssonne.

Profi Sofie Dittmann meint zum Bild von Josef Petz:

Ich habe dieses Foto mindestens zweimal wieder in den Bilderpool zurückgeschoben; hauptsächlich deswegen, weil ich hier immer gegen Color Key wettere. Schließlich habe ich mich dazu entschlossen, doch noch etwas zu schreiben.

Es ist nämlich meines Erachtens eigentlich ein technisch gutes Bild, das Du da geschossen hast. Durch die Brennweite und verwendete Blende hast Du den Hintergrund gut verschwimmen lassen, alles konzentriert sich auf die Schuhe und den schlappen Fußball. Und das allein wäre schon mal ein technisch gutes Foto geworden, in Schwarzweiß oder Farbe.

Es wäre unter Umständen noch ein besseres Bild gewesen, wenn die Schuhe nicht wie hingestellt, sondern wie achtlos hingeworfen gewirkt hätten. Als hätte jemand im Frust über ein verlorenes Spiel einfach etwas “hingepfeffert” und den Ball kaputtgemacht:

So ist es ein Stilleben, nett als Übung fotografiert, aber für mich nicht besonders ausdrucksstark als Motiv. Und daran ändert auch Color Key nichts.

Die Hintergrundgeschichte mit dem verpaßten Titel ist für mich humorig, aber das Bild sollte grundsätzlich auch so wirken. Daß Du hier Color Key verwendet hast, erzählt die Geschichte nicht etwa besser, es bringt den verpaßten Titel nicht mehr ins Bild, es trägt zur Aufnahme nichts extra bei. Wenn ich das Foto anschaue, sehe ich die Schilder nicht, die Du beschreibst. Wie auch?

Ich interpretiere das Foto vielleicht irgendwie ähnlich, aber wenn jemand das Bild sieht, OHNE die Hintergrundgeschichte zu lesen, muß es immer noch auf eigenen Füßen stehen können. Und das tut es eigentlich, und auch ohne Color Key, zumindest als Übungsstück.

Für mich ist Color Key eine gute Übung, etwa in Photoshop mit Masken zu arbeiten. Aber das ist es dann auch. In 99% aller Fälle hat ein gutes Foto diesen Effekt nicht nötig, und ein schlechtes macht er nicht besser. Es ist digitale Spielerei, und die kannst Du natürlich zum Einsatz bringen, wie es Dir beliebt.

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Kommentar des Fotografen:

Über den Dächern von Kaiserslautern war eins meiner ersten Bilder, die ich gemacht habe als ich begann, mich intensiver mit Fotografie zu beschäftigen. Mich beeindruckt Immer noch das Farbenspiel und wie vielfältig doch unterschiedliche Farbtemperaturen im Stadtbild wirken können. Durch die lange Belichtung wirkt es unwirklich bunt dafür, dass es nachts ist…. Desweiteren verbinde ich mit diesem Bild eine schöne Kletterpartie auf ein leerstehenden Karstadt. Ein paar Flaschen Bier und einen wunderschönen Sonnenaufgang.

Profi Sofie Dittmann meint zum Bild von simon frech:

Nachtaufnahmen gehören zu den großen Herausforderungen an einen Fotografen. Die Kamera muß manuell bedient werden, um das noch vorhandene Licht voll auszunutzen, und vielfach muß man durch Versuch und Versagen herausfinden, wo die ideale Blende und Belichtung etc. liegen.

Ich kann mir so richtig vorstellen, wie Du da auf dem Dach gesessen bist mit Deinem Bier:

Und anscheinend ja bis Sonnenaufgang. Ich nehme also an, daß Du mehr als nur die eine Aufnahme gemacht hast. Und die hat durchaus Potential.

Im allgemeinen werden Nachtaufnahmen von Städten mit extrem kleiner Blende geschossen (f/22 oder so), damit die Lichter der Straßenlaternen wie Sterne aussehen. Dadurch verschwimmen allerdings die Lichtstreifen der Autos noch mehr, weil die Belichtungszeiten wesentlich länger werden.

Aus diesem Grund bietet es sich an, mehrere Aufnahmen mit unterschiedlichen Einstellungen zu machen. Meine Kamera schafft das nicht im Aufnahmereihenmodus, also muß ich es manuell tun. Später lege ich dann zwei oder drei Aufnahmen digital übereinander, so daß ich den Sterneneffekt der Straßenlaternen mit den prägnanteren Lichterstreifen der Autos verbinden kann.

Wenn Du eine Blende von f/10 benutzt, werden aus den “Sternen” der Laternen große helle Punkte, die zwar noch ein paar “Strahlen” haben, aber längst nicht so ausgeprägt, was dem Foto für mich abträglich ist. Das hätte hier dadurch behoben werden können, daß Du noch eine Aufnahme mit f/22 machst und nur die Straßenlaternen nachbearbeitest. Und eventuell auch die Schaufenster links, denn die sind ebenfalls “ausgebrannt”.

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Kommentar des Fotografen:

in bewegung. mein mann durfte mal wieder diverse perücken ausprobieren und hatte sichtlich vergnügen daran…

Profi Sofie Dittmann meint zum Bild von denise ellen schröder:

Ich habe lange über dieses Foto nachgedacht, bevor ich mich entschlossen habe, etwas dazu zu sagen. Zunächst ist da meine oft erwähnte Zurückhaltung gegenüber digitalen Spezialeffekten, andererseits aber auch meine Neigung zum Experimentellen.

Genau das fand ich an Deinem Foto spontan gut. Ich habe auch auf Deiner Webseite viele experimentelle und aus dem Rahmen des “Normalen” fallende Fotos gefunden, und kann nur sagen:

weiter so. Bei alledem, was bereits fotografiert worden ist, bleibt dem Fotografen letztlich nur der Mut, die Grenzen weiter auszudehnen.

Ich selbst habe auch schon mehrmals meine Familie, insbesondere meine Tochter, als Modelle rekrutiert, weil ich nur so mit Ideen spielen konnte, die mir mit “zahlenden” Modellen, will sagen: normalen Kunden, nicht möglich gewesen wären – die wollen alle schön aussehen, nicht so, wie sie eigentlich sind, und schon gar nicht merkwürdig oder gar furchterregend.

Ich habe auch anfangs ein paar Mal Bilder “gerettet”, indem ich etwa das ganze in eine “Zeichnung” in Photoshop verwandelt habe. Und das ist genau das, woran ich hier die ganze Zeit geknabbert habe: das Bild ist sichtlich unscharf, ohne etwa Bewegung auszudrücken, und ich glaube nicht, daß das durch die digitale Bearbeitung passiert ist. Ich vermute vielmehr, daß Dir das Bild so gut gefallen hat, daß Du beschlossen hast, “noch was draus zu machen”.

Und als solchen Versuch kann ich es auch würdigen, auch als Experiment etc., aber als mehr denn auch nicht. Denn Spezialeffekte machen allein nicht das Foto, wenn im Ansatz nicht schon ein gutes Bild vorhanden war. Und die Unschärfe hier stört mich persönlich, wie auch immer danach weiterbearbeitet wurde.

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Kommentar des Fotografen:

Ich habe dieses Foto im letzten Herbst im Rahmen eines Shootings aufgenommen. Im wesentlichen ging es mir darum eine Frau in einem sehr “sensiblen” Moment einzufangen, ohne dabei zu direkt und plump zu werden. Nikon D80, Nikkor 180 2.8 D @ 2.8

Profi Sofie Dittmann meint zum Bild von Dave Makoun:

Eine badende Frau steht bis zu den Knien im Wasser, sie wird von der Abendsonne von hinten beleuchtet. Wenn man genau hinsieht, stellt man fest, daß sie dem Fotografen zugewandt ist. Die Sonne hat das Wasser in Gold verwandelt, hinter dem Modell spiegeln sich Lichtflecke im Wasser. Die Frau ist schön platziert, von der Komposition her entsteht der Eindruck einer Wassernymphe, die gerade aus dem Wasser zu ihrem Prinzen steigt.

Es ist ein schönes, ein klassisches Motiv, das Du hier fotografiert hast. Die Zweifarbigkeit hatte es mir sofort angetan, das Licht ist einfach fantastisch. Allerdings hattest Du es hier auch mit einer extrem schwierigen Beleuchtungssituation zu tun – das Licht trifft Dein Modell von hinten, die Sonne steht sehr tief, kommt Dir direkt entgegen. Du hattest auf der anderen Seite aber auch alle Zeit der Welt (OK, bis die Sonne unterging), alle Kameraeinstellungen, Platzierung des Modells etc. voll zu kontrollieren und zu beeinflussen.

Als Verschlußzeit lese ich 1/1600, Deine BLende war 2.8. Dadurch ist Dein Modell veschwommen, sie ist unscharf – es ist sowieso schwierig, den Fokus hier gekonnt zu kontrollieren. Dadurch, daß die Beleuchtung hier einen Scherenschnitteffekt produziert, erwarte ich mehr Schärfe. Auch wenn Du nicht “plump” wirken wolltest und deshalb eine Brennweite von 180 gewählt hast, um weiter von Deinem Modell weg zu sein – so, wie die Frau hier platziert ist, hattest Du volle Kontrolle über die Aufnahme. Es besteht für mich kein Grund für die schnelle Verschlußzeit, die weit offene Blende und die lange Brennweite.

In Situationen wie dieser lohnt es sich, mehrere Aufnahmen von verschiedenen Perspektiven mit unterschiedlichen Einstellungen zu machen. Ich persönlich hätte mich für eine kleinere Blende entschieden, was natürlich eine längere Verschlußzeit bedeutet hätte, aber Du hattest Deine Kamera vermutlich auf einem Stativ. Du hättest auch etwas näher kommen können, wenn notwendig, ohne den Gesamteindruck zu zerstören.

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Kommentar des Fotografen:

Bildtitel: Stütze Tja, hab halt versucht den Punkt zu finden, wo die Turmspitze, das “Kugelelement” (sorry, ich bin in Funkturm-Architekturterminologie – schönes Wort auch – nicht bewandert) und das Dachelement so im Einklang sind, dass der Eindruck des gegenseitigen Abstützens entsteht.

Profi Sofie Dittmann meint zum Bild von Alexander Westphal:

Bei diesem Foto hatte ich zuerst vermutet, es handele sich um eine Montage. Ich weiß nicht, welchen Funkturm Du hier fotografiert hast (Berlin?), aber die Art, wie er sich an das Dachelement “anlehnt”, war etwas, was ich in einer Aufnahme wie dieser nicht erwartet hätte:

Man kann eben mit entsprechender Ausrüstung und einem guten Auge auch noch aus vielfotografierten Motiven etwas Neues herausholen, wenn man sich bemüht.

Durch die gewählte Brennweite und die Größe der Objekte bilden sie ein Dreieck, in dem sich weitere Dreiecke befinden. Die Tatsache, daß sie nach unten hin in die jeweiligen Ecken verlaufen, bedeutet, daß Du dir, auch wenn es sich eher um einen Architektur-SCHNAPPSCHUSS handelt, genaue Gedanken hinsichtlich der Komposition gemacht hast, anstatt einfach auf den Auslöser zu drücken.

Das einzige, was ich persönlich noch nachbearbeitet hätte, ist der Kontrastverlauf im Bild – der Himmel rechts ist dunkler als links, wo die Sonne stand. Die gewählte Brennweite hat eine Vignettierung mit ins Bild gebracht, die hier aber nicht negativ ins Gewicht fällt. Allerdings spielst Du hier mit geometrischen Elementen, hauptsächlich den oben erwähnten Dreiecken. Du hast auch erwähnt, Photoshop benutzt zu haben, doch kann ich eine Farbkorrektur etc. nicht wirklich erkennen.

Da Du dem ganzen sowieso einen surrealen Touch verliehen hast, hätte ich das persönlich noch verstärkt, indem ich den Himmel so weit wie möglich uniform aussehen lasse und im Gegensatz dazu etwa den Turm selbst noch aufhelle. Das hätte dann etwa so ausgesehen:

Das ist aber wohl eher Geschmackssache.

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Kommentar des Fotografen:

“Winter” im Hochmoor: Nachdem in den beiden letzten Jahren die Winter sehr schneereich waren, scheint er diesmal auszufallen. Ort: “Ewiges Meer”, nördlich von Aurich.

Profi Sofie Dittmann meint zum Bild von Fred Knöchelmann:

Hochmoor im Winter. Man kann bestimmt stundenlang dort herumwandern und begegnet keinem Menschen. Kompositionell finde ich Deine Aufnahme ansprechend, wenn auch der Baum im Vordergrund zugleich zu dominant wirkt und auch oben abgeschnitten ist. Die Einöde der Landschaft verleiht dem ganzen etwas Melancholisch-Träumerisches. Der Himmel spiegelt sich im Wasser und gibt der Szene zusätzliche Tiefe. Den Horizont hast Du gut getroffen, wenn auch die Sonne nach rechts verschoben ist. Das hätte man durch einen veränderten Standpunkt korrigieren können, wodurch wahrscheinlich auch die Platzierung des Baumes verbessert worden wäre.

Bei diesem Bild dachte ich ansonsten erst, es handele sich um ein HDR, denn so, wie die Lichtstimmung hier ist, wirkt sie für mich unnatürlich. Da ist die Sonne rechts, die tiefliegend durch die Wolken bricht, und dann der dunkle Himmel links. Du hast allerdings nicht erwähnt, das Foto so zusammengesetzt zu haben, und andere typischen Merkmale sind nicht zu sehen. Und das ist auch mein Hauptkritikpunkt an Deinem Bild – der Eindruck eines HDR, das hier fehl am Platz gewesen wäre, läßt sich einfach nicht verscheuchen. Die Stimmung, die im Foto mit angelegt ist, die ja eigentlich melancholisch und einsam sein sollte, wird dadurch beeinträchtigt. Man kann natürlich mit solchen Gegensätzen spielen, aber das sollte man gekonnt tun.

Ich habe daher das Bild in Photoshop so nachbearbeitet, daß wieder etwas mehr Stimmung hineinkommt. Zu Demonstrationszwecken und im Hau-Ruck-Verfahren, denn man kann es durchaus noch feiner abstimmen. Durch das Abdunkeln insbesondere der Ränder nach der Sonne hin wirkt es, wie man es erwartet hätte. Zwielicht, Einsamkeit, nur der Betrachter zwischen Moor und Himmel, endlose Weite.

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Kommentar des Fotografen:

Bei einem privaten Test-Shooting mit meinem Sohn, um das selbst gebastelte Grid für mein Blitzgerät zu testen, entstand dieses Bild. Mir gefällt besonders sein Blick in diesem Foto, der in Schwarz-Weiss besser zur Geltung kommt. Unter Photoshop mit Nik Silver Efex in Schwarzweiss umgewandelt.

Profi Sofie Dittmann meint zum Bild von Oktar Özkartal:

Du hast hier ein meines Erachtens sehr gelungenes Foto geschossen. Aus irgendeinem Grund war “Damien” das erste, was mir durch den Kopf ging, als ich dieses Porträt sah – und dabei bin ich kein Fan von Horrorfilmen, und “Omen” habe ich nie wirklich zuende gesehen.

Dein Sohn sieht hier aus, als wäre er zu allem fähig, und die gewählte Beleuchtung trägt ihren Teil dazu bei. Meine Kinder fanden es auch immer ganz klasse, wenn ich sie so fotografiert habe – sie durften so furchterregend, verrückt oder wie auch immer sie wollten aussehen, und heraus kamen immer super Bilder.

Zur technischen Seite ist anzumerken, daß die Belichtungszeit ohne den Strobisten so nicht hinzubekommen gewesen wäre, es aber trotzdem so wirkt, als hätte man dem Jungen eine Taschenlampe ins Gesicht gehalten. Das macht hier das Foto aus, weil es zusammen mit der Tatsache, daß sich das meiste des Bildes im vollen Dunkel befindet (hier rahmt das den Kopf gekonnt ein) und dadurch, daß der Gesichtsausdruck des Kindes irgendwo zwischen furchterregend, traurig und gemein liegt, ein effektvolles Zusammenspiel ergibt, das den Betrachter im Foto festhält.

Sein Gesicht ist etwas aus dem Goldenen Schnitt heraus verschoben, was dem ganzen aber hier Dynamik verleiht – ein “korrekt” angeordnetes Modell wäre hier fehl am Platz gewesen. Denn so bekommt die Sache für mich einen Schnappschußcharakter, der ebenfalls zum “Taschenlampeneffekt” der Beleuchtung paßt.

Das einzige, was ich etwas heruntergeschraubt hätte, sind seine Lippen, die für mich wirken, als trüge er Lippenstift. Ich führe das auf eine Einstellung in Nik bei der Schwarzweißumwandlung zurück. Das ist aber eher Geschmackssache, und fällt in diesem Bild nicht schwerwiegend auf.

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Kommentar des Fotografen:

Die Spiegelung des Hamburger Hafens an einem Winterabend in der Glasfront des Dockland Gebäudes. Ich habe hier die Linien der Gebäudekonstruktion veruscht zu nutzen, um die Elemente in der Spiegelung zu unterstützen.

Profi Sofie Dittmann meint zum Bild von Borg Enders:

Der Hamburger Hafen einmal ganz anders. Dein Foto ist ein gutes Beispiel dafür, daß auch oft dargestellte Motive noch anders bearbeitet werden können, wenn man nur ein Auge dafür hat. In dieser Spiegelung wirkt diese Industrielandschaft nicht nur attraktiv und interessant, sondern beinahe romantisch, weil man erst beim zweiten Hinschauen sieht, daß um den Sonnenuntergang herum Ladedocks etc. sind.

Insgesamt gefällt mir Dein Foto also sehr gut, insbesondere die Idee der Aufnahme an sich. Was mir allerdings sofort auffiel:

Die Symmetrie, die Du angestrebt hast, wurde nicht durchgehalten. Die Linien zwischen dem Glas streben nach oben und bilden damit Geraden, die einem bestimmten Fluchtpunkt entgegen laufen. Der andere liegt in der Landschaft selbst, fällt aber optisch nicht so ins Gewicht, weil das von der Fassade vorgezeichnete Raster so markant ins Auge springt.

Wenn man Hilfsgeraden über das Foto legt, wird einem sehr schnell klar, daß das Gebäude nicht vollkommen gerade aufgenommen wurde, sondern leicht nach links gekippt ist. Man sieht ebenfalls, daß der Beschnitt nach rechts nicht dem links entspricht. Auch ragt das Ufer links in die Fensterscheibe hinein, wo ich die Fortsetzung der dunklen Linie des Quais erwartet hätte. Die Verzerrung ist höchstwahrscheinlich u.a. auf die gewählte Brennweite von 18 mm zurückzuführen, und auf die körperlichen Begrenzungen – man kommt an die Fassade nur so und so weit heran, und wenn man einen Schritt nach rechts macht, verschiebt sich etwas links im Fenster…

Hinsichtlich dieser Herausforderungen hast Du das Motiv so gut getroffen, wie Dir möglich war, und mit ein bisschen Nachbearbeitung wird die Symmetrie auch so perfekt, wie man das erwartet hätte. Etwas entstrecken, so beschneiden, daß die Kante links der rechts entspricht, und vielleicht sogar die helle Stelle am Quai links so abdunkeln, daß sie optisch nicht mehr so auffällt.

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Kommentar des Fotografen:

Mein Ziel war es, von der Rialtobrücke aus die wunderbare Architektur Venedigs, das Leben am und auf dem Wasser und gleichzeitig auch die Ruhe des Canale auf meinem Bild festzuhalten. Dies “by night”. HDR Software macht mich meistens nicht glücklich. Ich habe eine Belichtungsreihe von 3 Fotos erstellt und diese manuell in CS5 zusammengefügt. Ich bin gespannt, was Profis zu meinem Bild sagen. Bei der Wahl der Kategorie bin ich unschlüssig.

Profi Sofie Dittmann meint zum Bild von Claudia Portmann-Caminada:

Zunächst einmal Glückwunsch zu diesem meines Erachtens beeindruckenden Foto. Wie schon oft erwähnt ist es extrem schwierig, von bekannten Motiven noch interessante Fotos zu machen, und wenn sie dann noch so bekannt sind wie der Canale, fast unmöglich. Trotzdem hast Du es geschafft, mir hier etwas Neues zu bieten – Hut ab!

Du schreibst, HDR Software mache Dich meistens nicht glücklich. Wenn ich Dir auch insofern recht geben muß, daß oft unerwünschte Effekte mit ins Bild kommen, hätte HDR, etwa durch Photomatix hergestellt, hier sicherlich auch einen interessanten Effekt ergeben:

Den man natürlich hätte nachbearbeiten müssen, damit das Bild nicht auf mehrere Meter nach HDR aussieht. Du hast hier einer beliebte Nachbearbeitungsmethode die kalte Schulter gezeigt und MANUELL drei Aufnahmen zusammengesetzt. Aus eigener Erfahrung kann ich bestätigen, daß das nicht wenig Aufwand bedeutet, aber wie hier ersichtlich lohnt sich die Liebe zum Detail.

Zur Komposition: der Horizont/Fluchtpunkt ist in Deinem Bild aus dem Goldenen Schnitt heraus verschoben, so daß man im Vordergrund viel Wasser sieht, das von den Lichtern der Häuser und Laternen flankiert wird. Da der Himmel jedoch ebenfalls vollkommen schwarz ist, kommen dadurch die Lichter, die sich wie eine Perlenkette links und rechts durch das Bild reihen, noch mehr zur Geltung – ein meines Erachtens gelungener Regelbruch, der Dynamik ins Foto bringt.

Das einzige, was ich hier anzumerken habe, ist, daß die Boote vorne links verschwommen wirken. Das mag der langen Beleuchtungszeit geschuldet sein – das Wasser sieht vollkommen ruhig aus, aber vielleicht kamen sie leicht in Bewegung. Außerdem ist das Bild zu den Ecken hin leicht verzerrt, was aber nicht weiter auffällt.

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Kommentar des Fotografen:

Dieses Bild entstand an Silvester, als ein Junge über die Reste von Raketen & Böllern Benzin goss & es anzündete.

Profi Sofie Dittmann meint zum Bild von Annika Fischer:

Zunächst einmal beschäftigt mich die Frage, wer dem Jungen Benzin in die Hand gedrückt hat, und warum Ihr nicht alle geflüchtet seid, als er die Raketen damit übergoß – mein Sohn hätte sich beinahe mal mit normalem Benzin in die Luft gejagt, und das ohne Raketen.

Feuer hat den Menschen schon seit Jahrtausenden fasziniert. Es sieht aus wie rote Federn, wie Zungen, man hat ihm unzählige poetische Namen gegeben. Tiere haben instinktiv davor Angst, beim Zelten wirkt es romantisch. Und man ist natürlich versucht, es irgendwie fotografisch festzuhalten.

Fotos von Feuer wirken im allgemeinen nur dann, wenn es dunkel genug ist, um die Farben zur Geltung kommen zu lassen:

Und darin liegt auch die Herausforderung, denn die damit verbungenen langen Belichtungszeiten sorgen automatisch dafür, daß die Flammen verschwommen wirken, selbst wenn man ein Stativ benutzt. Bei Wasser werden lange Belichtungszeiten absichtlich eingesetzt, um es weich schäumend aussehen zulassen, hier wurde dadurch aus Deinem Foto etwas Abstraktes.

Ich habe auch schon mehrmals Feuer fotografiert, so wie Du hier, und es ist eine lustige Übung, aber die Bilder waren alle eher unaufregend. Ja, die Farben verlaufen schön von hellgelb nach blutrot und die Linien sind faszinierend, aber das ist es dann auch. Nichts hält mich im Bild fest, und wo ich die Aufnahmen mittlerweile habe, weiß ich nicht mehr.

So ist es auch hier. Es gibt nichts, was mich in Deinem Bild festhält. Es ist ein Schnappschuß von Feuer, und mit dieser Erkenntnis ziehe ich weiter.

Feuer bietet aber einen faszinierenden Hintergrund für Scherenschnittaufnahmen, also solche, bei denen Du nur noch die Silhouette von etwas siehst, das von hinten davon beleuchtet wurde.

Ich habe mal ein Beispiel hochgeladen, das ich vor ein paar Jahren von meinem Mann vor einem riesigen brennenden Holzhaufen geschossen habe. Das hat ihm so gut gefallen, daß er es schon seit Jahren als Avatar etwa auf Facebook benutzt.

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Kommentar des Fotografen:

Das Bild ist während eines Urlaubs in St. Petersburg entstanden. Das “Paradise Café” steht an einer tristen, von Plattenbauten gesäumten Standpromenade am Golf von Finnland. Die Temperaturen waren sehr niedrig, ein kalter Wind wehte.

Peter Sennhauser meint zum Bild von Denis Gerlach:

Ein Flacher Pavillon mit Wellblechdach und Fensterfront voller Vorhänge steht auf einem Parkplatz. Das in kyrillischer und lateinischer Schrift als «Café Paradise» angeschriebene Gebäude in der horizontalen Bildmitte wirkt trotz des modernen Werbebanners heruntergekommen; der leere, von Frost bedeckte Parkplatz zwischen dem Fotografenstandort und dem Kaffee und der triste, graue Himmel dahinter sorgen für eine Stimmung der Einsamkeit und Kälte.

Die einfachsten Bilder sind oft die besten.

Dieses “Café” hätte sicher auch viele andere Blickwinkel, Perspektiven und Detailbilder abgegeben. Aber die frontale, extrem nüchterne Sicht, die Du gewählt hast, und der sich zwischen uns und dem Gebäude ausbreitende, autoleere Parkplatz sorgen für eine unangenehme Stimmung, die das Bild ganz ohne weitere Ansichten der Umgebung beherrscht.

Das hat etwas vom Realismus eines Edward Hopper, dessen Gemälde in der Mitte des letzten Jahrhunderts aus der abstrakten Kunst heraus die Malerei in eine emotionale Chronistenrolle erhob: Hoppers Bilder betonten die Einsamkeit und die Anonymität in der Gesellschaft.

In deiner Aufnahme stehen Wunsch und Realität sich gegenüber – das Café, das in vielen Sprachen auf den Schildern begrüsst und international wirken will, dabei aber ärmlich und vereinsamt herüberkommt. Der Parkplatz vor dem Gebäude drückt es aus, und es ist gut, dass Du ihm ausreichend Platz gelassen hast.

Vor allem aber wird das ganze Bild geprägt von Rechtecken: Der gedrängte, flache Pavillon, die in unterschiedlichen Rauhreif-Decken gefärbten Autostandplätze auf dem leeren Platz, selbst der Himmel hinter dem Kaffee mit den horizontalen Linien fügt sich in die Auftürmung von Rechtecken ein.

Das ist insgesamt gut arrangiert, aber der Bildausschnitt wirkt ebenso rechteckig, zentriert und damit weniger anziehend, als wenn darin ein deutliches Ungleichgewicht herrschen würde. Gleiche Formen und Flächen in einem Bild schreien geradezu danach, vom Fotografen bewusst komponiert, in eine Relation oder einen Kontrast gesetzt zu werden und damit dem Betrachter eine Mischung aus Eintönigkeit und optischer Spannung zu bieten.

Normalerweise hätte ich geraten, das Gebäude an den unteren Bildrand zu rücken und unter einem erdrückend grossen Himmel vereinsamen zu lassen – allenfalls sogar in einem Hochformat. Hier aber erfüllt der Autoparkplatz, der ja die Gäste aufnehmen müsste und zudem mit den Rechtecken und der Distanz des Betrachters zum Café einen grossen Anteil an der Stimmung hat, diese Rolle viel besser: Ich hätte also versucht, das Gebäude nach oben zu rücken, vom Himmel nur noch etwas Grau zu zeigen und dafür die Betonwüste vor dem nicht viel weniger hässlichen Pavillon das Bild dominieren zu lassen. Bei geschlossener Blende würde dabei dessen Front immer noch genug zum erforschen anbieten.

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Kommentar des Fotografen:

In den Voralpen bei leicht nebligem Wetter auf der Suche nach einer Abfolge von Landschaftskulissen bis an den Horizont. Angestrebt waren nicht Silhouetten bei Gegenlicht. Mit dem seitlich einfallende Abendlicht zeigte sich sich die erwünschte Farbigkeit. Nach längerem Suchen fand sich schliesslich mit dem Blick in ein kleines Seitental eine Situation, die mich ansprach.

Profi Sofie Dittmann meint zum Bild von Peter Künzler:

Obwohl ich schon seit Jahren nicht mehr wirklich in den Bergen war, möchte ich, seitdem ich Dein Bild gesehen habe, unbedingt mal wieder wandern gehen. Diese Majestät, diese Weite hatte ich fast vergessen, bis sie Dein Foto in Erinnerung brachte.

Das war auch der Grund, warum ich es mir herausgesucht habe – und mit ein bischen Feilen kann man hier ohne großen Aufwand noch das Tüpfelchen aufs “I” bringen. Daß Du eine Hochformataufnahme für eine Landschaft gewählt hast, die sonst oft im Querformat dargestellt wird, stört mich nicht im geringsten:

Im Gegenteil, die Art, wie die Linien im Bild verlaufen wäre sonst weit weniger dramatisch und es wäre meines Erachtens keine so effektvolle Darstellung.

Was mich allerdings stört, sind die blassen Farben, wo doch ein Foto wie dieses durch Kontraste und Farben erst zum Leben erwacht. Zum Verhängis wurde Dir hier derselbe Dunst, der Dich ja erst zur Aufnahme bewogen hat. Er bringt die Tiefe ins Bild, schafft erst die verschiedenen Ebenen, durch die es wirkt – und läßt gleichzeitig die Farben, die Dich Deiner Aussage nach so fasziniert haben, verblassen. Das Rot und Orange der Laubbäume, das in der bläulichen Luft hier kräftig leuchten könnte, schwächelt zwischen den Hügeln, und das Gelb-Grüne der Wiesen, die den Raum zwischen den dunklen Tannen ausfüllen und ein visuelles Kontinuum von vorne nach hinten bilden und so das Auge des Betrachters leiten, ist ebenfalls etwas blutleer. Und da ist auch noch der blasse Himmel…

Das hätte in der Nachbearbeitung ohne großen Aufwand korrigiert werden können, wie Du an meinem Beispiel siehst. Ich habe mehr draufgepackt, als ich normalerweise nachbearbeite, damit der Unterschied wirklich deutlich wird. Wie sehr Du daran “drehst”, bleibt natürlich Dir überlassen, aber um diese Berglandschaft wirklich so aussehen zu lassen, wie ich das als Betrachter erwartet hätte, bedarf es nicht sehr viel.

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Kommentar des Fotografen:

Nikon F3, Film: TMAX 3200. Konzertfotografie mal anders. Es geht mir um Stimmung und die Musik, nicht um die jeweiligen Musiker. Das vorhandene Licht verwenden ohne die Stimmung wegzublitzen.

Profi Sofie Dittmann meint zum Bild von Katharina Heinrich:

Gute Fotos leben von Stimmung und/oder Details, welche, im Idealfall effektvoll komponiert, eine Bildaussage ergeben, die den Betrachter bewegt. Wie der Fotograf das umsetzt, bleibt ihm überlassen. Manche Bilder leben hauptsächlich von Stimmung, andere hauptsächlich durch Details, die man nach und nach im Foto entdeckt. Am einen Ende des Spektrums – überwiegend Stimmung – stelle man sich etwa eine Aufnahme vor, die verschwommen etwas im Nebel zeigt, am anderen eine Makrofotografie, die detailliert den Kopf einer Fliege zeigt.

Konzertfotos sind eine Kunst für sich:

Es gilt, den Musiker oder die Band in einem Augenblick einzufangen, der nicht nur die Stimmung des Konzerts festhält, der die Musik irgendwie mitschwingen läßt, sondern auch die Emotionen im Gesicht oder der Haltung des Musikers. Ein meines Erachtens gutes Beispiel ist ein Bekannter meinerseits, Juan-Carlos Hernandez, der sich auf diese Art Fotografie spezialisiert hat. Manche seiner Aufnahmen sind Stimmung pur, andere eine Mischung, manche sehr experimentell, andere “klassisch”. In allen Fällen hat er jedoch die Regeln eindeutig gekannt, wenn er sie gebrochen hat.

Du hast hier Deiner Aussage nach die Stimmung des Konzertes einfangen wollen. Man blickt, wie der Musiker selbst, ins Scheinwerferlicht. Zu sehen ist nur die Silhouette des Sängers, sein ausgestreckter Arm mit Mikrofon. Da man bei Bühnenaufnahmen nie mit Blitz arbeiten sollte, sondern statt dessen mit einem schnellen ISO, ist die Körnung entsprechend hoch, wie hier auch ersichtlich. Das paßt zum Foto, es gibt ihm, wie auch die Schwarzweißumsetzung, einen dokumentarischen, spontanen Charakter. Auch in einem Fall wie diesem sollten allerdings bestimmte Elemente trotzdem vorhanden sein – oder gekonnt weggelassen werden.

Was mir an Deinem Foto negativ auffällt, ist, daß der Sänger seinen Kopf verloren hat. Er sieht irgendwie aus wie Quasimodo, und daran ändert auch die Tatsache nichts, daß man die Haare noch so andeutungsweise sieht, denn auf der rechten Seite verschwimmt alles ins Schwarze. Hätte man ihn mit gesenktem Kopf etwa im Halbprofil gesehen, wäre das meiner Meinung nach eine bessere Aufnahme geworden. Das Bild hätte immer noch von der Stimmung profitiert.

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Kommentar des Fotografen:

Tableau Vivant nach dem Gemälde “Die Jungfrau züchtigt den Jesusknaben vor drei Zeugen” von Max Ernst. Im Originalbild liegt der Jesusknabe mit dem Rücken nach oben gewandt auf dem Schoß der Maria. Der auf dem Boden liegende Heiligenschein – hier durch den Knebel ersetzt – symbolisiert die Entheiligung des Jesuskindes, ein unerhörter Vorgang. Das Bild war deshalb auch Anlass für die Exkommunikation Max Ernst´s aus der Katholischen Kirche. In meiner Interpretation wird der Jesusknabe durch den Fetisch – Frauenbeine – ersetzt, Requisiten wie die Reitgerte und der Knebel lassen Assoziationen zur SM-Szene zu. Der Kulissenartige Hintergrund wurde, passend zum Thema, aus der Fassade des Diözesanmuseum Köln in PS konstruiert. Der Wandel von Moralvorstellungen, Sexualpraktiken und Toleranz, oder Inntoleranz der Kirche, wird im Kontext des Originalbildes thematisiert.

Profi Sofie Dittmann meint zum Bild von Horst Hazfeld:

Dein Bild war für mich ein “gefundenes Fressen”, wie man so schön auf Deutsch sagt. Erstens einmal sehen wir so etwas hier nicht alle Tage, und zweitens MUSS man das Bild interpretierend besprechen, wovon ich sonst meistens (u.a. aus Platzgründen) absehe.

Berühmte Künstler zu “zitieren”, ist immer mutig, sie umzuinterpretieren gewagt. Wenn man dieses auch noch in einem anderem Medium tut… Zunächst einmal ein paar Worte zum Original:

Als Max Ernst, ein berühmter deutscher Vertreter des Dadaismus und Surrealismus, das Original “Die Jungfrau züchtigt den Jesusknaben” 1926 zum ersten Mal in Paris ausstellte, löste er damit einen Skandal aus. Später in Köln erwirkte der Kölner Erzbischof die Schließung der Ausstellung und exkommunizierte Max Ernst wegen Gotteslästerung.

Allgemein wird das Original als Kritik Ernsts nicht nur an der Katholischen Kirche und ihrer Madonnenverehrung, sondern auch als Auseinandersetzung mit seiner eigenen Jugend in einem extrem streng-katholischen Haushalt verstanden, wo körperliche Züchtigungen an der Tagesordnung waren. Die Jungfrau ist, wie auch in “klassischen” Madonnendarstellungen sonst auch, in rot und blau gekleidet, das Jesuskind ist nackt. Es wird allerdings nicht, wie sonst üblich, lieblich auf dem Arm gehalten, sondern vor den Augen von drei Zeugen (u.a. dem Maler selbst) mit der bloßen Hand so geschlagen, daß seine Pobacken bereits gerötet sind. Die “Zeugen” in Max Ernsts Bild schauen nicht wirklich hin, und eingegriffen wird schon gar nicht.

Du hast hier das berühmte Original dahingehend uminterpretiert, daß Du a) den Jesusknaben durch Frauenbeine aus Plastik ersetzt hast, und b) den Heiligenschein durch einen Knebel. Es wird auch nicht mehr mit der bloßen Hand geschlagen, sondern mit einer Reitgerte, und aus drei “Zeugen” wurde einer. Der Raum ist fast vollständig dem Original nachempfunden. Auch trägt die Frauengestalt rot und blau.

Wenn Du auch Max Ernst offen zitiert hast, hast Du doch mit diesem Bild etwas geschaffen, was von ihm losgelöst interpretiert werden muß. Die Frauengestalt hat für mich etwas von einer Domina, allerdings paßt es nicht, daß sie unter dem Bustier noch ein Tanktop trägt. Auch der lange Rock paßt zum Bild der Domina nicht. Ich hätte ihn zumindest so aufgeschlitzt, daß man das dem Betrachter zugewandte Bein vollständig sieht. Die “Madonna-Domina” wirkt, als hätte man sich nur halb getraut, sie auszuziehen.

Sie schlägt mit der Reitgerte auf Plastik-Frauenbeine ein. Diese kann man als Fetisch interpretieren, als etwas, das von Männern idealisiert und sexualisiert wird, insbesondere mit Schuhen wie diesen. Allerdings könnte man argumentieren, daß es in einer SM-Situation darum geht, daß die Domina den Mann erniedrigt – wie dazu die Frauenbeine passen, ist mir nicht ganz klar. Das wird auch dadurch bestätigt, daß ein Knebel auf dem Boden neben der Frauengestalt liegt.

Du hast, wie oben erwähnt, nur einen Zeugen belassen. Der wirkt hier, als befände er sich in einer Peepshow, macht aber auch irgendwie einen desinteressierten Eindruck. Er schaut dabei zu, wie die “Jungfrau” auf die Frauenbeine einschlägt. Es heißt, daß Männer davon angesprochen werden, wenn Frauen sich mit Frauen vergnügen, aber in diesem Kontext (Knebel) paßt es für mich wiederum nicht ganz.

Fazit ist, daß irgendwie durchdringt, was Du hier versucht hast, aber es wirkt wie nicht ganz zu Ende gedacht.

Zum Technischen selbst ist noch zu sagen, daß sich auf der rechten Achsel des Modells ein merkwürdiger Schatten befindet, der wohl durch die ursprüngliche Aufnahme verursacht wurde, mich hier aber stört. Auch stimmen die künstlichen Schatten nicht ganz mit den Lichtverhältnissen des ursprünglichen Bildes überein. Diese kann man, wenn man es in Photoshop geschickt anstellt, so mit in ein anderes Foto bringen, daß es vollkommen natürlich wirkt. Daß die Fotoelemente des Bildes leicht verschwommen aussehen, mag an der Auflösung liegen.

Insgesamt meines Erachtens ein guter Ansatz, an dem ich allerdings noch etwas feilen würde.

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Kommentar des Fotografen:

Ein Schilfbestand im klaren, niedrigen Wasser des Weissensees in Kärnten spiegelte sich wunderbar auf der fast stillen Wasseroberfläche. Mich erinnerte das ganze an asiatische Schriftzeichen, und so versuchte ich in der SW-Umsetzung besonders die Kontraste heraus zu arbeiten, ohne den Wassereindrück gänzlich verschwinden zu lassen.

Profi Sofie Dittmann meint zum Bild von Franz Bogner:

Immer, wenn ich Equipment-Neid bekomme, weil sich eine Bekannte mal wieder ein super-teures Objektiv gegönnt hat, oder ein Freund sich eine neue Kamera… Und wenn ich dann so meine “Ausrüstung” anschaue und denke, “Was könnte ICH mit der Kamera alles machen!” – dann muß ich mir nur etwa auf Flickr alle die schlechten Fotos anschauen, die die Leute zum Teil mit sehr teuren Kameras gemacht haben und mich darauf besinnen, daß letztlich nur eines zählt: ein gutes Auge.

Wenn jemand SIEHT und nicht nur SCHAUT, kann er mit einer Holga überdurchschnittliche Fotos schießen. Und das wird in einem Bild wie diesem wieder mal überdeutlich: Du siehst, und es wäre egal gewesen, ob Du diese Szene mit Deiner Olympus oder einer Spielzeugkamera aufnimmst. OK, ein Stativ hast Du bei 1/3s wohl gebraucht.

Man muß erstens ein Motiv als solches SEHEN können, und dann so weit wie möglich mit der Kamera umsetzen, was man gesehen hat. Denn bekanntlich nimmt diese ja anders auf als das Auge sieht – was mir immer wieder bewußt wird, wenn ich etwa Essen fotografiere und die Fotos dann später auf dem Bildschirm habe.

Du hast hier eine Situation eingefangen, an der andere womöglich vorbeigegangen wären. Schlicht, elegant, faszinierend. Du hast sie weiterhin in einer Weise aufgenommen, die irgendwo die Grenze zwischen Natur und Abstraktion verwischt. Man muß mehrmals hinsehen, um zu erkennen, das es sich um Halme handelt, und wo eigentlich die Oberfläche verläuft. Und am Ende hast Du sie in einer Weise bearbeitet, die ein an sich schon gutes Foto noch verfeinert hat. Auch der quadratische Beschnitt paßt gut, denn jetzt verläuft eine unmerkliche Diagonale durch das Bild und der negative Raum wird optimal eingesetzt.

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