Ohne das Laub reduzieren sich die Formen auf die Linien von Zweigen, Ästen, Stämmen. In Gestrüpp und Unterholz legt Emanuel Raab einen vielfältigen Formenreichtum offen.

Der Wald – das ist (nicht nur) in Deutschland ja viel mehr als eine Ansammlung von Büschen und Bäumen. Seit je her – und ganz besonders seit der Romantik – ist er ein geheimnisvoller, einsamer, undurchdringlicher, dunkler, gefährlicher – eben ein mythischer Ort und ein Objekt der (modernen) Natursehnsucht. Obwohl Waldsterben und Klimawandel die Wälder bedrohen, es hierzulande fast keinen natürlich gewachsenen Wald mehr gibt, bleibt er doch weiter als Zuflucht bestehen.

Emanuel Raabs Winterwald knüpft an diese Vorstellungen an, wird zur aktuellen Ausstellung in der Berliner Alfred-Ehrhardt-Stiftung mitgeteilt. Seine Bilder einer scheinbar undurchdringlichen Natur wirken entrückt und voller Geheimnis. Eine melancholische Poesie überzieht die winterlichen Ansichten, in der der Keim des nächsten Erwachens unter der Oberfläche schlummert. Gleichzeitig scheint im Dickicht der Natur eine latente Bedrohung herauf. Darin kann man sich verirren, vielleicht verloren gehen. Nichts weist einen Weg.

Bei intensiverer Betrachtung der winterlichen Landschaft offenbart sich also ein überraschend detailreiches Formen- und Strukturgefüge, das sich dem Wesenhaften des Waldes nähert. Hinter der scheinbaren Unförmigkeit von des Dickichts entfaltet sich der Formenreichtum der Natur, die ihrer eigenen Gesetzmäßigkeit folgt. Der scheinbar “toten Natur” stellt Emanuel Raab die Vielfalt der organischen Erscheinungsformen gegenüber und entführt den Betrachter in eine verborgene Sphäre einer ihm vermeintlich bekannten Welt.

Emanuel Raab studierte in Darmstadt Fotografie und Film und ist seit 2001 Professor für Fotografie und Bildmedien an der FH Bielefeld. Er lebt und arbeitet in Wiesbaden. Der Winterwald (Affiliate-Link) ist auch als Bildband erschienen: Kehrer-Verlag Heidelberg, 2011. Auf Emanuel Raabs Website finden wir neben der Winterwald-Serie noch weitere Projekte.

Emanuel Raab – Winterwald
Bis 29. April
Alfred-Ehrhardt-Stiftung, Auguststraße 75, D-10117 Berlin
+49 (0)30-200953-33, info@alfred-ehrhardt-stiftung.de
Geöffnet Dienstag bis Sonntag 11 – 18 Uhr, Donnerstag 11 – 21 Uhr

Emanuel Raab
Alfred-Ehrhardt-Stiftung Berlin

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Es sind also nur zum Schein Fassadenausschnitte, die Carlo d’Orta da festhält. Wir können die Bilder aktuell bis Mitte Februar in Stuttgart sehen.

Carlo d‘Orta ist fasziniert von der Welt im Zerrspiegel moderner Architektur, wie die Ausstellungsmacher mitteilen. Das Gegenüber ist meist nicht sauber gespiegelt, sondern verfremdet, verzogen, verbogen.

Denn auch die Gläser moderner Bauten sind keineswegs perfekt planparallel, sondern den jeweiligen inneren Spannungen folgend gewölbt. Mal nach außen, mal nach innen, mal in Kombinationen davon. Dadurch entstehen grafische Verfremdungen des Abgebildeten – in Farbe und Form. Spiegelbilder ermöglichen im buchstäblichen “Augen-Blick” des Fotografen grafische Variationsmöglichkeiten wie sonst selten. Das Ergebnis ist also genau das, was der Fotograf sehen “wollte”.

Carlo d’Orta, Jahrgang 1955, ist als Fotograf Autodidakt. Er studierte Jura und gehört als Regierungsrat seit 1979 dem Abgeordnetenhaus in Rom an. Er hat dort unter anderem zum Beispiel das Nationale IT-Zentrum der öffentlichen Verwaltung geleitet. Seit 30 Jahren beschäftigt er sich nebenher mit der Fotografie, erhielt schon einige Preise und zeigte seine Arbeiten in vielen Ausstellungen. Wir finden die Spiegelungen und andere Arbeiten auch auf Carlo d’Ortas Website (in englischer und italienischer Sprache).

Carlo d’Orta – Spiegelungen
Bis 17. Februar
Fotogalerie f75, Filderstraße 75, D-70180 Stuttgart
+49 (0)172-71 78 77 6, info@f-75.de
Geöffnet Donnerstag und Freitag 15 – 19 uhr und jederzeit nach Anmeldung unter der genannten Telefonnummer

Carlo d’Orta
Fotogalerie f75

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Architekturfoto: M.C. Eschers Fotografien Abbildungen der Realität wirken bisweilen surrealer als kreative Verfremdungen. An solchen Motiven sollte man sich jedenfalls ausgiebig versuchen. (16. August 2011) Nachstadtaufnahme: Lichterzauber mit Spiegelung Nächtliche Stadtansichten bieten viele Möglichkeiten. Besonders reizvoll sind Ansichten mit Wasseranteilen und Spiegelung. (18. März 2011) Architektur: Gegensätze auf mehreren Ebenen Gebäude bieten als fotografische Motive mehr als viele Linien und Flächen für die Komposition. Sie bieten Spielraum für historische und ästhetische Kontraste. (27. Oktober 2010)

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Die Trilogie “Habitat” fasst die drei oben genannten Schauplätze zusammen – und wir können diese Bilder aktuell in einer Ausstellung im Kölner Forum für Fotografie sehen. In “Case Study Houses“ porträtiert Bialobrzeski die ärmlichen Behausungen des unmittelbar am Strand von Baseco, nahe dem Hafen Manilas zwischen zwei Containerterminals entstandenen Shantytown, so teilt das Forum für Fotografie mit.. Trotz der Ärmlichkeit dieser notdürftig aus Zivilisationsmüll und Strandgut zusammengeschusterten Hütten spricht aus diesen baulichen Improvisationen ein unbezwingbarer Gestaltungswille, der von der Unermüdlichkeit der Menschen zeugt, sich ein Zuhause zu schaffen und sich darin, so gut es eben geht, wohnlich einzurichten.

Die 2009 entstandene Serie “Informal Arrangements“ widmet sich den Innenräumen der Slumhütten von Kliptown. An diesem Ort beschloss 1955 der “Volkskongress“ die Freiheitscharta, die Demokratie, Gleichberechtigung und Menschenrechte forderte. Diese Charta der Anti-Apartheid-Bewegung gehört bis heute zu den politischen Basisdokumenten des ANC, dessen 100. Geburtstag im Januar eben gefeiert wurde. Bialobrzeskis Fotografien stellen fest, es habe sich zwar politisch etwas getan, ökonomisch jedoch nur sehr wenig.

In seiner neuesten Serie “Nail Houses“ zeigt Peter Bialobrzeski Aufnahmen von baufälligen Häusern in China, die zum Abriss freigegeben sind. Die Ruinen sind aber doch noch bewoht, sie weisen durch ein Licht im Fenster oder einen Lichtreflex unter der Tür darauf hin. Als “Nail Houses” bezeichnet man in China Häuser, deren Bewohner bis zuletzt den Abriss ihres Heims zu verhindern suchen.

Mit dem Erich-Salomon-Preis 2012 ehrt die Deutsche Gesellschaft für Photographie (DGPh) nach ihrem Bekunden einen der profiliertesten und engagiertesten deutschen Photographen, der seit fast 20 Jahren beharrlich die Welt mit der Kamera beschreibt und interpretiert. Zugleich gelte die Ehrung auch einem einflussreichen Photolehrer und Autor, der stets die theoretische Auseinandersetzung mit dem Medium Fotografie gesucht und auch hier wesentliche Akzente gesetzt habe. Gesellschaftliche Relevanz sei ihm genauso wichtig wie die ästhetische Verführung.

Auch wenn Menschen auf seinen Bildern nur selten zu sehen sind, so geht es doch immer um sie, so die DGPh in ihrer Würdigung: Um die Art, wie sie leben und wie sie die Welt verändern oder die Welt sie verändert. Dabei sieht sich der Fotograf eher als Archivar in einer Ära der ständigen Veränderung. Er ist daran interessiert, wie die Dinge von heute als Vergangenheit aussehen, will sich im wahrsten Sinne des Wortes selbst ein Bild machen, die Deutung jedoch dem Betrachter überlassen. Hier steht er in der Tradition eines Walker Evans, zu dem er Bezüge sieht oder Bernd und Hilla Becher, von denen er sich aber in seiner fotografischen Pracht und künstlerischen Absicht abgrenzt.

Peter Bialobrzeski, Jahrgang 1961, begann seine internationale Karriere Ende der 80er Jahre bei renommierten Magazinen wie Stern, Telegraph Magazine, ZeitMagazin und Geo. Er lebt in Hamburg und arbeitet rund um die Welt an seinen zahlreichen Projekten. Neben zahlreichen anderen Preisen erhielt Peter Bialobrzeski 2003 und 2010 den World-Press-Photo Award ausgezeichnet. Seit 2002 ist er Professor für Fotografie an der Hochschule für Künste Bremen. Auch seine Bücher wurden mehrfach preisgekrönt, so 2004 mit dem Deutschen Fotobuchpreis für “Neon Tigers“ und 2006 für “Heimat“. Wir können uns die Serien auch auf Peter Bialobrzeskis Website anschauen. Besonders schön ist auch der Bildband Lost in Transition (Affiliate-Link) (Hatje Cantz-Verlag, Ostfildern 2007). Sein aktuellstes Buch The Raw and the Cooked (Affiliate-Link)erscheint Ende Januar ebenfalls bei Hatje Cantz: Dort präsentiert er eine Essenz aus seinen Beobachtungen der asiatischen Megastädte und deren Slums.

Peter Bialobrzeski – Habitat
Bis 11. März
Forum für Fotografie, Schönhauser Straße 8, D-50968 Köln
+49 (0) 221-340 18 30, mail@forum-fotografie.info
Geöffnet Mittwoch bis Freitag 14 – 18 Uhr, Samstag 12 – 18, Sonntag 12 – 16 Uhr

Peter Bialobrzeski
Forum für Fotografie Köln
Deutsche Gesellschaft für Photographie

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Mario Giacomelli: Orte, Landschaften, Seelenzustände Mario Giacomellis Bilder entstanden im kleinen Radius seiner italienischen Heimat und gingen doch um die Welt. (31. Dezember 2011) Meeresbild: Menschen am Strand Mit ganz einfachen Mitteln können sehenswerte Fotos entstehen. Wenn die Perspektive und das Licht stimmt. (20. Dezember 2011) «İstanbulum»: Eine vorsichtige Annäherung Wer «İstanbulum» ansieht, braucht Zeit - genauso wie es Zeit braucht, um Istanbul, den Handlungsort dieses Bildbandes, zu entdecken. Zeit, die sich auszahlt. (12. Dezember 2011)

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Axel Pfennigschmidt fotografiert Fragmente von dem, was einmal auf Häuserwände geklebt, gemalt oder gesprayt wurde. Unter seinem Blick entstehen daraus abstrakte, malerische Bilder.

Axel Pfennigschmidt nimmt seine Bilder in Städten wie Marrakesch, Buenos Aires, Kapstadt, New York, Rom oder Berlin auf. Plakatreste und andere Hinterlassenschaften in verschiedenen Schichten werden im Spiel von Licht und Schatten zu Collagen.

Axel Pfennigschmidt ließ sich dabei von den Collagen der Kunstbewegung Nouveau Réalisme aus den Sechzigerjahren inspirieren. Die “Neuen Realisten” von damals setzten ihre Collagen aus abgerissenen Plakatstücken oder Zeitungsausrissen zusammen, und es ging ihnen um die “Trivialität” dieser Dinge. Pfennigschmidts Close-Ups sind dagegen real vorhanden (wenn nicht mehr, dann zumindest gewesen). Sein Prinzip ist nicht: „aus Alltäglichem Schönheit machen“. Sondern: „das Alltägliche” ist bereits “Schönheit“.

Bewusst bearbeitet Axel Pfennigschmidt die Bilder nicht digital. Alle Motive, Ausschnitte und Farben belässt er so, wie er sie vor Ort vorgefunden hat. Nur die Vergrößerung der Realität ist für ihn legitim: Damit will er die Aufmerksamkeit des Betrachters in die Ebene des zweiten Blicks auf diese Dinge führen. Die Serie heißt auch “The 2nd Glance”.

Seit seinem Studium arbeitet Axel Pfennigschmidt als Fotograf. Nach dem Diplom an der Universität der Künste in Berlin war er für mehrere Jahre für verschiedene Kommunikationsagenturen in Hamburg, Frankfurt, New York und London tätig. Seit 2006 ist er Mitglied des Kreativ-Netzwerks Pulk mit Sitz in Berlin. Wir finden die Bilder aus der Serie “The 2nd Glance” auf Axel Pfennigschmidts Website und aktuell in einer Ausstellung in der Villa Kennedy in Frankfurt/Main.

Axel Pfennigschmidt – The 2nd Glance
Bis 30. März
Villa Kennedy, Kennedyallee 70, D-60596 Frankfurt (Main)
+49 (0)69 717 120, Info.villakennedy@roccofortehotels.com

Axel Pfennigschmidt
Villa Kennedy – Rocco Forte Hotels

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Natur in Abstraktion: Einfach gespiegelt Für herausragende Fotos braucht man letztlich nur eines: ein gutes Auge. (3. Januar 2012) Amazonen: Lebenskraft pur Der Bildband «Amazonen - Das Brustkrebsprojekt von Uta Melle» (Kehrer Verlag) ist eine Wucht. Fotografisch, wie inhaltlich. Ein Buch, das schonungslos eine Seite des Lebens präsentiert, die oft genug verdrängt wird. (20. November 2011) Landschaftsfotografie: Bilder machen statt aufzunehmen Die Kamera sieht anders als das Auge: Das ist oft ein Vorteil der Fotografin, bisweilen aber auch ein fast unüberwindbares Hindernis. (4. Oktober 2011)

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Der Spanier Daniel Beltrá hat es fotografiert und darf den Titel “Wildlife Photographer 2011″ tragen. Auch Deutsche und Schweizer sind bei den Gewinnern der “Oscars” für die Naturfotografen.

Der Wettbewerb “Veolia Environnement Wildlife Photographer of the Year” wird alljährlich vom Londoner Natural History Museum und dem BBC Wildlife Magazine veranstaltet und gilt international als “State of the Art” in der Naturfotografie für Profis wie Amateure. 108 Fotos hat die Jury beim Wettbwerb 2011 als Gewinner der 17 verschiedenen Kategorien oder mit der Bezeichnung “highly recommended” – sehr empfohlen – ausgezeichnet.

Daniel Beltrá hatte eine Serie über die Ölverschmutzung am Golf von Mexiko eingereicht. Das Bild mit den acht ölverschmierten Pelikanen entstand in einer Station in Fort Jackson, Louisiana, wo gerettete Vögel gereinigt werden. Beltrá gewann als Profi in der Kategorie “Wildlife Photojournalist of the Year”.

Der Förster Klaus Echle aus Freiburg im Breisgau wurde für das Porträt einer Füchsin ausgezeichnet. Dazu gibt es folgende Beschreibung:

Die Füchse, die Klaus im Schwarzwald in der Nähe seiner Wohnung in Freiburg sieht, wahren gewöhnlich Distanz, obwohl sie nicht gejagt werden. Eines Tages begegnete er einer Füchsin, die in seiner Gegenwart erstaunlich gelassen schien. Allmählich lernten sie einander kennen. Klaus legte Wert darauf, an feuchten oder nebligen Tagen in diesen Teil des Waldes zu gehen. Er erklärt: “Das Licht ist dann so besonders. Manchmal habe ich die Füchsin wochenlang nicht gesehen. Doch wenn sich unsere Wege kreuzten, hat sie meine Gegenwart toleriert.” Mit der Zeit gestattete sie Klaus ihr zu folgen, oft für eine lange Zeit. Klaus sagt, dass er mit diesem Bild beabsichtigte, den Eindruck zu erzeugen, wie man sich im Wald fühlt, und zu zeigen.

Thomas P. Peschak (Deutschland und Südafrika) schoss das Bild “Window on new life” auf der südafrikanischen Malgas-Insel, wo bis ins 19. Jahrhundert Guano abgebaut wurde. Inzwischen haben die Wildtiere sich die Insel zurückerobert. Das Foto entstand an einem Fenster der alten Gebäude, in dem Tauben hausen – die Vögel bewohnen nun die menschlichen Relikte. Peschak wurde noch mit einem weiteren Bild ausgezeichnet: Lachse, die sich unterhalb eines Wasserfalls zum Sprung sammeln. Thomas Peschak klemmte sich unter dem schnell fließenden Wasser in einer Felsspalte fest und hing dort mehr als zwei Stunden, während er auf den Moment wartete, in dem sich genug Lachse angesammelt hatten, um das Bild auszufüllen.

Sandra Bartocha aus Potsdam gewann in der Kategorie “Pflanzen und Pilze” mit ihrem Bild “Vorboten des Frühlings”. Die Schneeglöckchen fotografierte sie am Tollensesee in Mecklenburg. Sie sagt: “Das ist meine Lieblingszeit, wenn die ersten Schneeglöckchen erscheinen. Wenn ich sie sehe, schmeckt die Luft plötzlich frischer und die Sonne fühlt sich ein wenig wärmer an.” Auch für ihr Bild einer Orchidee – des “Zungenstendels” mit “Hasenschwanzgras” verwendete sie eine “In-Camera-Double Exposure”-Funktion, um die Sanftheit des Motivs zu erhalten. Die Scharfeinstellung nimmt sie auf die beiden verschiedenen Schichten innerhalb des Bildes vor. Die Kamerasysten ist eine Nikon D 700 und ein ziemlich ungewöhnliches Objektiv: ein Meier Görlitz Trioplan 100mm. Ihr findet übrigens die technischen Daten aller Bilder in den jeweiligen Bildlegenden der Großansichten.

Die Schweizerin Alessandra Meniconzi wurde für ihr Foto von einer Oase in der Wüste Gobi lobend hervorgehoben. Dazu wird geschrieben:

China ist die zweite Heimat von Alessandra. Seit Kindertagen bereist sie das Land und besucht dessen entlegenste und wildeste Teile, oft mit dem Fahrrad oder per Autostopp. Auf einem Trip durch das Innere der Mongolei reiste Alessandra auch in den Alxa Desert Geopark in der Wüste Gobi, wo es die weltweit höchsten Sanddünen gibt und mehr als 140 Seen aus unterirdischen Quellen und wo es ein Zentrum gibt zur Erforschung der Wüstenbildung. Als sie auf die höchste Düne kletterte, bot sich ihr eine atemberaubender Anblick der Oase. “So etwas hatte ich noch nie gesehen, tausende von kleinen windgeformten Dünen verschmolzen zu einer hohen und der See verdoppelte die Szene durch seine Reflexion. Ich fühlte mich verloren in einem riesigen Ozean aus Sand. Die einzigen Geräusche waren ein sanftes Pfeifen des Windes und der frühmorgendliche Gesang der Vögel. Ich fühlte mich wie neu geboren.

Unter den jungen Fotografen wurde Mateusz Piesiak aus Polen als Wildlife Photographer des Jahres 2011 ausgewählt. Er startete in der Altersgruppe elf bis 14 Jahre. Sein Foto der Austernfischer enstand am Strand von Long Islang, New York. Er betitelte es mit “Pester Power”, was mit “Quengelei” ungefähr übersetzt ist, und die folgende Geschichte gibt es dazu:

Mateusz hatte sich sich so in das Beobachten der quengelnden Vögel vertieft, dass er gar nicht merkte, wie die Flut zurückkam, bis eine große Welle über ihn hinwegschwappte. “Ich schaffte es gerade noch, die Kamera hochzuhalten. Ich war nass und es war kalt, aber ich hatte mein Bild.

Alle diese und noch viel mehr, teils wirklich wunderbare Bilder finden wir auf der Website des “Veolia Environnement Wildlife Photographer of the Year”. Die Ausstellung ist im Londoner Natural History Museum bis März zu sehen. Termine für Ausstellungen in den deutschsprachigen Ländern gibt es für das Jahr 2012 bisher leider keine, wären aber noch möglich. Aktuelles dazu gibt’s auf der Website. Die Publikation zum aktuellen Wettbewerb mit allen ausgezeichneten Bildern ist unter dem Titel Wildlife Photographer of the Year Portfolio 21 (Affiliate-Link) in englischer Sprache erschienen. Die Einsendefrist für den nächsten Wettbewerb 2012 ist seit Dezember geöffnet und endet am 23. Februar 2012.

Veolia Environnement Wildlife Photographer of the Year

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Grobe Körnung, Unschärfen, Über- und Unterbelichtung – Giacomellis Fotos verstoßen gegen gängige technische Standards. Er verbindet damit grafische Wirkung und realistische Darstellung – diese Seelenzustände, die er damit ausdrücken wollte.

Mario Giacomelli begann Anfang der Fünfzigerjahre zu fotografieren. Bereits 1964 verhalf ihm eine Ausstellung im Museum of Modern Art in New York zu internationaler Bekanntheit, wie die Ausstellungsmacher mitteilen. 1998 war er immerhin im Pariser Louvre zu sehen. Und das, obwohl seine Arbeiten in dem schmalen Radius in und rund um seine Heimat Senigallia in der Region Marken entstanden ist.

Über seine spezielle Methode der technischen Bildgestaltung sagte Mario Giacomelli:

“Das Unscharfe, das Lebhafte, die Körnung, das sich verschluckende Weiß, das geschlossene Schwarz – all dies ist wie eine Explosion der Gedanken und gibt ihnen ein dauerhaftes Bild. In der Fotografie treffen Harmonie des Materials und Realität aufeinander und dokumentieren in ihrer ewigen Wiederkehr das Drama des Lebens.“

Mario Giacomelli fasst seine Einzelbilder zu Bildserien zusammen, bestimmt immer wieder neu deren Abfolge und nimmt so Bezug auf das Medium der Erzählung. In Geschichten – so Giacomelli – lassen sich eher Ideen entwickeln als in Einzelbildern. Die Serie „lo non ho mani che mi accarezzino il viso“ – “Ich habe keine Hände, die mein Gesicht streicheln“ , entstanden zwischen 1961 und 1963, bildet tanzende, spielende, arbeitende und musizierende Priester ab. Allen Bildern gemein ist das Moment der körperlichen, ausgelassenen Bewegtheit. In der Wiederholung dieses Moments formt sich Giacomellis Idee eines Geistlichen als ganzheitliches Wesen. Die Priester auf seinen Bildern unterdrücken entgegen der vatikanischen Lehre eben nicht ihre Körperlichkeit und ihre Affekte.

Vor diesem religiösen Hintergrund sind auch die Serien „Verrà la morte e avrà i tuoi occhi“ – “Es wird der Tod kommen und er wird deine Augen haben“ (1955 bis 1956), “Vita d’ospizia” – Bilder aus dem Altenheim in Senigallia und “Lourdes” – Reisen der Hoffnung (1957 und 1966) zu verstehen, in denen Leiden, Krankheit, Aufopferung, Sterben und Vergehen in ihrer Körperlichkeit erfahrbar werden. In der Draufsicht und der Reduzierung auf reines Schwarz und Weiß werden die Figuren zu schwirrenden Flecken auf weißem, unbestimmten Grund. Giacomelli verbindet so auf seine einzigartige Weise eine abstrakt flächenhafte und grafische Inszenierung mit einer realistischen Darstellungsweise. Neben den genannten Serien sind in der Berliner Ausstellung Aufnahmen aus Scanno zu sehen, dem Dorf in den Abruzzen, das schon Cartier-Bresson faszinierte sowie perspektivisch ungewöhnliche Landschaftsaufnahmen. Mit “La buona terra” präsentiert die Schau einen Bildessay über das Leben der Landarbeiter.

Mario Giacomelli, sagte über seine Arbeit:

“Jedes Foto ist wie ein Bild von mir, der Boden hier (Anmerkung: in Senigallia) ist wie ein Spiegel, von dem ich reflektiert werde. Ich bin mit diesem Boden verbunden, ich möchte ihn bewahren, aber gleichzeitig möchte ich auch mich bewahren… Auf diesem Foto herrscht Trauer, denn die Trauer steckt in mir, in meinem Charakter.“

Mario Giacomelli lebte von 1925 bis 2000. Auf der offiziellen Website für Mario Giacomelli können wir uns die Bilder anschauen und erfahren etwas mehr, wenn wir die italienische Sprache lesen können. Das Willy-Brandt-Haus und das Italienische Kulturinstitut Berlin konnten jetzt hundert Originalfotografien von Mario Giacomelli aus der Zeit zwischen 1952 und 1980 ausleihen und zeigen sie aktuell in Berlin. Einen Bildband gibt’s bei Phaidon Press in englischer Sprache – Titel Mario Giacomelli (Affiliate-Link).

Fotografien von Mario Giacomelli – Orte, Landschaften, Seelenzustände
Bis 22. Januar 2012
Willy-Brandt-Haus, Stresemannstraße 28, D-10963 Berlin
+49 (0) 30-259 93 787, E-Mail: Kontaktformular

Mario Giacomelli – offizielle Website (italienisch)
Mario Giacomelli bei Wikipedia
Willy-Brandt-Haus Berlin

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Pellegrin will “Aufzeichnungen für unser kollektives Gedächtnis schaffen”, schrieb er einmal selbst. Wir sehen Rückblicke auf seine “Aufzeichnungen” der letzten zehn Jahre aktuell in München und Innsbruck.

Von der Welt, in der wir nicht leben, erfahren wir das meiste durch die Medien. Menschen riskieren ihr Leben, um für ihre Freiheit zu demonstrieren und an die Weltöffentlichkeit zu appellieren. Paolo Pellegrin sieht sich dabei in der Rolle und in der Verantwortung eines Zeugen. Er sucht den direkten Kontakt zu den Menschen im Elend, in Kriegsgebieten, in gefährlichen, unberechenbaren Situationen. Der gebürtige Römer zeigt Sympathie und Respekt für die vielen Namenlosen. In seinen Aufnahmen kommen die grausame Wirklichkeit und die fotografische Komposition zusammen zu drastischen, glaubwürdigen und teilnehmenden Bildern.

Paolo Pellegrin will seine Fotografien offen halten, wie er auf der Magnum-Website ausdrückt: “Unfertige Fotografie interessiert mich mehr, eine andeutendes Bild, das eine Diskussion oder einen Dialog auslösen kann. In geschlossene, fertige Bilder gibt es keinen Weg hinein.”

Bilder allein genügen jedoch noch nicht zum ganzen Verständnis seiner Aufzeichnungen der harten Wirklichkeiten. Deshalb ergänzt Paolo Pellegrin seine Bilder um “glaubwürdige”, schriftliche Erfahrungsberichte und Kommentare – in seinen vielen Büchern zum Beispiel oder auch als als Kolumnist im ZeitMagazin. Seine Reportagen erscheinen regelmäßig im New York Times Magazine und in der Newsweek.

Paolo Pellegrin, Jahrgang 1964, hat vor der Fotografie Architektur und Kunstgeschichte studiert. Bisher gewann er schon acht Mal beim World Press Photo Award und ist seit 2005 Mitglied der Fotoagentur Magnum. Dort auf der Website von Magnum finden wir das Portfolio von Pellegrin, auch einige Bücher. Wegen der strengen Copyright-Regeln von Magnum dürfen wir hier bei fokussiert.com nur zwei Fotos von ihm zeigen.

In der aktuellen Retrospektive bei der Bayrischen Versicherungskammer in München sind auch ganz aktuelle Arbeiten zu sehen, wie die zwölf Meter breite Foto-Installation über die Katastrophe von Fukushima oder die Demonstrationen auf dem Tahrirplatz in Kairo. Einen weiteren Überblick über Pellegrins Arbeit gibt es unter dem Titel “Dies Irae” – Tag des Zorns – im Fotokunst Stadtforum Innsbruck bis 14. Januar 2012. Das Buch Dies Irae (Affiliate-Link) erschien 2011 im Contrasto-Verlag.

Paolo Pellegrin - Retrospektive
Bis 20. Februar 2012
Kunstfoyer der Versicherungskammer Bayern, Maximilianstraße 53, D-80530 München
+49 (0) 89- 21 60-0, service@vkb.de
Geöffnet täglich 9 – 19 Uhr, an gesetzlichen Feiertagen geschlossen, Eintritt frei.

Paolo Pellegrin – Dies Irae
Bis 14. Januar
BTV Fotokunst Stadtforum Innsbruck, Stadtforum 1, A-6020 Innsbruck
+43 (0)50 53331417, info@btv-fokus.at
Geöffnet Montag bis Freitag 11 – 18 Uhr, Samstag 11 – 15 Uhr

Pellegrin bei Magnum
Ausstellungen der Versicherungskammer Bayern
BTV Fotokunst Stadtforum Innsbruck

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Paolo Pellegrin: Der Zeuge des Leidens Als Zeuge des Leidens und manchmal des Todes anderer empfindet sich Paolo Pellegrin. Der Magnum-Fotograf stellt in Mannheim aus. (30. September 2008) Thomas Hoepker:Sein Lebenswerk Thomas Hoepkers Lebenswerk gibt es vom 14. Juni an den ganzen Sommer über in Oberhausen zu sehen: Fotografien aus fünf Jahrzehnten. (14. Juni 2008) Paolo Woods/Serge Michel: Der wirkliche Iran Wie leben die Menschen im Iran wirklich - ungeachtet aller Vorurteile? Das wollten Paolo Woods und Serge Michel mit ihrer Arbeit "Land des Lachens - Land der Tränen" herausfinden. (7. Dezember 2011)

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Weinberger fotografiert denselben Ort zweimal – bei Tag und bei Nacht. Das Übereinanderblenden beider Aufnahmen ergibt diese malerische Verschmelzung, die ihrem Wesen nach immer noch Fotografien sind.

Beim Betrachter ergibt sich jedoch eine Desorientierung: Ist es Tag oder Nacht? Ähnlich wie bei René Magritte bekommen die Bilder eine surreale Wirkung. Thomas Weinberger sagt dazu:

Wo Fotografie ihrem Wesen nach nach “Wahrheit” und “Realität” zu streben scheint, wollte ich eine Verdichtung von Zeit und Licht. Also Dichtung statt Wahrheit. So führe ich den Anspruch der Abbildung von “Realität” ad absurdum, der zumindest teilweise und in Abgrenzung zur Malerei, von der Fotografie gefordert, oder besser gesagt ihr unterstellt wird.

Einer der Kernaspekte der Fotografie – das Festhalten eines Augenblicks – entfällt in Weinbergers Arbeiten jedoch komplett. Über seine Arbeit sagte er in einem Interview:

Der Ursprung meiner Synthesen-Serie war zwar durch die Reflexion über das Medium Fotografie an sich geprägt, aber ich hätte sicher nicht daran weitergearbeitet, wenn das Ergebnis meines Spiels mit Licht und Zeit mich nicht emotional bewegt hätte. Ich finde die Lichtstimmung in meinen Arbeiten ähnelt einem schwülen Sommertag, an dem ein Gewitter aufzieht: Die Gewitterwolken verdunkeln den Himmel, und trotz des Tageslichts schalten die Sensoren die Straßenlaternen an. Ich erlebe in solchen Momenten ein befreiendes Gefühl der Desorientierung und gleichzeitig der Vorfreude auf ein Schauspiel zerstörerischer Naturkräfte, die den aufgeheizten Sommertag kühlen und klären. Für mich ein surreales Bild von großer Schönheit.

Und über sein Lebensgefühl, das sich darin ausdrückt:

In gewisser Weise entspricht diese Stimmung auch meinem generellen Lebensgefühl der letzten Jahre. Die auf den Finanzmärkten – gerade wieder in diesen Tagen – heraufziehenden Gewitterwolken drohen den Konsens unserer Gesellschaft zu beschädigen. Es ist Zahltag, aber die Staaaten haben das Geld für die Party der letzten Jahre ausgegeben. Die westlichen Industrienationen stecken in einer systemischen Krise, aber Politiker mit nationalem Mandat haben keine Lösungen für globale Probleme. Ich möchte allerdings nicht als Weltuntergangsprophet missverstanden werden, sondern hoffe, dass dieses bevorstehende Gewitter eine abkühlende und klärende Wirkung haben wird für eine Gesellschaft, die ich in vieler Hinsicht als “aufgeheizt” empfinde.

Thomas Weinberger, Jahrgang 1964, ist von seiner Ausbildung her Architekt, lebt und arbeitet in München. Die Bilder sind unter dem Titel “Licht und Zeit” aktuell in Berlin ausgestellt. Wir finden sie und andere Arbeiten auch auf Thomas Weinbergers Website.

Thomas Weinberger: Von Licht und Zeit
Bis 31. Dezember
Galerie Martin Mertens, Brunnenstraße 185, D-10119 Berlin
+49 (0) 30-44043350, info@martinmertens.com
Geöffnet Dienstag bis Samstag 13 – 18 Uhr und nach Vereinbarung (von 21. bis 26. Dezember geschlossen)

Thomas Weinberger
Galerie Martin Mertens

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Elliott Erwitt: Großmeister zum Anfassen Die Galerie Stephen Hoffmann in München zeigt zum 80. Geburtstag des Magnum-Fotografen Elliott Erwitt eine Auswahl seiner Werke. (19. November 2008) Weitwinkel: Der schiefe Turm zu München Weitwinkelaufnahmen hoch aufragender Objekte verlangen einen bewussten Umgang mit der Verzerrung. Stürzende Linien können genutzt, aber nicht in Kauf genommen werden. (19. Dezember 2011) Naturfotografie: Blumen mit Wasserkraft Es scheint paradox: Blumen zu fotografieren sollte sehr einfach sein. Aber gelungene Blumenbilder sind eine Herausforderung. Hier wurde die Blume in einem Zustand fotografiert, den nicht jeder Fotograf sofort nachmachen kann. (26. Oktober 2011)

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In 45 Einzelporträts haben der Fotograf Woods und der Journalist Michel ein Puzzle dieser Kulturnation mit dem Image eines “Schurkenstaates” geschaffen. Ihr Buch vereint Bilder und Interviews. Die Fotos sind aktuell in Köln ausgestellt.

“Walk on my Eyes” hat Paolo Woods seine Porträtserie mit englischem Titel genannt:.

“Wandle auf meinen Augen“ – das ist eine der vielen blumigen Redensarten, mit denen die Iraner ihrem Gegenüber Ehrerbietung und Respekt ausdrücken; er ist eine Floskel, die “Höflichkeit und Heuchelei in den Rang eines Kunstwerks erhebt“,

sagt der Schweizer Journalist Serge Michel darüber.

Als Mahmoud Ahmadinejad 2005 zum iranischen Staatspräsidenten gewählt wurde, begannen Woods und Michel ihr Buchprojekt, für das sie der Verbindung zwischen Glück und Islam im Iran nachspürten, so wird dazu mitgeteilt. Es entstand ein fotografisches und sprachliches Porträt von Iranerinnen und Iranern. Es zeigt reiche Händler, junge Rebellen, mächtige Mullahs, Popstars und Prostituierte – ein ganzes Puzzle des modernen Iran.

Die Fotografien und Texte geben einen Einblick in eine Gesellschaft, die sich weit differenzierter und humaner zeigt, als die stereotypen Bilder über das Land zu sagen scheinen. Paolo Woods und Serge Michel befragten die Menschen über ihren Alltag, das Glück und andere Befindlichkeiten und zeigen, dass es trotz sozialer Diskriminierungen und politischer Repression ein ganz normales, also auch glückliches Leben im Iran gibt. Und das unterscheidet sich nicht so sehr von dem in anderen Ländern. Glück bedeutet für die Iraner vor allem Familie und die Freiheiten, die sie sich im Privaten erlauben.

Paolo Woods und Serge Michel blickten mitten in einer politisch turbulenten Zeit – die Entstehung der “Grünen Opposition”, der “Wiederwahl“ Ahmadinejads – bewusst auf das Unspektakuläre und Alltägliche. Sie grenzen sich damit ab von einem Fotojournalismus, der sich in erster Linie für die Darstellungs des Leids, von Gewalt und Unterdrückung interessiert.

Ihr Werk macht deutlich, dass die “schlechten Nachrichten” nur ein Ausschnitt der komplizierten Realität sind, nur ein Aspekt des Lebens neben vielen anderen, ohne die das Bild vom Iran einseitig, schief oder falsch ist. Die klare Sprache von Paolo Woods lädt den Betrachter ein, zu verweilen und Details zu entdecken. Diese erlauben einen kaum bekannten Blick in die iranische Gesellschaft.

Paolo Woods, 1970 in Amsterdam geboren, ist als Sohn einer holländischen Mutter und eines kanadischen Vaters in Italien aufgewachsen. Heute lebt und arbeitet er auf Haiti. Ende der Neunzigerjahre lernte er den Magnum-Fotografen Paolo Pellegrin kennen und begleitete diesen in den Kosovo. Von dort aus reiste Woods nach Albanien und andere Länder für eine erste Fotoreportage (“Un Monde de Brut“). Seither konzentriert Woods seine Arbeit auf Langzeit-Projekte wie “Chinafrica“ oder “American Chaos“. Die realisiert er stets zusammen mit dem Schweizer Journalisten Serge Michel. Wir können uns die Bilder auf Paolo Woods Website anschauen. Der deutschsprachige Bildband Land des Lachens – Land der Tränen (Affiliate-Link)ist 2011 im Riemann-Verlag erschienen.

Paolo Woods – Walk on my Eyes
Bis 18. Dezember
Forum für Fotografie, Schönhauser Straße 8, D-50968 Köln
mail@forum-fotografie.info, +49 (0) 221-340 18 30
Geöffnet Mittwoch bis Freitag 14 – 18 Uhr, Samstag 12 – 18 Uhr, Sonntag 12 – 16 Uhr

Paolo Woods
Forum für Fotografie Köln

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Zu den prämierten Klassikern zählen Ausgaben von Lyonel Feininger oder W. Eugene Smith, bei den Zeitgenossen sind es Michael Wolf oder Wolfgang Tillmans. “Fine Art Printing für Fotografen” ist eines der ausgezeichneten Sachbücher, “Eyes on Paris” ein weiteres.

Die 23 nach Meinung der Jury besten Fotobücher erhielten Prädikate in Gold und Silber. Hinzu kommen 179 weitere Titel, die mit dem Prädikat “Nominiert 2012“ versehen wurden. Die Siegertitel und eine Auswahl aus den nominierten Büchern werden gerade bei den Stuttgarter Buchwochen bis zum 11. Dezember ausgestellt. Im nächsten Jahr wandert diese Ausstellung durch ganz Deutschland und ins Ausland. Orte und Termine finden sich auf der Website des Deutschen Fotobuchpreises.

Drei Kategorien hat der Wettbewerb: erstens Fotobildbände, zweitens Fotogeschichte/Fototheorie und drittens Fotolehrbücher. Herausragende fotografische Qualität, ein überzeugender ästhetischer Gesamteindruck und eine hervorragende fototechnische oder fotogeschichtliche Leistung, das sind die Kriterien der Jury. Die Jury in diesem Jahr: Lutz Fischmann (Freelens, Verband der Fotojournalistinnen und Fotojournalisten e.V., Hamburg), Karin Girlatschek (Gestalterin, Ahrensburg), Werner Götze (Lindemanns Fotobuchhandlung, Stuttgart), Ralf Hanselle (Journalist, Schwerpunkt Fotografie, Berlin), Claudio Hils (Prof. für Fotografie und Design; FH Vorarlberg, Österreich), Andreas Langen (Fotograf, Stuttgart), Ulrich Lobstädt (Imageservice Werbeagentur, Stuttgart), Bettina Michel (raum für fotografie, Stuttgart), Thomas Seelig (Fotomuseum Winterthur), Norbert Waning (BFF Bund Freischaffender Foto-Designer, Stuttgart). Ausgerichtet wird der Wettbewerb vom Börsenverein des Deutschen Buchhandels, Landesverband Baden-Württemberg.

Hier dokumentieren wir die Liste mit den Siegertitel, einige davon mit der Begründung der Jury. Das eine oder andere Buch werden wir hier bei fokussiert.com noch genauer vorstellen.

Kategorie Bildbände – Auszeichnung in Gold

Hatte Cantz-Verlag:

Aus der Begründung der Jury:

Dieses eher unscheinbare Buch fiel der Jury genau deswegen auf: einen ganz Großen der Moderne – Lyonel Feininger eben – dermaßen zurückhaltend zu präsentieren, in einem Buchformat noch kleiner als ein DIN- A-4-Blatt, das weckte unser Interesse. Und tatsächlich handelt es sich um einen kleinen, aber funkelnden Schatz der Kunstgeschichte. Es handelt sich um die erste Publikation der Fotografien von Lyonel Feininger, und sie erschließt dieses unbekannte Terrain in vorbildlicher Weise. Die Texte sind verständlich, das Layout klar, der Druck exzellent und das auffallend kleine Format nicht aus der Luft gegriffen, sondern gut begründet.

Andreas Gefeller. The Japan Series (Affiliate-Link)
Bildautor und Gestaltung: Andreas Gefeller, Textautor(en): Celina Lunsford, Christoph Schaden, ISBN: 9783775729949, 39,80 €

Sight-_Seeing: Bildwürdigkeit und Sehenswürdigkeit – “In Tirol” oder “Entscheidungen zum Bild der touristischen Landschaft” (Affiliate-Link)
Bildautor(en): Michael Danner, Dominik Gigler, Monika Höfler, Verena Kathrin, Jörg Koopmann, Andrew Phelps, Matthias Ziegler, Textautor(en): Gero Günther, Walter Klier, Wolfgang Scheppe, Gestaltung: Wolfgang Scheppe, ISBN: 9783775730181, 35,00 €

Verlag Hermann Schmidt:

Anleitung zum Ausbrechen, Art Helps! Kreativtraining mit Favelakindern (Affiliate-Link)
Bild, Text, Gestaltung: Thomas Lupo, ISBN: 9783874398145, 49,80 €

Steidl-Verlag:

The Ruins of Detroit
Bildautor(en): Yves Marchand, Romain Meffre, Textautor(en): Robert Polidori, Thomas J. Sugrue, Gestaltung: Yves Marchand, Romain Meffre, Sarah Winter, Jonas Wettre, ISBN: 9783869300429, 88,00 €, derzeit nicht verfügbar.

Kategorie Bildbände – Auszeichnung in Silber

Hatte Cantz-Verlag:

Wolfgang Tillmans. Abstract Pictures (Affiliate-Link)
Bilder, Text: Wolfgang Tillmans, Gestaltung: Wolfgang Tillmans, Karl Kolbitz, ISBN: 9783775727433, 49,80 €

Kehrer-Verlag:

Alles in Ordnung (Affiliate-Link)
Bildautor(en): Andreas Meichsner, Textautor(en): Ann-Christin Bertrand, Rolf Nobel, Gestaltung: NODE Berlin Oslo, ISBN: 9783868282429, 36,00 €

Aus der Begründung der Jury:

Andreas Meichnsers farbige, luftige Bilder nehmen uns mit in den Urlaub, nach Spanien, Portugal, die Türkei, Ägypten, Österreich und die Niederlande. Das vermeintliche Paradies “Arkadia“, irgendwo hinterm Deich in den Niederlanden, ist nicht so schrill wie die Costa Iberica, nicht so ‘schenkelklopferisch’ wie die Vergnügungen im Cluburlaub, nicht so exotisch wie der Skifahrer auf einer Düne in Fuerteventura. Nein, in Arkadia ist alles genau so, wie es der Titel verspricht: in Ordnung, normal, sortiert, proper, aufgeräumt. Und genau deshalb ist manches auf diesen Bildern schier unvorstellbar.

Stellar Landscapes (Affiliate-Link)
Bildautor(en): Thomas Ruff, Textautor(en): Melanie Bono, Thomas Palzer, Gestaltung: Kehret Design, ISBN: 9783868282610, 36,00 €

W. Eugene Smith – Realer als die Realität (Affiliate-Link)
Bildautor(en): W. Eugene Smith, Textautor(en): W. Eugene Smith, Britt Salvesen, Erica Viganò, Gestaltung: Chema Conesa, ISBN: 9783868282559, 39,80 €

Kerber-Verlag:

Roger Ballen – Fotografien 1969-2009 (Affiliate-Link)
Textautor(en): Ulrich Pohlmann, Angela Strecken, Gestaltung: Andreas Koch, Bielefeld, ISBN: 9783866784277, 44,80 €

Peperoni Books:

A Series of Unfortunate Events
Bildautor(en): Michael Wolf, Textautor(en): Marc Feustel, Steven Harris, Gestaltung: Hannes Wanderer, ISBN: 9783941825109, 24,00 €

Begründung der Jury

Colossal Youth
Bildautor(en): Andreas Weinand, Gestaltung: Hannes Wanderer, ISBN: 9783941825291, 25,00 €

Verlag Scheidegger & Spiess:

Sites & Signs – Fotografien von Georg Aerni
Bildautor(en): Georg Aerni, Textautor(en): Stephan Berg, Moritz Küng, Nadine Olonetzky, Gestaltung: electrosmog Zürich, ISBN: 9783858813206, 95,00 €

Steidl-Verlag:

Makulatur (Affiliate-Link)
Bildautor(en): Paulo Nozolino, Gestaltung: Paulo Nozolino, Sarah Winter, ISBN: 9783869303277, 24,00 €

Aus der Begründung der Jury für die drei Bücher Eyes on Paris, Schweizer Fotobücher und Deutschland im Fotobuch:

Alle drei Bücher umfassen in etwa das gesamte zwanzigste Jahrhundert bis zur neuesten Vergangenheit und haben jeweils 500 – 600 Seiten und noch deutlich mehr Abbildungen. Konzeptionell gibt es Unterschiede: Im Deutschland-Buch ist die Materialmenge nach inhaltlichen Kapiteln wie z.B. “Menschen, Arbeit, Zeitgeschehen” etc. geordnet; die Paris-Bücher sind eher chronologisch geordnet, und im Schweizer Band werden siebzig Bildbände analysiert, die zwar von Schweizern stammen, aber Themen in aller Welt behandeln. Wichtiger als die Unterscheide erscheinen der Jury aber die Gemeinsamkeit der drei Projekte: Bücher über Bücher. Die Hochgebildeten nennen dergleichen “selbstreferenziell”, weniger vornehm: Nabelschau. Doch egal, wie man es bewertet: das Phänomen ist bemerkenswert.

Kategorie Fotogeschichte/Fototheorie – Auszeichnung in Gold

Hatje Cantz-Verlag:

Aus anderer Sicht – Die frühe Berliner Mauer (Affiliate-Link)
Autoren: Annett Gröschner, Arwed Mesmer, Gestaltung: Carsten Eisfeld, ISBN: 9783775732079, 49,80 €.

Siehe dazu den Beitrag bei fokussiert.com: Die frühe Berliner Mauer.

Hirmer-Verlag:

Eyes on Paris – Paris im Fotobuch 1890 bis heute (Affiliate-Link)

Textautor(en): Hans-Christian Adam, Hans-Michael Koetzle, Christoph Schaden, Thomas Wiegand, Gestaltung: Detlev Pusch, Berlin, ISBN: 9783777441313, 49,90 €

Lars Müller Publishers / Fotostiftung Schweiz:

Schweizer Fotobücher 1927 bis heute – Eine andere Geschichte der Fotografie (Affiliate-Link)
Textautor(en): Martin Gasser, Sabine Münzenmaier, Peter Pfrunder, Gestaltung: Integral Lars Müller, ISBN: 9783037782606, 75,00 €

Steidl-Verlag:

Deutschland im Fotobuch, 287 Fotobücher zum Thema Deutschland aus der Zeit von 1915 bis 2009 (Affiliate-Link)
Bild und Text: Thomas Wiegand, Gestaltung: Manfred Heiting, Jonas Wettre, Ger Hudepol, ISBN: 9783869302492, 88,00 €

Kategorie Fotogeschichte/Fototheorie – Auszeichnung in Silber

Jonas-Verlag für Kunst und Literatur:

Karl May und die Fotografie – Vier Annäherungen (Affiliate-Link)
Textautor(en): Rolf H. Krauss, Gestaltung: Simone Tavenrath, ISBN: 9783894454562, 20,00 €

Aus der Begründung der Jury:

Dass Winnetou ein edler Wilder ist, dürfte allgemein bekannt sein, dass er nach dem
Willen seines Schöpfers Karl May aber eine wahrhaftige Himmelfahrt angetreten hat, und zwar durch fotografische Mittel, das gehört zu den Überraschungen, mit denen dieses Buch aufwartet. Der Stuttgarter Kunsthistoriker Rolf H. Krauss befasst sich seit langem mit den Wechselwirkungen von Fotografie und Literatur, und im Fall von Karl May sind diese Beziehungen besonders vielschichtig und interessant.

Steidl-Verlag:

The Protest Box (Affiliate-Link)
Bildautor(en): Diverse, Textauror(en): Gerry Bader, Gestaltung: Martin Parr, ISBN: 9783869301426, 380,00 €

Kategorie Fotolehrbücher – Auszeichnung in Gold

BFF Bund Freischaffender Fotodesigner:

BFF Handbuch Verträge
Textautor(en): Wolfgang Maßen, Gestaltung: Regelindis Westphal Grafik-Design, Berlin, ISBN: 9783933989451, 78,00 €

Kategorie Fotolehrbücher – Auszeichnung in Silber

dpunkt-Verlag:

Wie Bilder wirken – 52 große Fotografien und was sie einzigartig macht (Affiliate-Link)
Bildautor(en): Diverse, Text: Georg Barr, Gestaltung: Petra Strauch, ISBN: 9783898647458, 39,90 €

Aus der Begründung der Jury:

Eine Plauderei über Bilder, zusammengestellt von dem leidenschaftlichen Amateurfotografen und Autodidakten George Barr … 52 Beispiele hat er ausgesucht und kommentiert, meist von eher unbekannten Kollegen. Das Spektrum der Stile und Motive ist breit: Porträt und Landschaft, Akt und Still-Life, Montage, Dokument, mal romantisch verklärt, dann wieder nüchtern und präzise. Barr gibt engagierten Amateuren anregende Beispiele, in einem klar strukturierten und gestalteten Buch. Klar ist auch seine Sprache, in der niemals akademische Überfrachtung droht.

Fine Art Printing für Fotografen – Hochwertige Fotodrucke mit Inkjet-Druckern (Affiliate-Link)
Bild und Text: Jürgen Gulbins, Uwe Steinmüller, Gestaltung: Jürgen Gulbins, ISBN: 9783898647427, 44,90 €

Deutscher Fotobuchpreis
Stuttgarter Buchwochen

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Die Jury hat diese Sieben aus 95 Einsendungen von 36 Institutionen ausgewählt, alles Hochschulen für Fotografie oder Kunstakademien. Die Auswahl will eine Zusammenschau dessen zeigen, was im letzten Jahr an junger Fotografie entstanden ist.

Sebastian Lang (HBK Braunschweig) beleuchtet in seiner seriellen Arbeit “Behaviour Scan” in dem von der Gesellschaft für Konsumforschung (GfK) als bundesdeutsche Norm eingestuften Dorf Haßloch in der Pfalz den vermeintlichen deutschen Durchschnitt.

Er offenbart dabei, wie Büro von Gute Aussichten mitteilt, verblüffende Details, die den gehegten Wunsch nach dem repräsentativen – und somit berechenbaren – Querschnitt der Gesellschaft ab absurdum und uns in eine fast gespenstische Realität führen.

Christian Karl Gerhartsreiter führte 30 Jahre lang u.a. als Clark Rockefeller in den USA ein Leben als Hochstapler, bis er im Jahr 2008 vom FBI entlarvt wurde.

Sara-Lena Maierhofer (FH Bielefeld) folgt in ihrem Zyklus “Dear Clark” seinen Spuren und erzählt in 66 Bildern und einem Objekt die Geschichte seines Lebens. Zugleich wagt sie eine phänomenologische Betrachtung der Gestalt des Hochstaplers, die zu kleinen Teilen in jedem von uns schlummert.

Kurzerhand durchschnitten hat Johannes Post (HfbK Hamburg) in “Inform”, was er und wir so am Leib tragen: Unsere Kleidung – die Uniform. 36 Bild-Querschnitte angeordnet in zwei großformatigen Tableaus mit je 18 Abbildungen zeigen unsere “zweite Haut”, wie wir sie noch nie gesehen haben – fotografisch-surreale, modische Schnittmuster einer ganz und gar neuen Art.

Den beiden großen zerstörerischen Einschnitten der Stadt Dresden – der Luftangriffe durch die Alliierten im Februar 1945 und der Jahrhundertflut vom August 2002 – ist Luise Schröder (HGB Leipzig) in “Arbeit am Mythos” auf den Grund gegangen. Künstlerische Antworten auf die Fragen, wie die Wahrnehmung von Geschichte entsteht, wie Erinnerungen konserviert werden und wo die Schnittstellen von Wahrheit und Mythos liegen könnten, erarbeitete Luise Schröder sich in sieben Archiv-Prints, einem Video und einer Zeitung.

Ganz dem Zufall verschrieb sich Miriam Schwedt (Kunstakademie Düsseldorf) in ihrer fünfteiligen, aus 20 Einzelmotiven bestehenden Arbeit ohne Titel. Die Schnittmenge ist dabei nicht nur die Verfremdung der Wirklichkeit, sondern auch jene Bildpoesie, die aus dem Herstellungsverfahren herrührt.

Um Abschnitte, Zuschnitte und irgendwann den Aufschnitt ganz anderer Art geht es Julia Unkel (FH Dortmund) in ihrer Arbeit “Im Angesicht”. Sie hat Schlachthöfe und Schlachtereien besucht und dokumentiert auf beinahe erschreckend klinisch-saubere Weise in elf Fotografien und einem Buch das blutige Geschäft der Fleischindustrie ohne jeglichen sichtbaren eigenen Kommentar.

Auf die Suche nach Schnittflächen bzw. Flächenschnitten hat sich Franziska Zacharias (HGB LEIPZIG) in ihrer Serie “Le Noire Familier” begeben. Mit Hilfe eines selbst gebauten Modells und der Fotografie erschafft sie fünf großformatige Bildräume, die sowohl als Räume wie auch als abstrakte Bilder gelesen werden können.

Die Initiatorin von “Gute Aussichten”, Josefine Raab, sagt über die diesjährige Auswahl aus der jungen deutschen Fotografie:

“In der wie immer mit Spannung erwarteten Sitzung konnten wir beobachten, dass sich die bereits im letzten Jahr hervorgetretene Tendenz, das Medium Fotografie ebenso experimentell wie spielerisch und ungezwungen einzusetzen, in diesem Jahr fortgesetzt hat. Das fotografische Erbe der Bild prägenden Schulen führt bei den Nachwuchsfotografen zu einer phantasievollen Erkundung und Erweiterung ihres Instrumentariums. Die Konstruktion von Bildern bleibt nach wie vor ein großes Thema, wobei die totale Inszenierung von Bildwelten mit den unterschiedlichsten Mitteln in den Vordergrund gerückt ist. Weiterhin virulent ist die Auseinandersetzung mit politischen, gesellschaftlichen, sozialen und kulturellen Themen unserer Zeit und hat – zumindest vorläufig – die narrative Selbstbestimmungs- und Selbstverortungsthematik in den Hintergrund gedrängt.

Bei “Gute Aussichten” gibt es keine Siegertreppchen, kein Preisgeld, keine Rangliste, sondern einfach “nur” Gewinnerinnen und Gewinner. Die Ausstellung mit deren Arbeiten tourt jetzt durch ganz Deutschland und auch ins Ausland.

Den Auftakt macht das Museum für Fotografie in Berlin, wo die Bilder bis 29. Januar 2012 zu sehen sein werden. Danach geht’s unter anderem nach Washington DC, nach Innsbruck, nach Hamburg, Straßburg oder Köln. Alle Infos dazu und Bilder der Preisträger finden sich auf der Website von “Gute Aussichten”.

Gute Aussichten
Museum für Fotografie Berlin

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100’000 Aufnahmen hat Vivian Maier hinterlassen, teils noch nicht einmal entwickelt. Entdeckt wurden sie in vielen Kisten – bei einer Zwangsversteigerung.

Über Jahrzehnte fotografierte die Amerikanerin Vivian Maier bei ihren Spaziergängen durch die Straßen Chicagos und New Yorks Porträts und Stadtlandschaften. John Maloof heißt der junge Immobilienmakler und New Yorker Hobby-Stadthistoriker, der bei der Zwangsversteigerung die Kisten erworben hatte und die Entdeckung machte. Jetzt leitet er das Vivian Maier-Archiv.

Maiers Fotografien zeigen eindringlich das urbane Lebens in den USA der Fünfziger- und Sechzigerjahre, so sollte John Maloof nach und nach feststellen. Die 48 aktuell im Münchner Amerikahaus präsentierten Aufnahmen zeigen Vielfältigkeit und Talent der Amateurfotografin. Als unangepasste Frau, so die Mitteilung des Amerikahauses, die sich mit breitkrempigen Herrenhut durch die Stadt bewegte, gelang es Maier, kleine und große Ereignisse, stille Momente und Szenerien festzuhalten. Neben der Lebhaftigkeit der Stadt zeigt sich in den Fotografien Maiers großes Mitfühlen mit den Menschen. Selbst ein sehr zurückgezogener, eigenwilliger Mensch, porträtiert sie häufig Menschen, die am Rande der Gesellschaft leben. Die Brüche und Widersprüche urbanen Zusammenlebens, die sich in Maiers Arbeiten finden, haben zu einem neuen Interesse für die Straßenfotografie beigetragen.

Vivian Maier wurde 1926 geboren, vermutlich in New York, und sie verbrachte einige Jahre in Frankreich, dem Ursprungsland ihrer Familie. In den Fünfzigern zog sie nach New York und zog dort mit ihrer Kamera, die sie erst zwei Jahre zuvor entdeckt hatte, durch die Straßen. Einige Jahre später siedelte sie nach Chicago um, wo sie fast 40 Jahre als Kindermädchen arbeitete und später verarmte. Sie starb 2009. Auf der Website für Vivian Maier finden wir ihre Bilder und viele weitere Informationen über sie.

John Maloof war auf der Suche nach alten Fotografien von Chicago, als er 2007 auf einer Auktion die Kisten mit Negativen und Filmrollen erwarb, die aus einem Lager zwangsgeräumt wurden. Welch einen Schatz er geborgen hatte, realisierte er erst nach und nach. Jetzt hat er das Buch Vivian Maier: Die Straßenphotographin (Affiliate-Link) herausgebracht, das im September 2011 bei Schirmer/Mosel in München erschienen ist.

Vivian Maier: A Life uncovered
Bis 9. Dezember
Amerikahaus München, Karolinenplatz 3, D-80333 München
+49 (0)89-55 25 37-0, info@amerikahaus.de
Geöffnet Montag bis Freitag 12 – 17 Uhr; Mittwoch 12 – 20 Uhr, Eintritt frei

Vivian Maier
Amerikahaus München

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Joachim Schmid: Die Fotos anderer Leute Joachim Schmid nimmt sich aus der unendlichen Bilderflut die Fotos anderer Leute und setzt sie neu zusammen. So entstehen Muster und Zusammenhänge. (5. November 2011) Kinderporträt in Schwarzweiß: Den besonderen Augenblick abwarten Warten lohnt sich, insbesondere bei vielfotografierten Motiven. Dann bekommt man oft ein Motiv geboten, das sich von Gewöhnlichen, das man schon hundertmal so gesehen hat, abhebt. (23. September 2011) Architektur: Licht und Bauten Altstädte sind für Fotografen ein bisschen wie Wald: In allen Lichtsituationen schwierig zu fotografieren. Umso mehr fallen gute Fotos auf. (3. August 2011)

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“Other People’s Photographs” sind Amateurbilder aus verschiedensten Bereichen unseres Netzlebens. Gesammelt und geordnet ergeben sich neue Beobachtungen und Einsichten.

Zwischen 2008 und 2011 stellte Joachim Schmid eine Serie von 96 Print-on-demand-Büchern mit Amateurbildern aus verschiedensten Bereichen des Alltagslebens zusammen. Bilder aus Fotonetzwerken wie Flickr wurden in einem Archiv angelegt. Jedes Buch – jeweils mit 32 Fotografien auf 36 Seiten – behandelt einen Anlass für Bilder oder Bildideen und verdeutlicht wiederkehrende Muster in der populären Fotografie.

Die Themenpalette reicht dabei von “Happy Birthday” über “Currywurst” bis zu “Sex” und “Sunset”. Die Auswahl Schmids ist aber weder systematisch noch folgt sie einem festen Konzept. Die Grundstruktur seines Projekts spiegelt einen heute ganz normalen Umgang mit Bildern. Das Motto: beobachten und eine ganze Menge dabei wahrnehmen. Wir finden Einblicke in die Bücher auf Joachim Schmids Website Other People’s Photographs. Schmid hat sich in weiteren Projekten mit der digitalen Bilderwelt auseinandergesetzt, wir finden das auf Joachim Schmids Blog.

Die österreichische Kunsthistorikerin und Kuratorin Ruth Horak stellt zu Schmids Arbeit die Frage:

Was bringt das www der Fotografie? – Ein neues Kapitel in der Geschichte der Amateurfotografie inklusive endloser Ressourcen zur Veröffentlichung, eine Imagebank ohne Ende, die zur Aneignung ohne Ende anregt, schlecht aufgelöste Bilder – die meisten davon immateriell und ohne redaktionelle Betreuung, den lückenlosen Blick von oben auf unsere Welt und in unsere Gärten – Wie folgenlos ist das Internet noch für die Fotografie?

Ja – das Netz und die digitale Bilderflut, was macht das mit uns Amateurfotografen? Eine spannende Frage, die sich hier zu diskutieren lohnen würde. Die Ausstellung mit Joachim Schmids Büchern in der Salzburger Galerie Fotohof dauert noch bis zum 19. November.

Joachim Schmid hat Visuelle Kommunikation an der Fachhochschule für Gestaltung in Schwäbisch Gmünd und an der Hochschule der Künste Berlin studiert und lebt in Berlin.

Joachim Schmid: Other People’s Photographs
Bis 19. November
Galerie Fotohof, Erhardplatz 3, A-5020 Salzburg
+43 662 84 92 96, fotohof@fotohof.at
Geöffnet Montag bis Freitag 15 bis 19 Uhr, Samstag 10 bis 13 Uhr, Eintritt frei

Joachim Schmid
Other People’s Photographs
Galerie Fotohof

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World Photography Awards 2011: Die Amateur-Gewinner Die Gewinner der Amateur-Sparten bei den Sony World Photography Awards 2011 stehen fest: Wolfgang Weinhardt aus Berlin zum Beispiel gewann in der Kategorie Panorama. (29. März 2011) Bildkritik und Fotografie: Warum "gefällt mir" nutzlos ist Eine Bildkritik sollte eine Beurteilung sein und kein Urteil. Der Unterschied? Ersteres hat Einfluss auf mein Können, letzteres nur auf die Stimmung. (21. Januar 2011) Sony World Photography Awards 2011: Fotografen, an den Start! Noch bis 5. Januar 2011 können Amateur- und Profi-Fotografen ihre Bilder zu den Sony World Photography Awards einreichen. Also: es eilt! (1. Dezember 2010)

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Bis zum 6. November werden an sieben Ausstellungsorten 56 Künstler aus 32 Ländern ausgestellt. Titel des Fotofestivals 2011: “The Eye is a lonely Hunter: Images of Humankind” – das Auge ist ein einsamer Jäger, Bilder der Menschheit.

Eine “perspektivenreiche Expedition ins Reich des Menschen im Zeitalter der Globalisierung” will das 4. Fotofestival sein. Es gliedert sich in fünf thematische Kategorien, die an jeweils einem der Ausstellungsorte präsentiert werden:

1. Ökologische Kreisläufe, Wilhelm-Hack-Museum, Ludwigshafen:

„Ökologische Kreisläufe“ befasst sich mit drängenden Umweltproblemen und den Herausforderungen, denen wir in unserer Beziehung zur Natur gegenüberstehen.
Unter anderem mit Tary Simon und Paolo Woods.

2. Affekt und Wirkung von Politik, Zephyr Raum für Fotografie der Reiss-Engelhorn-Museen, Mannheim:

„Affekt und Wirkung von Politik“ untersucht die greifbaren und die emotionalen Auswirkungen politischer Umbrüche sowie das Vermächtnis ehemaliger politischer Macht. Unter den Fotografen: Edward Burtynsky und Olaf Otto Becker (fokussiert.com: Im Schlauchboot vor Grönland)

3. Das alltägliche Leben, Kunstverein Ludwigshafen:

„Das alltägliche Leben“ stellt die tagtäglichen Routinehandlungen und Überlebensstrategien in den Mittelpunkt, die allen Menschen eigen sind. Unter anderen vertreten: Pieter Hugo aus Südafrika (fokussiert.com: Hyänen an der Leine)

4. Rolle und Ritual, Kunsthalle Mannheim

„Rolle und Ritual“ untersucht die Verbindungen zwischen dem spirituellen, rituellen und sozialen Leben sowie die Rollen, die wir für uns selbst in einem postkolonialen Zeitalter erfinden. Besonders zu erwähnen: Jacob Holdt, Dänemark (fokussiert.com: Amerikanische Bilder)

5. Lebenskreisläufe, Heidelberger Kunstverein

„Lebenskreisläufe“ richtet die Aufmerksamkeit auf das innere Selbst und existenzielle Fragen wie den Gedanken der individuellen Entwicklung, Übergangsriten und Sterblichkeit. Unter anderem mit Francesco Giustis “Sapologie”-Serie.

Darüber hinaus sind drei Einzelausstellungen Bestandteil des Fotofestivals: Beat Streuli (eine öffentliche Auftragsarbeit auf dem Alten Messplatz, Mannheim), Roger Ballen in der Sammlung Prinzhorn, Heidelberg und Tobias Zielony (halle02/Kunsthalle Heidelberg).

Formal will das Fotofestival Mannheim_Ludwigshafen_Heidelberg den erweiterten Grenzen des Mediums Rechnung tragen, wie die Veranstalter mitteilen: Installationen, Diavorführungen, Filme und Videos sorgen neben „klassischen“ Fotografien für ein Spektrum aktueller fotografischer und kinematografischer Verfahren. Die Arbeiten der eingeladenen Künstler sollen sich im Spannungsfeld zwischen Kunst und Dokumentation bewegen.

Inhaltlich widmet sich die vierte Auflage des Festivals der Kamera und. dem Fotografen als Zeugen der “conditio humana” (also den Bedingungen des Menschseins) zu Beginn des zweiten Jahrzehnts des 21. Jahrhunderts: Welche Wege beschreitet die Fotografie, um Einzelansichten und Gesamtbilder der Menschheit zu vermitteln? Und wo werden Wahrheit und Authentizität der bildlichen Aussage hergestellt: im Auge des Betrachters oder im Auge des Fotografen?

Wir finden alle weiteren Infos über die Ausstellungen, die beteiligten Fotografinnen und Fotografen und das Rahmenprogramm mit Vorträgen und Künstlergesprächen auf der Website des 4. Fotofestivals Mannheim_Ludwigshagen_Heidelberg.

4. Fotofestivals Mannheim_Ludwigshagen_Heidelberg
bis 6. November
Kontakt: Fotofestival Mannheim_Ludwigshafen_Heidelberg e.V., E 4, 6, D-68159 Mannheim
+49 (0)621- 122 73 12, info@fotofestival.info
Geöffnet Dienstag bis Sonntag 11 bis 18 Uhr, montags geschlossen.
halle02 / Kunsthalle Heidelberg hat eigene Öffnungszeiten:
Montag bis Mittwoch 17 – 23 Uhr, Donnerstag, Freitag 17 – 1 Uhr, Samstag 14 – 1 Uhr, Sonntag 14 – 23 Uhr, weitere Infos: Kunst/Halle Heidelberg.

4. Fotofestivals Mannheim_Ludwigshagen_Heidelberg
Kunst/Halle Heidelberg

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Jacob Holdt/Jean-Christian Bourcart: Amerikanische Bilder Zwei Blicke auf Amerika: Jacob Holdt in den Siebzigerjahren und Jean-Christian Bourcart heute. (4. Februar 2010) Beatrice Apel/Renate Niebler: Konzentrationslager Flossenbürg Das Konzentrationslager Flossenbürg: Die beiden Fotografinnen Beatrice Apel und Renate Niebler zeigen uns den Ort des Schreckens und die Überlebenden, so wie sie "im Hier und Jetzt" sind. (13. September 2011) Kinderporträt: Das grosse Staunen An Menschen faszinieren uns die Augen - und wenn sie glänzen und leuchten, ist ein gutes Bild schon fast passiert. (9. September 2011)

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“In uns der Ort” – so heißt die Ausstellung in der KZ-Gedenkstätte Flossenbürg: Der Ort ist mit den Menschen, die den Schrecken erleiden mussten, untrennbar verbunden.

Die Fotokünstlerin Renate Niebler hat dafür in den Jahren 2009 und 2010 insgesamt 54 Überlebende des Konzentrationslagers Flossenbürg fotografiert: “Die Idee war, die Überlebenden als Individuen zu zeigen, die im Hier und Jetzt leben”, sagt sie.

Die Biografien der Überlebenden lesen sich so wie die von Alexander Henryk Laks, heute Brasilien:

In Polen geborener Jude, Jahrgang 1927. War in verschiedenen Konzentrationslagern und im Vernichtungslager Auschwitz interniert. Kam Anfang 1945 nach Flossenbürg, wo sein Vater, von der Ruhr geschwächt, von einem Kapo erschlagen wurde.

Renate Niebler erzählt in einem Interview, wie die Aufnahmen entstanden sind:

«Wir hatten in einem der Büros ein kleines Fotostudio aufgebaut. Anfangs gab es Überlegungen, die Überlebenden auf dem ehemaligen Lagergelände zu fotografieren. Letztlich haben wir uns dann aber doch für die Studiosituation entschieden. Die Idee war, die Menschen – ihre Körperhaltung, ihre Kleidung, ihre Blicke – ganz in den Mittelpunkt zu stellen, sie auf den Fotos für sich selbst sprechen zu lassen. Das gelingt im Studio am besten. Der schwarze Hintergrund lenkt nicht von der porträtierten Person ab. Gleichzeitig ist er in der Ausstellung das verbindende Element, das, was alle Bilder gemeinsam haben.»

Den Zusammenhang zwischen den Porträtierten und dem Ort Flossenbürg stellen die Fotografien von Beatrice Apel her.

Die Münchner Fotografin hatte sich Anfang 2011 mit der Kamera auf Spurensuche im Gelände der KZ-Gedenkstätte begeben. “Flossenbürg trägt als ehemaliges Konzentrationslager und als heutige Gedenkstätte zwei gegensätzliche Bestimmungen in sich“, sagt sie. Beide Identitäten seien im gegenwärtigen Zustand des Orts vereint. Im Interview erzählt sie, wie sie sich Flossenbürg genähert hatte:

«Wichtig waren alte Fotos und Erzählungen. Sie sind der einzige Weg, sich einer Vergangenheit anzunähern, die man selbst nicht erlebt hat.

Beispielsweise hat mich Kathrin Helldorfer von der Gedenkstätte durch das Gelände geführt und mir erklärt, wie es dort früher ausgesehen hat und welche Funktion die Gebäude, die heute noch stehen, früher hatten. Als Fotografin kann ich nur Spuren aufnehmen, die auf die Vergangenheit der Orte hindeuten. Zum Beispiel den Schornstein des ehemaligen Krematoriums. Bei abstrakten Dingen und Zusammenhängen stoße ich an meine Grenzen. Ein Bild für sich genommen kann niemals historisierend sein. Der Betrachter muss die Geschichte kennen, damit er es versteht. … Ich war mehrmals in Flossenbürg und habe die Orte sowohl im Winter als auch im Frühjahr fotografiert, um zu zeigen, wie sie sich mit den Jahreszeiten verändern.

Renate Niebler lebt in München. Sie ist ausgebildete Fotografin, studierte Visuelle Kommunikation und Philosophie an der Universität Gesamthochschule Essen (heute Folkwang Universität der Künste), war als freie Fotografin in Deutschland und Großbritannien tätig und ist heute Dozentin für Fotografie an der Fakultät für Design, Studienrichtung Fotodesign, der Hochschule München. Auf Renate Nieblers Website erfahren wir mehr.

Die Münchnerin Beatrice Apel studierte Kommunikationsdesign an der Fachhochschule München, später Malerei, Zeichnung und Fotografie an der Akademie der Bildenden Künste München. Heute arbeitet sie als Designerin und Freie Künstlerin, lehrt an der Hochschule München, Fakultät für Design.

Mit ihrer ersten selbst konzipierten Wechselausstellung schlage die KZ-Gedenkstätte Flossenbürg ein neues Kapitel der Erinnerungsarbeit auf, sagte Gedenkstättenleiter Dr. Jörg Skriebeleit. Zur Erinnerung an das Geschehen und der Frage danach, wie die Überlebenden ihre Erinnerungen verarbeiten konnten, kommen nun die Bilder von heute,

Beatrice Apel/Renate Niebler: In uns der Ort
Bis 2. November
KZ-Gedenkstätte Flossenbürg, Gedächtnisallee 5 – 7, D-92696 Flossenbürg
+49 (0) 96 03-9 03 90 0, information@gedenkstaette-flossenbuerg.de
Geöffnet Montag bis Sonntag 9 – 17 Uhr, Eintritt kostenlos

Renate Niebler
KZ-Gedenkstätte Flossenbürg

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Das Programm der Bieler Fototage will die Erfahrung der Zeit aus verschiedenen Perspektiven und in verschiedenen Formen sichtbar machen – noch bis zum 25. September.

Die Zeit spielt für sämtliche Fotografien eine zentrale Rolle – von der Schaffung des latenten Bildes über die analoge oder digitale “Entwicklung” bis hin zur Begutachtung des Endergebnisses, so heißt es in der Mitteilung der Bieler Fototage. “Le temps fait son oeuvre” vereint aktuelle Arbeiten, die die Erfahrungen mit der Zeit thematisch oder über die visuelle Form darstellen. Die Erfahrungen werden unterschiedlich vermittelt, etwa durch eine Unschärfe, welche eine Bewegung während der Belichtungszeit andeutet, oder durch das Abbilden von Spuren der Zeit, oder durch einen Bezug auf ein Vorher oder ein Nachher. Wenn zeitgenössische Fotografen den zeitlichen Aspekt in den Vordergrund stellen, entstehen oft experimentelle Bilder.

Die in Biel gezeigten Fotografinnen und Fotografen werden wie folgt vorgestellt:

Andrea Good realisiert mit einer Camera obscura großformatige Bilder, welche die Veränderungen auf dem ehemaligen Gelände einer Drahtzieherei in Biel festhalten. Auf den Landschaftsbildern, die Hans-Christian Schink an ganz verschiedenen Orten dieser Welt aufnimmt, ist jeweils eine schwarze Linie zu sehen, welche die Sonne wegen der langen Belichtungszeit von einer Stunde hinterlässt. Auf den Bildern von Roger Frei erfahren die vom Mondlicht beschienenen Alpen eine überraschende Plastizität. Die Belichtungszeit hat bei Claus Stolz (fokussiert.com: Sonne brennt Bilder) eine zerstörerische Wirkung auf die Negative, die wegen des Sonnenlichts zu «Sunburns» neigen. Die fotosensiblen Papiere, die f&d cartier verwenden, reagieren während der Belichtungszeit alle unterschiedlich auf das Licht.

Dank der GigaPan-Technik, die John Divola einsetzt, dringt das Auge des Betrachters immer tiefer in immer feinere Details auf dem Bild ein. Auf den 360-Grad-Panoramen von Arno Hassler ist eine Bewegung in der Zeit wahrzunehmen: Es ist die Bewegung des Fotoapparats, die auf den Bildern nachvollzogen werden kann. Die Hochgeschwindigkeitsbilder von Martin Klimas frieren den Moment, in dem fein gearbeite Porzellanfiguren brutal auseinanderbrechen, phänomenal ein. Auf eine vergleichbare Weise führen uns die Gebäude, die Alban Lécuyer im Moment von deren Sprengung festhält, die Grenzen unserer visuellen Aufnahmefähigkeiten vor Augen.

Lisa Roehrich zeigt in ihren nach der Art von Andy Warhols “Screen Tests” gefilmten Portraits, wie schwierig es ist, sich in der Zeit zu bewegen. Das Video von Ilir Kaso zeigt ein sechsminütiges Morphing, welches die körperlichen Veränderungen der Mutter des Künstlers über 27 Jahre hinweg nachzeichnet. Das Werk von Enrique Muñoz García folgt der Ästhetik von Videogames und nimmt den farbigen Rhythmus von Zappern auf, die in intimen Momenten zwischen Zeitverlust und Selbstverlust oszillieren.

In “Heisenberg’s Offside” von Jules Spinatsch (fokussiert.com: Spektakel in den Bergen) wird das Stade de Suisse mittels 3003 Fotos dargestellt, die von einer eigens programmierten Überwachungskamera während der Dauer eines Spiels in regelmässigen Intervallen alle drei Sekunden aufgenommen wurden. Raphael Hefti vs Alex Rich haben in einem großen Estrich in der Altstadt eine Installation realisiert, welche die Wahrnehmung des fotografischen Bildes durcheinanderbringt. Die Gestaltung der Website www.thisisserious.net gehört ebenso zum Konzept der Installation wie die Anwesenheit der Künstler selbst im Bild.

Die Bilder von Julian Salinas entstanden alle im Vorfeld eines wichtigen Ereignisses. Sie bilden die Emotionen ab, welche das anstehende, künftige Ereignis hervorruft. Michael Fent zeigt das Vergehen der Zeit auf poetische Weise, indem er das Vergehen mit dem Tod assoziiert. Ganz anders Dom Smaz, der das Vergehen der Zeit in seinen in San Diego realisierten Portraits aufzeichnet, indem er mexikanische Tagelöhner abbildet, die darauf warten, dass ihnen jemand Arbeit anbietet. Ausgehend von einer Sammlung von Familienfotos, die ursprünglich in einer Schuhschachtel aufbewahrt wurden, gestaltet Seba Kurtis eine Ausstellung, in der die Veränderungen auf den Bildern zu Symbolen für die wechselfällige Geschichte der Familie selbst werden.

“Kings of Cyan” von Tim Davis bilden die Zeit ab, indem sie deren Spuren verfolgen. Die Bilder setzen sich mit Wahlplakaten auseinander, in denen die Farbe Cyan den Einflüssen des Wetters und der Zeit widersteht. In den mit historischen, kunstgeschichtlichen und ethnologischen Anspielungen gespickten Montagen vom doppelten Lottchen wird die Dialektik zwischen Vergangenheit und Gegenwart thematisiert. Alexis Guillier zeigt die Sammlung von mutwillig zerstörten oder von der Zeit angenagten Kunstwerken als Diaporama, das in zufälliger Reihenfolge auf mehreren Bildschirmen gezeigt wird.

Mit diesem Vorgehen wird es möglich, parallel verschiedene Zeitsegmente zu zeigen. Die Zeit, in der der Betrachter das Bild wahrnimmt, steht auch im Zentrum der phosphoreszierenden Bilder von Nicole Hametner, die nur zu einem ganz bestimmten Zeitpunkt sichtbar sind: In der Dunkelheit der Nacht. Kunst im Augenblick ihrer Wahrnehmung ist das Thema von One Hour Photo. Das Projekt des Künstlers Adam Good limitiert die Zeit, in der das Bild gezeigt wird, auf eine Stunde, und kreiert dadurch einen einzigartigen, seltenen und wertvollen Augenblick. Georg Aernis Nachtpanoramen der Stadt Hongkong mit ihren Lichtern, die aus den Wohnungen herausstrahlen, zeigen uns, dass “schauen” eine Tätigkeit ist, die eine Masse von Individuen gerne gleichzeitig ausübt.

David Willen zeigt 303 Polaroidbilder mit einzigartig privaten und vergänglichen Momenten – zu sehen ist der Kaffeesatz auf dem Grund der morgendlichen Kaffeetasse: eine klassische Auslegeordnung, um in die Zukunft zu blicken. Als Legende zu jedem Bild wird eine Schlagzeile aus der aktuellen Tagespresse eingesetzt. Das erstaunliche Kollektiv LimaFotoLibre dokumentiert eine anekdotische, lokale und historische Zeit in Lima, einer Stadt, die sich in einem konstanten Wandel befindet. Das Kollektiv überlagert, kombiniert und manipuliert die Bilder, die es dann mit Vorliebe im öffentlichen Raum ausstellt.

Seit fünf Jahren werden die Bieler Fototage vom Direktoren-Tandem Hélène Joye-Cagnard und Catherine Kohler erarbeitet – und dazu gehört auch das Rahmenprogramm: So gibt es verschiedene Führungen durch die Ausstellungen, Vorträge von Fotografen, an den Wochenenden “offenes Atelier” und am 22. September eine Debatte über die Zukunft der Fotografie: Welche öffentliche Unterstützung für die Fotografie (in der Schweiz, d. Red.). Das ganze Programm findet sich auf der Website der Bieler Fototage 2011. Im Benteli Verlag, Bern-Sulgen-Zürich, ist ein dreisprachiger (de/fr/engl) Katalog mit zahlreichen Illustrationen und Beiträgen zu allen Fotografen erschienen – Titel Bieler Fototage 2011 – Die Zeit in der zeitgenössischen Fotografie (Affiliate-Link).

Bieler Fototage
bis 25. September
Geöffnet Mittwoch 14 – 18 Uhr, Donnerstag 14 – 20 Uhr , Freitag 14 – 18 Uhr, Samstag, Sonntag 11 – 18 Uhr.
Empfang und Tickets: Bahnhofplatz, Die Villa (Seevorstadt 75) und Alte Krone (Ring 1)
Kontakt: Bieler Fototage, Seevorstadt 71, Postfach 83, CH-2501 Bienne
Telefon +41 (0)32 322 42 45, info@jouph.ch

Bieler Fototage

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Wir sehen: Die frühe Mauer war durchsichtig, noch nicht überall massiv, provisorisch mit Stacheldraht oder Zäunen abgegrenzt. Zum fünfzigsten Jahrestag des Mauerbaus sehen wir die Bilder in Berlin.

Arwed Messmer, der Fotograf aus dem Westen und Annett Gröschner, die Autorin aus dem Osten Deutschlands entdeckten Anfang der Neunzigerjahre bei Recherchen im militärischen Zwischenarchiv diesen Schatz – einen Pappkarton voller Negative, so wird es in der Presseinfo mitgeteilt. Die Bilder zeigten den Mauerstreifen aus DDR-Innensicht, und sie unterlagen bis zur Wende strengster Geheimhaltung.

1966 hatten Grenztruppen der DDR den in Mauerverlauf in der Stadt Berlin über die ganze Länge von 43,7 km (von Treptow bis Pankow und ausschließlich auf Ostberliner Seite) fotografisch erfasst. Dokumentiert werden sollte der schlechte Zustand der aus unterschiedlichsten Materialien bestehenden, im offiziellen Sprachgebrauch der DDR-Grenztruppen als PTA (pioniertechnische Anlage) bezeichneten Grenze zu Westberlin. Die Filme wurden entwickelt – und vergessen.

Aus rund 1200 Einzelnegativen hat Arwed Messer für die Ausstellung 324 Panoramen digital bearbeitet. Sie bilden die innerstädtische Mauer vollständig ab – in der Ausstellung auf einer Länge von 200 Metern. Sie sind mit Textbändern versehen, die sich auf Geschehnisse am jeweiligen Ort Mitte der Sechzigerjahre beziehen und von Annett Gröschner aus den Akten recherchiert und verdichtet wurden.

Das Projekt zur frühen Berliner Mauer will vor allem das Atmosphärische der Teilung für beide Seiten Berlins erfahrbar machen. Das Fotografieren der Grenzanlagen auf östlicher Seite war Privatpersonen streng verboten und wurde mit empfindlichen Strafen geahndet. Der Blick vom Ostteil Berlins nach Westen ist deshalb nicht nur neu und ungewohnt, er offenbart auch einen Blick auf ein Westberlin, das so gar nicht dem Mythos des “Goldenen Westens“ zu entsprechen scheint.

Das Projekt “Aus anderer Sicht. Die frühe Berliner Mauer” hat eine eigene Website, auf der wir uns einige der (online) zu klein abgebildeten Panoramen mit den Texten anschauen können. Das Buch Aus anderer Sicht. Die frühe Berliner Mauer (Affiliate-Link) mit über 750 Seiten soll im August 2011 im Hatje Cantz-Verlag, Ostfildern, erscheinen, war aber aktuell noch nicht lieferbar.

Annett Gröschner/Arwed Messmer: Aus anderer Sicht. Die frühe Berliner Mauer
Bis 3. Oktober
Ausstellungsort: Unter den Linden 40 (2. OG, zwischen Friedrichstraße und Neustädtische Kirchstraße), D-10117 Berlin
Kontakt +49 (0)30 21759872, info@aus-anderer-sicht.de
Geöffnet täglich 10 – 20 Uhr

Projekt “Aus anderer Sicht. Die frühe Berliner Mauer”

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Polaroids sehen, kaum haben sie Konturen angenommen, schon so aus, als seien sie vor Jahren bereits fotografiert worden. Diese Spannung zwischen dem “Jetzt” und dem “Vergangenen” finden wir in Sybille Bergemanns “Sofortbildern”, die erstmals zu sehen sind.

Die im November 2010 verstorbene Sybille Bergemann sagte zu ihren Bildern:

“Mich interessiert der Rand der Welt, nicht die Mitte. Das Nichtaustauschbare ist für mich von Belang. Wenn etwas nicht ganz stimmt in den Gesichtern oder Landschaften.“

Das “Jetzt” ist flüchtig, fragil, intim. Nirgends begegnen sich Augenblick und Ewigkeit so nah wie im Polaroid. Bergemanns traumhafte und zarte Dokumente gegen das Vergessen überziehen sich im Moment der Entwicklung mit einer Patina, einem Schleier, der sich einer zeitlichen und räumlichen Einordnung entzieht. Aber das Sofortbild selbst ist sehr vergänglich, weil es unwiderruflich mehr und mehr verblasst.

Beim Fotografieren zeigte sich Sybille Bergemanns Haltung zum Leben – achtsam, geduldig und unaufgeregt, so teilt das C/O Berlin mit: Nie führte sie ihr Gegenüber vor und entblößte Schwächen oder Eigenarten. So gelang ihr eine besondere Nähe zu den Porträtierten. Sibylle Bergemann verstand die Fotografie nicht nur als Abbildung, sondern vor allem als ein Medium, das Aufschluss über Zusammenhänge der Wirklichkeit gibt, sie interpretiert und Stellung bezieht.

Sybille Bergemann sagte 1970 in einem Interview für das DDR-Magazin Sonntag:

“Wenn ich zu einem Thema hundert Bilder mache, von denen das mit der größten Wahrheit unscharf ist, biete ich eben das Unscharfe an.“

Sybille Bergemann wäre am 29. August 70 Jahre geworden. Daher können wir neben den Polaroids (C/O Berlin) auch eine große Retrospektive in Dresden (Leonhardi-Museum) sehen. Dort gibt es einen Einblick in das reiche Schaffen der Künstlerin mit Arbeiten, von denen einige den Status von Ikonen der DDR-Bilderwelt erlangt haben, darunter Bilder aus ihrer Modefotografie und eine Auswahl aus den Serien “Clärchens Ballhaus“ und “Denkmal“ zum Berliner Marx-Engels-Monument. Auch in Dresden ist eine Abteilung den Polaroids gewidmet und einer weiteren bisher unveröffentlichten Werkreihe namens “Fenster”.

Zu den Polaroids ist bei Hatje Cantz (Ostfildern) im Juli 2011 ein Bildband erschienen: Sybille Bergemann: Polaroids (Affiliate-Link), herausgegeben von Betty Fink. Jutta Voigt schreibt dort über Bergemanns Umgang mit der Land-Kamera:

Kein größerer Gegensatz ist denkbar als das Schnellfeuer der Sofortbildkamera und die Sensibilität von Sibylle Bergemann. Sie hat das “Rrrr-zack-Programm” umgedreht, zu sich gedreht, hat das Schnellfeuer in Glut verwandelt. „Plötzlich sehen Sie überall ein Bild“, prophezeite der Werbetext. Gemeinsamkeit und Unterschied: „Wo sie hinsah, war Komposition“, so Arno Fischer über seine Schülerin und Gefährtin. Die fotografierte bereits in den Siebzigerjahren mit der SX-70, „ich drücke drauf, um zu sehen, was ich gesehen habe“. Sie nutzte die Polaroidfotografie zunächst für Tests von Modefotos, im Laufe der Jahre entdeckte sie die künstlerischen Möglichkeiten, die das Polaroid für ihre Art zu sehen bereithielt. Das Ineinanderfließen der Schichten, das Grenzenlose, die Unschärfe, deren Bedeutung sie von Anfang an und gegen alle Vernunft eines freischaffenden Fotografendaseins geschätzt hatte.

Sibylle Bergemann, 1941 in Berlin geboren und 2010 in Gransee gestorben, begann 1966 eine Ausbildung als Fotografin bei Arno Fischer, den sie 1985 heiratete. Siehe auch den Beitrag bei fokussiert.com: Polaroids aus dem Garten.

Seit 1967 war sie freiberufliche Fotografin und Mitglied der Gruppe Direkt. Nach der Wende gründete sie zusammen mit Ute und Werner Mahler, Jens Rötzsch, Harald Hauswald, Thomas Sandberg und Harf Zimmermann die Fotoagentur Ostkreuz. Seit 1994 war sie Mitglied der Akademie der Künste in Berlin, zudem unterrichtete sie an der Ostkreuzschule für Fotografie und Gestaltung in Berlin-Weißensee.

Sibylle Bergemann hat sowohl seriell gearbeitet sowie über längere Zeit selbst gewählte Themen und fotografische Notizen festgehalten. Schwerpunkte in ihrem Werk bilden die schwarzweißen und farbigen Mode- und Porträtfotografien, die im Auftrag für Sibylle, Stern, Spiegel und Geo oder zu eignen Themen entstanden sind. Wir finden Sybille Bergemanns Bilder auch auf der Website der Fotoagentur Ostkreuz.

Sybille Bergemann – Polaroids
Bis 4. September
C/O Berlin, Postfuhramt, Oranienburger Straße 35/36, D-10117 Berlin
+49 (0)30-28 444 16 0, info@co-berlin.com
Geöffnet täglich von 11 bis 20 Uhr

Sybille Bergemann
Bis 4. September
Leonhardi-Museum, Grundstraße 26, D-01326 Dresden
+49 (0)351 2683513, dresden@leonhardi-museum.de
Geöffnet Dienstag bis Freitag 14 – 18 Uhr, Samstag, Sonntag 10 – 18 Uhr

Sybille Bergemann bei Wikipedia
Fotoagentur Ostkreuz
C/O Berlin
Leonhardi-Museum Dresden

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“In a Lonely Place” heißt die aktuelle Ausstellung in Berlin. Mysteriös, kalt und beklemmend erscheinen uns diese einsamen Orte in Crewdsons Bildern.

Gregory Crewdson betreibt er einen immensen Aufwand für seine Bilder. Er lässt Kulissen bauen, beschäftigt einen großen Stab von bis zu 150 Mitarbeitern und heuert Schauspieler an – wie bei einem Filmset. Für den Aufbau seiner “Traumbilder” werden mitunter mehrere Tage benötigt. Nach den Aufnahmen bearbeitet er die Bilder am Computer.

Er kopiert dasselbe, mit verschiedenen Schärfenebenen aufgenommene Motiv übereinander und erreicht eine gleichmäßige Schärfentiefe – damit zugleich eine seltsam suggestive, fast übernatürliche Raumwirkung. Das Authentische und Dokumentarische des Mediums Fotografie wird außer Kraft gesetzt.

In Crewdsons detailreichen Sets aus der Serie “Beneath the Roses” machen die Menschen keine Anstalten, etwas zu ändern, sich zu wehren oder ihr Leben zu retten. Teilnahmslos, leer und ferngesteuert haben sie sich mit dem Mysteriösen des Alltags scheinbar abgefunden. Nicht der soziale Aufstieg ist in Szene gesetzt, sondern die seelischen Abgründe. Das Unheimliche ist das Vertraute von nebenan.

Anfang und Ende der Bild-Erzählungen liegen außerhalb des Auschnitts, so dass der Inhalt sich in einem Schwebezustand befindet. Jeder Anhaltspunkt erweist sich als trügerisch. Gregory Crewdson steht mit seiner inszenierten Fotografie in einer Linie mit Cindy Sherman oder Jeff Wall. Sein Werk ist zudem stark geprägt von der Bildwelt des Hollywoodkinos, insbesondere von David Lynch und Steven Spielbergs.

In der Serie “Sanctuary” zeigt Gregory Crewdson Dokumentarfotografien vom leeren Studio der Cinecittá in Rom – Stützkonstruktionen von Fassaden, Baugerüste, von Gras überwucherte Gassen, zerstörte Statuen, alte Graffiti und Wasserpfützen. So hebt er die Illusionstechniken hervor, die er vorher selbst für seine Sets genutzt oder gebaut hat.

Die dritte Serie in der Ausstellung namens “Fireflies” besteht aus kleinen Schwarzweißbildern und zeigt einen radikalen Gegensatz zu Gregory Crewdsons sonstigem Stil der großformatigen Kino-Fotografien. Inhaltlich führen sie bisherige Themen jedoch weiter – Crewdsons Faszination für die gewöhnliche Landschaft, Licht als erzählerisches Element und die Natur als psychologisches Mysterium.

Gregory Crewdson, 1962 in Brooklyn geboren, ist der Sohn eines Psychoanalytikers und studierte an der State University of New York und der Yale University. Seit 1994 ist er Professor für Fotografie an der Yale University. Der Bildband In a Lonely Place (Affiliate-Link) erschien 2011 im Hatje Cantz-Verlag, Ostfildern.

Gregory Crewdson – In a Lonely Place
Bis 4. September
C/O Berlin, Postfuhramt, Oranienburger Straße 35/36, D-10117 Berlin
+49 (0)30-28 444 16 0, info@co-berlin.com
Geöffnet täglich von 11 bis 20 Uhr

Gregory Crewdson bei Wikipedia
C/O Berlin

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Konzeptfoto: Originelle Hochzeitsinszenierung Die Hochzeitsfotografie ist voller Stereotypen und Klischees. Ralf Menzel verweigert sich diesen und beweist, dass auch ein gängiges Thema wie die Hochzeitsfotografie künstlerischen Freiraum bietet - sofern man Kunden findet, die das auch unterstützen und mögen. (8. Juli 2011) Taj Mahal: Gegensätze wirkungsvoll eingesetzt Viele Bildideen leben von Gegensätzen. Eine überwältigende Architektur wirkt nur überwältigend, wenn wir auch die Grösse abschätzen können. (16. Februar 2011) Daniel Schwartz: Schnee in Samarkand Ansichten aus Zentralasien, dem Hinterland zahlreicher Kriege, zeigt uns Daniel Schwartz: Schnee in Samarkand. (15. Juli 2011)

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Wie unterschiedlich Fotografinnen und Fotografen das Thema dabei angehen, können wir uns aktuell in einer Übersichtsausstellung in Berlin ansehen.

Das Thema der Darstellung von Blumen und Pflanzen in der Kunst ist Jahrhunderte alt. Kein lebendes Wesen ist mehr mit Symbolik belegt und dargestellt als die Blume – auch Die Geschichte der Fotografie kennt bereits seit ihrer Pionierzeit Aufnahmen von Blumen.

In jüngster Zeit ist das Motiv Ausgangspunkt neuer, experimenteller Betrachtungen: Blumenvasen werden zerschossen und der Moment der Zerstörung dokumentiert, Blüten werden mit Farbe übermalt, Blütenstängel und Staubblätter für erotische Anspielungen verwendet, Blumen werden in der Natur, beim Vertrocknen, Verblühen oder Verwesen beobachtet, gescannt oder in überbordenden Buketts inszeniert.

Die Berliner Alfred-Ehrhardt-Stiftung zeigt das Werk von 18 internationalen Künstlern und Fotografen dazu: Jessica Backhaus, Wilfried Bauer, Andrea Baumgartl, Frauke Eigen, Amin El Dib, Stephan Erfurt, Fischli/Weiss, Thomas Florschuetz, Jean-Baptiste Huynh, Martin Klimas, Sofia Koukoulioti, Vera Mercer, Holger Niehaus, Christian Rothmann, Miron Schmückle, Luzia Simons, Margriet Smulders und Michael Wesely.

Mal tauchen wir ein in illusionistische Bildräume, wie die Stiftung mitteilt, mal sind wir konfrontiert mit puristischer Strenge – der entscheidende Aspekt jedoch bleibt Vanitas:

Die Rose steht wie kaum eine andere Blume für den Dualismus von Liebe und Tod, etwa durch ihre symbolische Bedeutung als „ewiges Band“ der Liebenden, auch über den Tod hinaus.

Auch für andere Blumenarten, etwa Lilien oder Tulpen, ließen sich ähnliche symbolische Bedeutungen herleiten, die in der künstlerischen Absicht und in der Betrachtung zumindest mitgedacht werden ( – sollten, denn wir verzeichnen einen großen Wandel im Verständnis der Symbolik und auch ein Vergessen von Bedeutungen, die vor Jahrzehnten vielleicht noch geläufig gewesen sind).

Das Thema bleibt faszinierend, wie uns auch der zur Ausstellung erschienene Bildband vorführt: Flower Power: Blumen in der zeitgenössischen Fotografie (Affiliate-Link) von Matthias Harder, erschienen im DuMont-Verlag, Köln 2010.

Blumen – Zeitgenössische Fotografie
Bis 2.Oktober
Alfred-Ehrhardt-Stiftung, Auguststraße 75, D-10117 Berlin
+49 (0)30 200 953 33,  info@alfred-ehrhardt-stiftung.de
Geöffnet Dienstag bis Sonntag 11 – 18 Uhr, Donnerstag 11 – 21 Uhr

Alfred-Ehrhardt-Stiftung

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