Die Bilder des Schweizer Fotografen Hans Peter Jost sind aktuell in Heidelberg zu sehen. Zusammen mit der Journalistin Christina Kleineidam entstand ein Buch über die Reisen, die globale Baumwollproduktion und ihre Auswirkungen.

Das Jahr 2009 war das Jahr der Naturfasern – ausgerufen von der UNO. Unter diesen ist die Baumwolle die Nummer eins.

Für Hans Peter Jost und Christina Kleineidam war dies Anlass, um über mehr als zwei Jahre sieben Länder zu bereisen, die zu den wichtigsten Baumwollproduzenten weltweit gehören: Brasilien, China, Indien, Mali, Tansania, USA und Usbekistan.

Die Baumwolle gehört zu den wichtigsten und profitträchtigsten Rohstoffen, und ihre Herstellungskette umspannt die gesamte globalisierte Welt. Anbau und Verarbeitung gehen jedoch mit großen ökologischen und sozialen Problemen einher.

Hier zeigen sich die wirtschaftlichen, sozialen und politischen Unterschiede zwischen den Industriestaaten und den sogenannten Entwicklungsländern. Während die Bauern in Europa und den USA Agrarsubventionen erhalten, um Missernten finanziell ausgleichen zu können, können Kleinbauern in der Dritten Welt kaum das notwendige Geld für Wasser, Dünger und Pestizide aufbringen.

In Indien führte die daraus resultierende Verschuldung gar zu einem Massenselbstmord von Baumwollbauern. Entwicklungsprojekte versuchen, den Anbau von Biobaumwolle zu fördern und den Bauern einen fairen Absatzmarkt zu bieten.

Nicht weniger schwer als die sozialen wiegen die ökologischen Probleme. So gefährdet der Einsatz von Pestiziden beim herkömmlichen Baumwollanbau nicht nur die Umwelt, sondern auch die Gesundheit von Bauern und Erntehelfern.

Auch der große Wasserbedarf der Baumwollpflanzen führt zu ökologischen Katastrophen – wie die der Austrocknung des Aralsees in Usbekistan.

Hans Peter Jost hat all diese Facetten des Baumwollanbaus und der Baumwollverarbeitung in seinen Schwarzweißfotografien festgehalten. Zusammen mit den Reiseberichten von Christina Kleineidam bieten sie einen Einblick in die ethnische, kulturelle und geografische Vielfalt der Welt der Baumwolle und machen die globalen Zusammenhänge vom Produzenten bis zum Konsumenten durchsichtiger.

Hans Peter Jost, Jahrgang 1953, wurde in Zürich geboren und lebt in Italien. Die Website von Hans Peter Jost zeigt neben den Bilder von “Baumwolle weltweit” auch etliche andere Seiten seiner Arbeit.

Das Buch Baumwolle Weltweit (Affiliate-Link) erschien 2009 bei Lars Müller Publishers in Baden/Schweiz (es gibt eine deutsche und eine englische Ausgabe).

Hans-Peter Jost – Baumwolle weltweit
Bis 6. Juni
Textilsammlung Max Berk / Kurpfälzisches Museum, Brahmsstraße 8, D-69118 Heidelberg
+49 (0)6221-800317, kmh-textilsammlung-max-berk@heidelberg.de
Geöffnet Mittwoch, Samstag, Sonntag 13 – 18 Uhr

Hans Peter Jost
Kurpfälzisches Museum Heidelberg

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Die großformatigen Stillleben der deutsch-amerikanischen Fotografin werden aktuell zusammen mit Mercers Porträts von Künstlern wie Andy Warhol, Marcel Duchamp und Niki de Saint-Phalle in Berlin gezeigt.

Obwohl beide Themen auf den ersten Blick gänzlich verschieden zu sein scheinen, so seien sie bei näherer Betrachtung doch eng miteinander verwoben.

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In den ehemaligen Pariser Markthallen begegnete die fotografische Autodidaktin Vera Mercer dann dem Thema, dem sie sich nun seit fast einem halben Jahrhundert widmet: Stillleben aus Nahrung – Früchte und Gemüse, Fleisch und Fisch oder Speisen in rohester Form. Für diese großformatigen Stillleben besorgt sie sich die Bestandteile von Jägern, aus Blumenläden und von den Gemüse-, Frucht- oder Fischmärkten. Die Arrangements entstehen vor der Kamera, sei es im heimischen Studio in Omaha oder ihrem Wohnatelier im Pariser Quartier Latin.

Mercers Stillleben zeichnen sich durch schrille und satte Farben aus, und ihre Blumenarrangements und Gemüsebildern mit bewusster Farbreduktion. Ein weiterer wichtiger Schlüssel zum Verständnis ihrer Bilder ist das Spiel der Größenverhältnisse; so wird Großes oftmals klein, Kleines wiederum viel größer dargestellt und die natürlichen Perspektiven sind verdreht. Der makabere Tierschädel im Bild ‘Naked Deer Head’ symbolisiert den Endpunkt eines jeden Lebens. Zusammen mit den verwelkten Blumen im Vordergrund liefert er eine barock anmutende Inszenierung. “Natura morta” – tote Natur – das ist der italienische Begriff für Stillleben, geprägt in der Renaissance.

Zur Ausstellung erschien im Februar ein zweisprachiger Bildband (Deutsch/Englisch): Vera Mercer: Photographs and Still Lifes (Affiliate-Link) , herausgegeben von Matthias Harder, Kehrer-Verlag Heidelberg.
Die Porträts und die Stillleben sind in der Kommunalen Galerie Berlin zu sehen. Ihre Blumenarrangements gibt’s gleichzeitig am “Photoplatz” im Hotel Bogota – ebenfalls in Berlin.

Vera Mercer – Porträts und Stillleben
Bis 25. April
Kommunale Galerie Berlin, Kulturamt Charlottenburg-Wilmersdorf, Hohenzollerndamm 176, D-10713 Berlin
+49 (0)30 902916704, info@kommunalegalerie-berlin.de
Geöffnet Dienstag bis Freitag 10 – 17 Uhr, Mittwoch 10 – 19 Uhr, Sonntag 11 – 17 Uhr

Blumen
Bis 27. April
Photoplatz, c/o Hotel Bogota, Schlüterstraße 45, D-10707 Berlin
+49 (0)30-8815001, photoplatz@web.de
Geöffnet täglich 11 – 23 Uhr

Kommunale Galerie Berlin
Photoplatz im Hotel Bogota

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Nachts fährt Todd Hido im Auto durch die Straßen und lässt sich inspirieren. “Househunting” nennt er die Jagd nach diesen nächtlichen Szenen. Die Serie ist aktuell zusammen mit seinen Frauenporträts – “Nudes” – in Köln zu sehen.

Todd Hido, Jahrgang 1968, lebt und arbeitet in San Francisco, Kalifornien. Für seine Nacht-Fotografien bezieht Hido einen großen Teil seiner Inspiration aus seiner eigenen Vergangenheit, den Erinnerungen aus der Kindheit.

‘Househunting’ versammelt Außenfassaden in amerikanischen Vorortsiedlungen, deren beleuchtete Fenster eine wie auch immer vorstellbare Bewohntheit signalisieren. Die Geschichten dazu entstehen in der Fantasie des Betrachters.

Die Porträts von Frauen in kargen Räumen verweisen auf Entwurzelung, Heimatlosigkeit, Isolation und Verlassenheit. Meistens sind es Zimmer in Hotels, die Todd Hido zur Inszenierung dieser traurigen Stimmungen herrichtet. Wir lernen weder den Namen seiner ‘Fotomodelle’ noch den Ort kennen – die Bilder könnten überall in der westlichen Hemisphäre gemacht worden sein.

Der aus Ohio stammende Fotograf ist viel im Auto unterwegs, besonders in Wetterlagen, bei denen man keinen Hund vor die Tür jagen möchte. Das zeigen uns auch die anderen Serien auf Todd Hidos Website. Ein Video auf Youtube zeigt uns Hidos Arbeitsweise (in englischer Sprache) – bei der nächtlichen Häuserjagd und bei den Porträts, wo die Porträts in Wirklichkeit manchmal dunkelhaarige Frauen mit Perücke sind.

Todd Hido – Househunting / Nudes
Bis 10. April
Galerie Kaune, Sudendorf, Albertusstraße 26, D-50667 Köln
+49 221 99 203-337, info@ks-contemporary.com
Geöffnet Dienstag bis Samstag 12 – 18 Uhr

Todd Hido
Todd Hido bei Youtube
Galerie Kaune, Sudendorf

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Die Berlinerin, die vor den Nazis in die Schweiz emigriert ist, fotografierte nur ungefähr zehn Jahre lang. Die Fotostiftung Schweiz zeigt aktuell ihr Werk aus diesen Umbruchjahren.

“Interessiert hat mich nur die Realität, und zwar die unwichtige, die übersehene, von der grossen Masse unbeachtete Realität“ – so lautet Marianne Breslauers Credo. Sie hinterließ nur ein kleines, dafür aber bis heute frisch anmutendes fotografisches Werk, das sie in der Zeit zwischen 1927 und 1938 geschaffen hatte – jener Zeit also, in der sich die Fotografie von einer “malerischen“ Salonkunst zur radikalen „neuen Fotografie“ wandelte, zu einem neuen künstlerischen Medium, das ganz auf die ihm eigenen Qualitäten baute.

Im Unterschied zu vielen Autodidaktinnen wie Gisèle Freund begann Marianne Breslauer, Jahrgang 1909, ihre Karriere als Fotografin mit einer professionellen Ausbildung. Danach zieht es sie nach Paris. Der Surrealist Man Ray ermuntert die junge Fotografin, ihren eigenen Weg zu gehen. Sie folgt seinem Rat und entdeckt mit ihrer Kamera die französische Metropole.

Vor allem interessiert sie sich hier für das Leben der Clochards am Ufer der Seine, lässt sich aber gleichzeitig auch von der exklusiven Atmosphäre um die Pferderennen in Longchamps fesseln. Wie viele junge zeitgenössische Fotografen schätzt Marianne Breslauer die Arbeiten von André Kertész und Brassaï und kommt ihren Vorbildern in ihren eigenen Fotografien sehr nahe. Doch auch die künstlerische Richtung des „Neuen Sehens“, die im Umfeld des Deutschen Werkbunds und des Bauhauses eine breite Aufmerksamkeit auf sich zog, lässt sie nicht unberührt.

Ihre Aufnahmen finden schnell den Weg in die Printmedien. 1930 setzt Breslauers fotojournalistische Tätigkeit ein. Sie findet eine erste Anstellung als Fotografin im Fotoatelier des Berliner Ullstein-Verlags.

Ihr persönlicher Blick gilt den Menschen und Details am Rande des urbanen Lebens. Nie setzt sie die Kamera als ein Instrument des Übergriffs oder der Überlegenheit ein, sondern beobachtet das Geschehen unbemerkt.

Bis 1937 ist sie in den Bereichen Mode, Porträt, Werbung, Reisen, urbanes Leben und auch inszenierte Illustrationen für Zeitschriften tätig.

Einer ihrer thematischen Schwerpunkte liegt auf dem Porträt – wie bereits in ihrem Gesellenstück, der Serie „Porträts“ von 1928/29, in der sie eine Gruppe von befreundeten Künstlern – allen voran Paul Citroen – inszeniert. Sie porträtiert immer wieder Freunde aus ihrem Berliner Umfeld sowie Kollegen und Bekannte aus der internationalen Kunstwelt in Aufnahmen, in denen die Grenzen zwischen klassischem Porträt, Modeaufnahme für Werbezwecke und filmischer Inszenierung verwischt sind.

Das Bild der selbstbewussten “neuen Frau“ der Zwanzigerjahre prägt Marianne Breslauer mit. Ihre Aufnahmen von Ruth von Morgen, Maud Thyssen oder Jeanne Remarque zeigen einige dieser neuen Frauen – zu denen sie selbst auch gehört.

Alleine, mit Freunden, Kollegen oder mit ihrem späteren Ehemann, dem Kunsthändler Walter Feilchenfeldt, reist Marianne Breslauer ab den frühen Dreißigerjahren durch viele Länder Europas und den Nahen Osten. 1931 zieht es sie nach Palästina, und die Welt des Orients nimmt sie gefangen.

Wie in Paris beobachtet sie auch hier die Einheimischen in den Straßen und Gassen Jerusalems oder porträtiert ihre schöne Freundin Djemila, zu deren Hochzeit sie gekommen war.

Im Frühling 1933 reist sie mit der Schriftstellerin Annemarie Schwarzenbach nach Spanien. Breslauers Fotografien dieser Reise sind keine sozialkritischen Aufnahmen, sondern sie konzentrieren sich auf die kulturellen Besonderheiten des Landes, die Architektur, erzählen von den Eigenarten seiner Bewohner.

Doch finden die Ergebnisse der Spanienreise in Deutschland keine Veröffentlichung mehr. Die Nationalsozialisten haben die deutsche Presse gleichgeschaltet, und Marianne Breslauer kann als “Nicht-Arierin“ nicht mehr unter eigenem Namen publizieren.

Die politischen Entwicklungen zwingen sie 1936 dazu, Berlin zu verlassen und erst nach Amsterdam, dann in die Schweiz zu übersiedeln. Dort widmet sie sich bis zu ihrem Tod 2001 ganz der Familie und dem Kunsthandel ihres Mannes Walter Feilchenfeldt.

Schon vor dem Zweiten Weltkrieg hatte sie ihre Laufbahn als Fotografin beendet – eine bewusste Entscheidung. Wie Marianne Breslauer selber erklärte, war das Medium Fotografie für sie ausgereizt: “Wenn ich weiter in dem Bereich gearbeitet hätte, wäre ich zum Film gegangen. Mit dem Fotografieren war ich fertig.“

Marianne Breslauers erste umfassende Retrospektive zeigt viele bisher unbekannte Originalfotografien sowie Neuabzüge von Originalnegativen aus dem Nachlass der Fotografin, der seit 2003 von der Fotostiftung Schweiz betreut wird. Weitere Leihgaben werden teils erstmals öffentlich gezeigt. Auf der Website zu Marianne Breslauer sehen wir noch mehr Bilder von ihr.

Zur Austellung erscheint diese Publikation: Marianne Breslauer – Fotografien (Affiliate-Link) . Hrsg. Kathrin Beer/Christina Feilchenfeldt in Zusammenarbeit mit der Fotostiftung Schweiz im Nimbus Verlag, Wädenswil 2010. Während der Ausstellung im dortigen Shop günstiger zu erwerben. Außerdem gibt es den Band Bilder meines Lebens. Erinnerungen von Marianne Feilchenfeldt Breslauer (Affiliate-Link) , ebenfalls im Nimbus-Verlag.

Marianne Breslauer – Fotografien

Bis 30. Mai

Fotostiftung Schweiz, Grüzenstrasse 45, CH-8400 Winterthur (Zürich)

+41 52 234 10 30, Infoline +41 (0)52 234 10 34, info@fotostiftung.ch

Geöffnet Dienstag bis Sonntag 11 – 18 Uhr, Mittwoch 11 – 20 Uhr, Montag geschlossen

• Marianne Breslauer
• Marianne Breslauer bei Wikipedia
• Fotostiftung Schweiz

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“Aqua Globalis” nennt Sven Hoffmann sein Projekt, das uns das Wasser in ungekannten Farben und Formen nahe bringt. Aktuell sind die Bilder in Neunkirchen ausgestellt.

Für den Berliner Sven Hoffmann, Jahrgang 1965, ist das Zusammenspiel von Wasser, Licht und Bewegung eine unerschöpfliche Quelle seiner Betrachtung.

Seit Anfang der Neunzigerjahre bereist er im Rahmen seines viel beachteten Projekts “Aqua Globalis” verschiedenste Länder dieser Welt, um der Farb- und Formenvielfalt dieses Elements nachzuspüren.

Nicht auf das Wasser in seiner lUmgebung richtet Hoffmann dabei den Fokus, sondern auf die Wasserflächen selbst, ihre Farben, Reflexionen und Strukturen. Transparentes, von gelben, grünen und dunkelblauen Farbflecken durchwirktes Wasser, intensiv goldgelb schimmerndes oder in zahllosen Blautönen leuchtendes Wasser – Sven Hoffmann führt uns die erstaunliche Wandelbarkeit des Elements vor Augen.

Der Schriftsteller John von Düffel schreibt im Vorwort zu Hoffmanns Buch Aqua Globalis (nur über seine Website erhältlich):

So wie Himmel und Meer am Horizont ineinander verschwimmen, so scheinen sich ihre Färbungen zu bedingen. Und doch ist es selbst Kennern unmöglich, von einem Blick in den Himmel darauf zu schließen, wie das Wasser heute sein wird. Es folgt seinen eigenen fließenden und sich verwandelnden Gesetzen. Auch unter einem strahlend blauen Himmel kann das Meer eine geriffelte, von unzähligen Schattenspitzen wimmelnde Fläche sein. Und selbst bei milchig trüber Witterung kann eine kabbelige See plötzlich aufschießen zu einem gischthellen, leuchtenden Grün. Der Verwandlungsreichtum des Wassers ist mit der Wechselhaftigkeit des Wetters allein nicht zu erklären, und seine unerschöpflichen Form- und Farbenspiele lassen den Himmel manchmal geradezu eintönig erscheinen.

In seinen Serien geht es Sven Hoffmann nicht nur darum, das Wasser in unterschiedlichsten Erscheinungsformen festzuhalten. Er hat sich nichts Geringeres zum Ziel gesetzt als den Entwurf einer stetig wachsenden “Kartographie der Wasserimpressionen” unseres Planeten. Auf Sven Hoffmanns Website können wir uns diese Weltkarte samt der jeweils zum Ort gehörenden Bilder anschauen.

Sven Hoffmann – Aqua Globalis
Bis 5. April
Städtische Galerie Neunkirchen, Marienstraße 2, D-66538 Neunkirchen
+49 (0)6821-2900621, info@staedtische-galerie-neunkirchen.de
Geöffnet Dienstag, Mittwoch, Freitag 10 – 12.30 Uhr und 14 – 17 Uhr, Donnerstag 10 – 12.30 Uhr und 14 – 18 Uhr, Samstag 14 – 17 Uhr, Sonntag 14 – 18 Uhr

• Sven Hoffmann
• Städtische Galerie Neunirchen

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Die 190 Nominierten kommen aus 48 Ländern, darunter viele aus den deutschsprachigen. Die endgültigen Preisträger – Gewinner der einzelnen Kategorien und die Gesamtgewinner – werden am 22. April im französischen Cannes bekanntgegeben.

Das Besondere des Wettbewerbs ist vor allem auch seine Unterteilung in Profis und Amateure. So bietet sich für die Fotoamateure die Chance, mit ihren Bilder weltweit Aufmerksamkeit zu bekommen. Aus den vielen Bildern der nominierten Fotografinnen und Fotografen haben wir hier ausschließlich Arbeiten von Fotoamateuren ausgewählt.

Bei den Fotoamateuren unterteilt sich der Wettbewerb in neun Kategorien: Architektur, Konzeptuelles und Inszeniertes, Dokumentation, Mode, Landschaft, Musik, Naturgeschichten, Porträt und Sport. In diesem Jahre wurden die Amateur-Kategorien von Juroren der Microstock-Agentur iStockphoto vorausgewählt. Was man, wie ich finde, in der Auswahl bemerken kann. Die endgültige Auswahl trafen dann die ehrenamtlichen Jurys. Die setzten sich zusammen aus international bekannten Fotografen, Kuratoren, Repräsentanten von Agenturen und Bildredakteuren.

Astrid Merget, die Kreativdirektorin des Veranstalters World Photography Organisation sagte: “Wie in den vergangenen Jahren überwältigte uns die bloße Zahl der Einsendungen aus allen Teilen der Erde. Das bestätigt uns wieder einmal die universale Rolle der Fotografie als kreativer Ausdruck.”

Die Gewinner der Amateur-Kategorien werden ab 22. April in Cannes ausgestellt. Neben diesen Ausstellungen, die sich über die ganze Stadt verteilen, gibt es dort Workshops, Portfolio-Sichtungen und Diskussionen – insgesamt ein fünftägiges Festival für die Fotografie, über Trends und aktuelle Debatten. Der “Sony World Photographer des Jahres 2010″ erhält übrigens ein Preisgeld von 25′000 US-Dollar, der Gewinner bei den Amateuren bekommt 5000 Dollar plus eine Kamerausrüstung des Sponsors.

Die ganze Fotogalerie 2010 gibt es auf der Website der Sony World Photography Awards.

Sony World Photography Awards
Anja Bührer
Sven Dreesbach
Bernhard Hartmann

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In seinen fotografische Inszenierungen weist Carsten Sander seinen Modellen fantastische Rollen zu – seien es solche aus der Kunst- und Filmgeschichte oder der Märchen- und Sagenwelt.

Ob Fußballer Christoph Metzelder als Kicker-Figur, Anke Engelke als Dandy mit Schnauzbart, Schauspieler Rufus Beck als märchenhafte Sagenfigur oder Schauspieler Armin Rohde als (vermutlich) Heinrich VIII: Mit Sensibilität und Intuition inszeniert Sander die Porträtierten in beziehungsreichen Zusammenhängen.

Er nutzt Filmzitate und kunsthistorische Rückgriffe. So sehen wir das Model Eva Habermann in Kulissen wie aus Fritz Langs legendärem Film Metropolis.

Den Musikproduzenten Mousse T zeigt er wie einen Fürsten aus der Renaissance-Zeit.

Sanders Ziel ist es, den einen perfekten Moment herauszuschälen: das Porträtbild schlechthin, frei von Raum und Zeit. Fantasy-Porträts eben.

Sanders Ausstellung “to surface” (dt. “zum Vorschein kommen”) in Berlin kehrt Inneres nach außen. Sie erzählt Geschichten, die unter der Oberfläche schlummern, lässt Träume sichtbar werden und Sichtbares wird zum Traum. Sander verbindet seine spezielle Sichtweise mit einer technischen Virtuosität.

Carsten Sander, Jahrgang 1965, wurde in Neuss geboren. Nach Ausbildungsstationen bei verschiedenen international tätigen Fotografen arbeitete er zunächst freiberuflich für Magazine wie den Stern, bevor er sich in der Kunstwelt etablierte. Er lebt und arbeitet in Berlin und Düsseldorf. Auf Carsten Sanders Website können wir uns die fantastischen Porträts ebenfalls anschauen.

Carsten Sander – To Surface
Bis 26. März
Berlin Art Projects, Showroom, Unter den Linden 40, D-10117 Berlin
+49 (0) 30 700 11 86-0, info@berlinartprojects.de
Geöffnet Montag bis Freitag 11 – 19 Uhr, Samstag 12 – 18 Uhr, Sonntag nach Vereinbarung

Carsten Sander
Berlin Art Projects

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Dennoch ist die aktuelle große Werkschau in Düsseldorf Robert Mapplethorpes erst ab 16 Jahren frei, darunter nur in Begleitung Erwachsener erlaubt.

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Insbesondere in den USA wurde Robert Mapplethorpes Werk zu seinen Lebzeiten und noch nach seinem Tod im Jahr 1989 kontrovers diskutiert. Bis zum Ende des 20. Jahrhunderts wurden Ausstellungen seiner Fotografien boykottiert, zensiert oder geschlossen. Umstritten waren stets seine radikalen Darstellungen von Nacktheit und sexuellen Handlungen. Insbesondere Fotos sado-masochistischer Praktiken führten dazu, dass es bei Ausstellungen Protestkundgebungen gab und Museumsdirektoren verklagt wurden. In Japan hat das Oberste Gericht erst 2008 festgestellt, dass Mapplethorpes erotische Bilder nicht gegen das Pornografieverbot verstießen und damit einen acht Jahre lang beschlagnahmten Foto-Band freigegeben. Für den amerikanischen Kritiker Arthur C. Danto schuf Mapplethorpe “einige der schockierendsten – und gefährlichsten – Bilder der modernen Fotografie oder sogar der Kunstgeschichte”.

Trotz aller Kontroversen kommt an Robert Mapplethorpes Bedeutung als Fotokünstler keiner vorbei. Er öffnete mit den Weg zur Anerkennung der Fotografie als Kunstform. Er verankerte das homosexuelle Sujet in der Massenkultur; er entwarf in der Fotografie ein klassizistisches Bild vom meist männlichen Körper, das Eingang in die kommerzielle Fotografie gefunden hat. Vor allem aber entwickelt Robert Mapplethorpe seinen fotografischen Stil, der den Idealen von Perfektion und Form huldigt. Mapplethorpe sagte: “Ich suche nach der Perfektion der Form. Ich mache das bei Porträts, bei Fotografien von Penissen, bei Fotografien von Blumen.”

In Deutschland gehörten Mapplethorpes Fotografien zur “ästethischen Sozialisation” der Generationen, die in den Achtzigern und frühen Neunzigern jung waren. Die Fotografien wurden als Poster vertrieben, und vor allem die “schwarzen” Portraits fehlten in kaum einer Wohngemeinschaft. Die Zeiten wandeln sich: Was Mitte der Achtzigerjahre die Zensur beschäftigt hatte, ist inzwischen museumswürdig geworden und nicht mehr Gegenstand juristischer Auseinandersetzungen, sondern soziologischer und kunstkritischer Analysen.

Die Ausstellung im Düsseldorfer NRW-Forum umfasst alle Bereiche Mapplethorpes Schaffen wie Porträts und Selbstporträts, Homosexualität, Aktfotografien, Blumenaufnahmen und als Quintessenz die fotografischen Aufnahmen von Skulpturen. Sie schließt auch die frühen Polaroids vom Anfang der Siebzigerjahre ein. Die Ausstellung ordnet die Fotografien nach Themen: Wie die zum Beispiel Selbstporträts einschließlich jener fast berüchtigten Aufnahme, die ihn mit einer in seinen Anus eingeführten Bullenpeitsche zeigt. Daneben stehen die geradezu poetischen Aufnahmen seiner Gefährtin Patti Smith. Gezeigt werden ebenso die Fotografien schwarzer Männer und weißer Frauen, die Bodybuilderin Lisa Lyon zum Beispiel, die Gegenüberstellungen von Penissen und Blumen und schließlich jene Aufnahmen von klassischer Schönheit, die sich an Skulpturen der Renaissance orientierten und die Porträts von Kindern und Berühmtheiten der Zeit.

Die Ausstellung wird von einem Mobilphone-Guide begleitet: Jeder Besucher kann zum Ortstarif mit seinem Handy Kommentare zu den Themenräumen und zu einzelnen Werken der Ausstellung abrufen. Besitzer des iPhone könne den Audioguide bereits vor dem Besuch der Ausstellung als kostenloses App herunterladen.
Eigens zu dieser Ausstellung legte der Münchener Schirmer/Mosel-Verlag Robert Mapplethorpe – The Black Book (Affiliate-Link) , 1988 erschienen, neu auf.

Robert Mapplethorpe
Bis 15. August
NRW-Forum Kultur und Wirtschaft, Ehrenhof 2, D-40479 Düsseldorf
+49 (0)211 8926690, info@projects.ag
Öffnungszeiten: Dienstag bis Sonntag 11 – 20 Uhr, Freitag 11 – 24 Uhr

Robert Mapplethorpe Foundation
Mapplethorpe bei Wiki
NRW-Forum

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Jerry Berndts “Nite Works” zeigen uns schummrige Gassen amerikanischer Städte. Aktuell sind die Bilder in Hamburg zu sehen.

Jerry Berndt hat sich immer wieder für Zustände der Dunkelheit interessiert. In seinen Fotoreportagen über Bostons Rotlichtmilieu (“Combat Zone”) oder Obdachlose (“Missing Persons”) dokumentiert er die Schattenseiten der amerikanischen Gesellschaft. Aber er nutzt die Nacht auch als konzeptuellen Rahmen für seine “Nite Works”, eine faszinierende Serie von Nachtaufnahmen in der menschenleeren Großstadt. Die Schwarzweißbilder von Häuserecken in Downtown, geschlossenen Ladenlokalen und beleuchteten Schaufenstern, aufgenommen mit langer Verschlusszeit nur mit vorhandenem Licht, stehen in der Tradition klassischer Fotografen wie Eugéne Atget und Brassai, aber auch wie Walker Evans oder Lee Friedlander.

Gleichzeitig belegen sie Jerry Berndts Sensibilität für soziale und politische Schwingungen. Ob er in Stripclubs auf Tuchfühlung mit Huren, Freiern und Zuhältern geht oder seine Mittelformatkamera in aller Ruhe in schummerigen Gassen auf eine triste Hausfassade richtet, seine Fotografien vermitteln auf magische Art die jeweilige Stimmung des Ortes. Dass Jerry Berndt als politischer Aktivist und Vietnam-Kriegsgegner in den Sechzigerjahren vom FBI verfolgt, mit Berufsverbot belegt und damit zu seinen einsamen “Nachtschichten” quasi gezwungen wurde, verleiht den Bildern eine zusätzliche düstere Dimension.

Jerry Berndt wurde 1943 in Milwaukee, Wisconsin, geboren. Seit mehr als 30 Jahren hat er sich als Dokumentarfotograf mit Reportagen über den Genozid in Ruanda, den Bürgerkrieg in Haiti und Obdachlose in Amerika einen Namen gemacht. Seine Fotos erscheinen in bedeutenden Publikationen in den USA und Europa, darunter die New York Times, Newsweek und Paris Match. Er lehrte Fotografie am Art Institute in Boston und an der Universität von Massachusetts. Heute lebt er mit seiner Frau und seinem Sohn in Paris. Unter dem Titel Insight (Affiliate-Link) ist ein Fotoband von Jerry Berndt bei Steidl in Göttingen erschienen.

Jerry Berndt – Die Nacht
Bis 3. April
Galerie White Trash Contemporary, Neue Burg 2 (Eingang Willy-Brandt-Strasse), D-20457 Hamburg
+49 (0)40 36099935, infowtc@mac.com
Geöffnet Mittwoch bis Freitag 13 – 19 Uhr, Samstag 12 – 16 Uhr

Mehr Bilder von Jerry Berndt
White Trash Contemporarty

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Jetzt, im Jahr ihres hundertsten Geburstages wird ihre Arbeit richtig sichtbar. Ihre Bilder werden aktuell in einer umfassenden Ausstellung präsentiert, an ihrem Geburtsort Stuttgart.

Gerda Taro gilt heute als Pionierin der Kriegsfotografie. Die Jüdin, 1910 geboren, war vor den Nationalsozialisten nach Paris geflohen. Zusammen mit Robert Capa, dem späteren Begründer der Fotoagentur Magnum, brach sie 1936 nach Spanien auf, um über den Kampf der Republikaner gegen Francos Faschisten zu berichten. Auf der Suche nach authentischen Bildern entstanden zwischen August 1936 und Juli 1937 Aufnahmen, die das Leid, aber auch das Leben der spanischen Bevölkerung in und mit dem Krieg aus der Nahsicht dokumentieren und einen neuen Weg in der Kriegsberichterstattung beschreiten. Taro starb 1937 bei einem Unfall während eines Rückzugsgefechtes in der Nähe von Brunete.

Im linksintellektuellen Milieu von Paris wird aus der Emigrantin Gerta Pohorylle – so ihr Geburtsname – die Bildreporterin Gerda Taro. Durch die Arbeit in einer Bildagentur und private Kontakte zu Fotografen eignet sie sich das professionelle Handwerkszeug an. In dieser Zeit wird aus der privaten Liaison zwischen Gerta Pohorylle und André Friedmann die berufliche Verbindung Taro-Capa. Stand zunächst noch die Platzierung der “Marke” Capa im Vordergrund, emanzipiert sich Gerda Taro im Laufe der nächsten Monate zu einer unter eigenem Namen arbeitenden Kriegsfotografin. Das Fotografenpaar kommt am 5. August 1936 in Barcelona an, als die Straßenschlachten und Barrikadenkämpfe zwischen rechten Putschisten und Republikanhängern gerade vorbei sind.

Taros Aufnahmen zeigen die Bewohner der katalanischen Hauptstadt, uniformiert in Arbeiterhosen und Milizoverall (dem so genannten Mono Azul), bei ihrer Rückkehr in den Alltag: Paare im Café mit Gewehr in der Hand, Frauen beim Waffentraining am Strand oder Kinder in Milizkleidung, die auf verlassenen Barrikaden spielen. Der Ruf nach Revolution schwingt in diesen Bildern mit. Auch entlang der Aragon-Front herrscht zu diesem Zeitpunkt weitgehend Waffenruhe. Auf den Fotografien von diesem Frontabschnitt sind Milizeinheiten zu sehen, die sich im Gelände üben, und Bauern beim Einbringen der Ernte. Mit dem Eingreifen italienischer und deutscher Truppen auf Seiten der Aufständischen verändert sich der Krieg und mit ihm die Bilder. Großflächige Bombardements ganzer Städte und die gezielten Angriffe auf die Zivilbevölkerung hinterlassen ein bisher nicht gekanntes Maß an Zerstörung.

Am 1. August 1937 geben tausende Menschen Gerda Taro auf dem Weg zu ihrer Grabstätte auf dem Pariser Friedhof Père-Lachaise das letzte Geleit. Die junge Fotoreporterin – sie wäre an diesem Augustsonntag 27 Jahre alt geworden – war wenige Tage zuvor an den Folgen eines Unfalls gestorben, der sich während eines Angriffes der deutschen Legion Condor auf die sich auflösenden Reihen der spanischen Volksarmee an der Brunetefront ereignete. Mit ihrem Tod setzt in der linken Presse eine Stilisierung zur selbstlosen, sich aufopfernden Heldin ein, die in Erfüllung ihrer Pflicht, nämlich dem antifaschistischen Kampf, ihr Leben verlor – eine Jeanne d’Arc der Volksfront. Trauerfeier und Begräbnis geraten zur politischen Demonstration.

Doch bereits kurze Zeit später ist der Name Gerda Taro von den Titelseiten verschwunden, ebenso wie die Nachrichten aus Spanien. Neue Krisenherde und kriegerische Auseinandersetzungen rücken ins Zentrum des öffentlichen Interesses. Viele Jahre stehen Taro und ihr fotografisches Werk im Schatten ihres Kollegen und Lebensgefährten Robert Capa. Dieser war inzwischen zu einem der berühmtesten Kriegsfotografen der Welt geworden und lieferte weiterhin spektakuläre Fotos aus den Krisengebieten der Welt. Siehe dazu den Beitrag bei fokussiert.com: Die Geheimisse des mexikanischen Koffers.

Capas “Falling Soldier” wurde zu einer Ikone des Spanischen Bürgerkrieges und steht heute mehr denn je im Zentrum einer Diskussion zum Umgang mit Bildmedien und Authentizität innerhalb der Geschichte der Kriegsfotografie. Durch eine Umbenennung der Autorenschaft zu Gunsten von Robert Capa erfuhren Gerda Taros Arbeiten eine Aufwertung und waren weiterhin marktfähig. Zugleich aber verschwand Taro aus der kollektiven Erinnerung. Erst die Entdeckung zahlreicher Negative aus dem Spanischen Bürgerkrieg machten eine Neubewertung beider Werke möglich. Die Stuttgarter Autorin Irme Schaber hat in einer Biografie Gerda Taro (Affiliate-Link) wiederentdeckt, erschienen bei Steidl in Göttingen (in englischer Sprache).

Gerda Taro – Krieg im Fokus
Bis 16. Mai
Kunstmuseum Stuttgart, Kleiner Schlossplatz 1, D-70173 Stuttgart
+49 (0) 711 – 216 21 88, info@kunstmuseum-stuttgart.de
Geöffnet Dienstag, Donnerstag bis Sonntag 10 – 18 Uhr, Mittwoch und Freitag 10 – 21 Uhr, Karfreitag geschlossen. Alle anderen Feiertage 10 – 18 Uhr geöffnet, auch Ostermontag und Pfingstmontag

Gerda Taro bei Wiki
Kunstmuseum Stuttgart

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Die Amerikanerin aus Budapest mischt sich auf ergreifende Art mit der liebenden Leichtigkeit eines Jacques Henri Lartigue und der expressiven Weltsicht von André Kertész , ihrem großen Vorbild und Förderer, begründete die Deutsche Gesellschaft für Photographie (DGPh) die Preisvergabe.

Mit der 1943 geborenen Sylvia Plachy ehrt die DGPh eine international renommierte Fotografin, die neben ihrer 30-jährigen Tätigkeit für das New Yorker Magazin Village Voice für viele bekannte Publikationen, wie Newsweek”, Geo, Vogue und Time Magazine arbeitete, und Bücher herausbrachte. Sie hatte und hat zahlreiche, auch dauerhafte Ausstellungen in verschiedenen Museen, so im George Eastman-House Rochester, dem San Francisco Museum of Modern Art und dem Museum of Modern Art in New York.

Der seit 1971 alljährlich für “vorbildliche Anwendung der Photographie in der Publizistik” vergebenen Preis erinnert an Erich Salomon, den großen Fotografen der Weimarer Republik, dem der moderne Bildjournalismus starke Anregungen verdankt.

Plachys Bildwelt ist poetisch und melancholisch, zugleich oft witzig oder gar skurril und bisweilen auch ernüchternd, aber immer bewegend, so die DGPh. Sie ist eine Entdeckerin, die für all das offen ist, was ihr am Wegesrand auffällt. Menschen, Räume, Dinge, alles kann bei ihr zum Bild werden. Einige Sujets begegnen uns immer wieder, Tiere etwa oder ihr Sohn Mishi, der als Adrian Brody inzwischen zu eigenem Ruhm gekommen ist. Auch die Auseinandersetzung mit ihrer verlorenen Heimat und dem damit verbunden Gefühl vom Verlorensein in der Welt ist spürbar; Sehnsucht als treibende Kraft.

Kameras und Aufnahmeformat setzte sie dabei ein wie es ihr gerade passt – und es passt immer, egal ob chinesische Spielzeugkamera oder Leica, Panorama, Schwarzweiß oder Farbe. Plachy verbindet die unterschiedlichsten Techniken zu einem organischen Ganzen.

Ihr großes Einfühlungsvermögen und die Kunst mit einem foto eine Geschichte zu erzählen, beweist sie besonders mit ihrer Arbeit für Village Voice. Elf Jahre lang hatte sie dort wöchentlich ihre Kolumne ohne Worte, ein Einzelfoto, das eine New Yorker Geschichte erzählte. Aus diesen Bildern stellte sie 1990 unter dem Titel “unguided tour” ihr erstes Buch zusammen – inzwischen ein gesuchter Klassiker. “Kein Buch seit Robert Franks ‘Die Amerikaner’ hat mich so inspiriert. Ein umfassendes Werk voller Kraft. Sie bringt mich zum Lachen und bricht mein Herz” schrieb Richard Avedon über “unguided tour”.

Das New Yorker International Center of Photography erhob das Buch gar zur besten Publikation des Jahres. Mitunter ist Sylvia Plachy’s Unguided Tour (Affiliate-Link) gebraucht zu bekommen. Zu Robert Frank siehe fokussiert.com-Beitrag: Ein Amerikaner aus Zürich.

Der Titel “unguided tour” ist durchaus als Credo zu verstehen. Sylvia Plachy befindet sich auf ihrer nicht endenden Reise, die 1956 in den Wirren der Ungarischen Revolution, versteckt unter einer Ladung Maiskolben, begann. Über Österreich gelangte sie endlich nach New York. Mitte der Sechzigerjahre lernte sie dort André Kertész kennen, der gerade durch eine umfassende Ausstellung im MoMA in das Pantheon der Photographie erhoben worden war.

Er ermutigt sie, ihre Arbeiten dort vorzustellen. Über den spontanen Ankauf ihrer Bilder durch das berühmte Haus wundert sich Sylvia Plachy noch heute. Über 30 Jahre arbeitete Sylvia Plachy für zahlreiche Magazine. Für die Organisation “Women for Women International” photographierte sie in Ruanda und Sarajewo Frauen, die die dortigen Kriege überlebt haben.

Im Berliner Willy-Brandt-Haus startet aus Anlass der Preisverleihung am 6. Februar eine Ausstellung mit Ausschnitten aus ihrem Gesamtwerk, die bis zum 28. März gezeigt wird – Titel: “Waiting”. Auf Sylvia Plachys Website können wir uns ihr Portfolio anschauen.

Sylvia Plachy – Waiting
Bis 28. März
Willy-Brandt-Haus, Wilhelmstraße 140 / Stresemannstraße 28, D-10963 Berlin-Kreuzberg
Telefon +49 (0)30 – 259 93 -700,
Geöffnet Dienstag bis Sonntag 12 – 18 Uhr, montags geschlossen

Sylvia Plachy
Deutsche Gesellschaft für Photographie
Willy-Brandt-Haus Berlin

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“Social Documents” – unter diesem Titel werden die Arbeiten des Dänen Jacob Holdt und des in New York lebenden Jean Christian Bourcart aktuell im Photomuseum Braunschweig ausgestellt: die soziale Verfasstheit der amerikanischen Gesellschaft im Abstand von mehr als 30 Jahren.

Jean-Christian Bourcart suchte in Google nach der “most dangerous city in the USA” und stieß dabei auf Camden, New Jersey.

Seine gleichnamige Serie stellt das Leben der sozial deklassierten, durch ihre Armut gezeichnete, vorwiegend afroamerikanischen Bevölkerung in dieser Stadt dar und reflektiert dabei, gerade anhand seiner Texte, die persönliche Erfahrung und das Voyeuristische einer solchen Unternehmung mit.

Seine Arbeit besteht aus einem Wandbild, einer Montage aus unterschiedlichen großen Abzügen und Texten. Er wollte erfahren, so Bourcart, was wir “normal-bürgerlich” lebenden Menschen mit den Bewohnern von Camden gemeinsam haben.

Jean-Christan Bourcarts Website zeigt die Bilder mit den Texten und seine anderen Projekte.

Die “American Pictures” des Dänen Jacob Holdt aus der ersten Hälfte der Siebzigerjahre treten in der Ausstellung den Fotografien Bourcarts gegenüber. Zusammengefasst waren diese Fotografien in einem gleichnamigen, fast vergessenen Fotobuch. Die im Steidl-Verlag erschienene Ausgabe United States 1970-1975 (Affiliate-Link) ist übrigens noch erhältlich.

Die Fotografien des jungen dänischen Trampers verstanden sich nicht als Arbeiten mit dem Anspruch auf künstlerische Autorschaft, sondern eher als eine missionarische Sendung.

Er habe überhaupt kein Interesse an der Fotografie, so Jacob Holdt. Holdt interessierte sich vielmehr politisch für das Thema Rassismus und wollte mit seinen Bildern für eine gewaltfreie Gesellschaft eintreten.

Seine Fotografien hat er mit einer Canon-Pocketkamera gemacht. Auf Jacob Holdts Website finden wir alles zur Geschichte seiner Hitchhiking-Reise durch Amerika und auch das Buch online.

Social Documents:
Jacob Holdt – American Pictures, 1970 -1975
Jean-Christian Bourcart – Camden, New Jersey, 2008/09
Bis 28. Februar
Museum für Photographie Braunschweig, Helmstedter Straße 1, D-38102 Braunschweig
+49 (0)531 75000, info@photomuseum.de
Geöffnet Dienstag bis Sonntag 13 – 18 Uhr

• Jacob Holdt – American Pictures
• United States 1970-1975 (Affiliate-Link)
• Jean-Christian Bourcart
• Photomuseum Braunschweig

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Anna Peisls “Whitebox” wurde über mehr als drei Jahre zur schiefen Bühne für viele Menschen. Hundert von ihnen zeigt sie jetzt – nur eine Woche bis 7. Februar – in der Münchner Orangerie im Englischen Garten.

Die Expressionisten arbeiteten mit schiefen Räumen, um gewohnte Wahrnehmungen in Frage zu stellen. Anna Peisl hatte die Anregung von Vincent van Gogh, sagt sie. Seine räumlichen Darstellungen würden sich auch nicht um die korrekte Perspektive scheren und spielen mit stürzenden Raumlinien.

Zu dieser eher akademischen Beobachtung kam eine sinnliche Erfahrung hinzu: ein altes Hotel in der Provence, in der keine Wand wirklich gerade stand. “Da bin ich heimgefahren und hab´ beschlossen – so einen Raum will ich haben, zum Fotografieren.” Anfangs war Peisls Box komplett eingerichtet mit schiefen Möbeln, Türen und Fenstern. Die Accessoires verschwanden zunehmend, bis schließlich nur noch der verschrobene Raum übrig blieb. Weiß und leer.

Ganz offensichtlich eine Herausforderung für die abgebildeten Menschen. Dass der Raum seine Wirkung nicht verfehlen würde, das wusste die Fotografin. Wie sie allerdings persönlich und tatsächlich darauf reagieren, sollte jedes Mal eine Überraschung sein. Verschüchtert, extrovertiert, verspielt, in sich gekehrt, völlig unberührt, theatralisch – alle menschlichen Gemütslagen finden in der “Whitebox” ihre Bühne.

Eine Gratwanderung für Anna Peisl: Wie können ihre Vorstellungen, ihre Schwerpunkte mit denen vereinbart werden, die spontan in der Situation entstehen? Ihre Vorstellungen konnte sie nicht nur einfordern, sondern sie moderierte behutsam. So entstanden viel sagende, erzählende Bilder, in denen jedes Detail wichtig ist.

Anna Peisl, Jahrgang 1963, lebt in München und hat dort ein eigenes Studio. Um die Spezies Mensch noch besser zu verstehen, studierte sie in den Neunzigern nebenher noch Psychologie. Auf Anna Peisls Website können wir uns die Bilder aus der “Whitebox” anschauen. Und auch ein Video vom Making-of.

Anna Peisl – Whitebox – Die Frauen
Nur eine Woche bis 7. Februar
Orangerie München, Englischer Garten 1a, D-80538 München
+49 (0)89-1231558, info@annape.de
Geöffnet täglich 12 – 20 Uhr

Anna Peisl
Englischer Garten, Orangerie München

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Andreas Mühe, Sohn des jüngst verstorbenen Schauspielers Ulrich Mühe, zeigt seine mitunter wagnerisch anmutenden Werke aktuell in Berlin.

F.C. Gundlach, der Altmeister der deutschen Fotografie aus Hamburg, ist ein entschiedener Förderer von Andreas Mühe. Über seinen Schützling sagt er:

“In seiner noch kurzen Karriere hat Andreas Mühe ein Werk von außerordentlicher Konsequenz geschaffen. Virtuos bedient er sich der Kameratechnik, arrangiert sehr differenzierte Beleuchtungskonzepte und hat in wenigen Jahren für die wichtigsten Magazine gearbeitet. Seine überwiegend mit der Großbildkamera aufgenommenen Portraits und Gruppenbilder inszeniert er bis ins kleinste Detail. Die Portraitierten vertrauen ihm, ihre Individualität scheint aus den Bildern auf, nah und kompromisslos ehrlich.”

Diese Porträts zeigen Künstler wie den Maler Markus Lüpertz, Schauspieler wie Daniel Brühl, Hannah Herzsprung oder seine Schwester Anna Maria Mühe. Es sind auch Literaten dabei, Industrielle oder Politiker wie die Bundeskanzlerin Angela Merkel oder George Bush, Helmut Kohl und Michail Gorbatschow.

Häufig sind die Abgebildeten in überwältigender Architektur oder Landschaft abgelichtet. Die vorwiegend statischen Bildkompositionen vermitteln Würde und Kraft. Mühe fotografiert nicht in einzelnen Porträts, sondern in Bildreihen. So zeigt er auch das kennzeichnende Umfeld, in dem – wie in Angela Merkels Büro – die zugehörigen “Bewohner” mitunter nicht selbst gezeigt werden müssen.

Andreas Mühe, Jahrgang 1979, wurde im damaligen Karl-Marx-Stadt geboren. Er fotografiert für renommierte Magazine, Agenturen und Unternehmen. Seine Serien werden und wurden regelmäßig in Zeitschriften wie Die Zeit, Kulturspiegel, Monopol, Spiegel, Stern, SZ-Magazin, Park Avenue oder Vanity Fair veröffentlicht. Leider erfahren wir auf Andreas Mühes Website nicht sehr viel mehr über ihn.

Andreas Mühe – Werkschau 2
Bis 6. März
Galerie Camera Work, Kantstraße 149, D-10623 Berlin
+49 (0) 30 31 00 77 – 3, info@camerawork.de
Geöffnet Dienstag bis Samstag 11 – 18 Uhr

Galerie Camera Work
Andreas Mühe

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Der Moment der Konzentration vor der sportlichen Höchstleistung; die Fähigkeit, die ganze Umgebung, ein tausendköpfiges Publikum zu vergessen, ist entscheidend für den Erfolg. Jedenfalls bei den prestigeträchtigen Olympischen Spielen, die es im Februar in Vancouver wieder gibt.

Der Begriff Konzentration wird so beschrieben: Es ist die willentliche Fokussierung der Aufmerksamkeit auf eine bestimmte Tätigkeit, das Erreichen eines kurzfristig erreichbaren Ziels. Fokussierung bedeutet, dass für eine gewisse Zeit auf das momentan Ausgeübte oder Empfundene geachtet wird. Konzentration erfordert geistige Anstrengung und lässt mit der Zeit nach.

Katja Stukes Sportler-Konzentration

Fotostrecke starten: Klick auf ein Bild (5 Bilder)

Diesen Liedtext stellt die Düsseldorfer Fotografin ihrer Serie voran:

Kein Flugzeug kann immer fliegen
Niemand wird auf ewig siegen
Kein Auto kann immer fahren.
Peter Hein/Fehlfarben, Rhein in Flammen

Die Porträts von Kunstturnerinnen und Turmspringern entstanden während der Olympischen Spielen in Sydney (2000), Athen (2004) und Peking (2008), und wurden teilweise vom Fernsehmonitor fotografiert. Erkennbar ist diese Entstehung der Bilder in dem sichtbaren Fernseh-Raster, weniger zu erkennen in den kleinen Online-Fotos, dafür in den großen Drucken.

Die besondere Atmosphäre der Olympischen Spiele, die spezielle Situation im Wettkampf direkt vor der entscheidenden Leistung, auch die Frage nach der Identität und Entwicklung der jungen, teils sehr jungen Sportlerinnen und Sportler spielen eine Rolle bei dieser fotografischen Arbeit. Die zuletzt entstanden Portraits der Turmspringer erweitert die Serie um den Begriff der Verletzbarkeit und Exponiertheit.

Katja Stuke, Jahrgang 1968, gibt zusammen mit dem Fotokünstler Oliver Sieber seit 1999 ein Fotoprojekt in Magazinform mit dem Titel “Frau Böhm” (später “Die Böhm”) heraus. Mit den Jahren kamen ein Internet-Ausstellungraum, die Zusammenarbeit mit anderen Künstlern, gemeinsame Ausstellungen, ein Foto-Blog und die ab 2010 stattfindende Ausstellungsreihe “Antifoto” hinzu. Auf Katja Stukes Website finden wir dazu und zu den Bildern der Reihe Supernatural weitere Infos.

Katja Stuke – Supernatural
Bis 30. Januar
Loris – Galerie für zeitgenössische Kunst, Gartenstraße 114, D-10115 Berlin
+49 (0)176-21751443, mail@lorisberlin.de
Geöffnet Mittwoch bis Freitag 14 – 19 Uhr, Samstag 12 – 17 Uhr

Katja Stuke
Die Böhm
Loris-Galerie Berlin

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Der Bremer Fotograf nennt seine Reihe aber “Contemporary Fine Daydreams” – Tagträume aus unserer Zeit, fein und schön. Ein weites Feld also – städtische Klischeebilder sind es jedenfalls nicht.

Matthias Haun will die ungesehenen Seiten der Städte zeigen. Dabei leitet er den Blick auf Alltägliches. Zum Beispiel reduziert er New York auf ein Wasserglas mit einer weiße Serviette daneben. Seine Bilder verhelfen dem Unscheinbaren aus dem Halbdunkel ins künstliche, blasse Licht.

Paris, Tokio, Los Angeles, Nagasaki – es sind die großen Sädte, die Haun aufgesucht hat. Seine Digital-Aufnahmen bedienen nicht Exotik, nicht touristische Muster. Die technischen Mittel sind nicht Schärfe, Kontrast und knallige Farben, sondern das Verbergen im Dunkel und Halbdunkel. Er nutzt die digitalen Techniken, um den Ansichten etwas Unheimliches zu verleihen.

Die Tagtraum-Bilder laden zum Hinschauen ein, lassen Gedanken schweifen. “Ich finde es sehr interessant, was meine Arbeiten bei den Leuten wachruft”, sagt Matthias Haun, Jahrgang 1959. Er hat nicht Fotografie studiert, sondern Malerei. Die digitale Nachbearbeitung nutzt er zur malerischen Intervention ins Bild. So will er seinen Werken neue Energiefelder geben , die sich “aus einer imaginären Quelle” speisen. Wir können uns die dunklen Träume auf Matthias Hauns Website anschauen, zusammen mit seinen anderen Projekten.

Matthias Haun – Contemporary Fine Daydreams
Bis 30. Januar
found Galerie, Bismarckstraße 132, D-20253 Hamburg
+49 (0)173.2069875, mail@foundgalerie.com
Geöffnet Mittwoch bis Freitag 14 – 18 Uhr, Samstag 12 – 16 Uhr

Matthias Haun
found Galerie Hamburg

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“Winter Stories” heißt Venturas Serie, die den Zirkus und seine Artisten zeigt. Die Fellini-Filme fallen uns ein, sicherlich besonders das melancholische “La Strada”, nur dass Venturas Bilder bunt sind.

Paolo Ventura, Jahrgang 1968, stammt aus Mailand und studierte dort. Inzwischen lebt und arbeitet er in New York. Die “Winter Stories” sind seine jüngste Serie. “Winter” bedeutet für ihn nicht nur die in den Bildern gezeigte Jahreszeit. “Winter” ist zugleich auch Sinnbild für den letzten Lebensabschnitt eines Menschen. Für Ventura zeigen die “Winter Stories” deshalb die Erinnerungen eines alten Mannes, der auf sein Leben zurückblickt.
Paolo Ventura inszeniert seine Fotografien präzise. Die künstlichen Kulissen sind unschwer zu erkennen, auch das erinnert an Fellinis Filmsets. Die Präzision der Inszenierungen mit ihren vielen, vielen genau gesetzten Details lässt eine ganze Menge von Geschichten im Kopf entstehen. Und erzeugt diese fantastische Atmosphäre kindlichen Staunens über die Wunder der Welt.

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Paolo Ventura entdeckte seine Fähigkeit zur Konstruktion von fiktionalen Welten während seiner Karriere als Modefotograf, die er ursprünglich eingeschlagen hatte. Auch seine vorherige Serie “War Souvenirs” ist eine inszenierte Welt. Hier geht es um Venturas eigene Erinnerungen an Geschichten aus dem Zweiten Weltkrieg, die ihm seine Großmutter erzählt hatte. Auch hier geht es um die Rekonstruktion der vergangenen Atmosphäre aus einer bestimmten anderen Zeit. Mich erinnerte diese Bildserie an Ernest Hemingways italienische Liebesgeschichte “In einem anderen Land”, auch wenn Hemingway darin über das Italien im Ersten Weltkrieg schreibt.

Die “Winter Stories” werden leider nicht hierzulande in der Nähe ausgestellt, sondern in der Pariser Galerie Camera Obscura. Aber wir können uns die Bilder auf Paolo Venturas Website anschauen. Die “Winter Stories” (Affiliate-Link) sind im Herbst 2009 außerdem als Buch im amerikanischen Aperture-Verlag erschienen.

Paolo Ventura – Winter Stories
Bis 30. Januar
Galerie Camera Obscura, Didier Brousse, 268, boulevard Raspail, F-75014 Paris
+33(0)1 45456708, cameraobscura@free.fr
Geöffnet Dienstag bis Samstag 13 – 17 Uhr oder nach Vereinbarung

Paolo Ventura
Galerie Camera Obscura Paris

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Die Ausstellung mit den Bildern aller Preisträger, aller Auszeichnungen und Anerkennungen ist aktuell in Stuttgart zu sehen. Insgesamt hatten sich an dem alle zwei Jahre ausgelobten Wettbewerb 232 Fotografinnen und Fotografen aus 16 Ländern beteiligt.

“Neue Heimat” war das Thema des Wettbewerbs und der Münchner Fotograf Stephan Sahm untersuchte die Plastikheimat der Kleintiere. 6,6 Millionen davon soll es in Deutschland geben und die Reichhaltigkeit an Laufrädern, Wippen und Schaukeln, die sich in den Zoohandlungen auftürmen, entzückt wohl nur deren Besitzer.

Wechselt man die Perspektive, erkennt man die Leere, die sich in diesem knappen Lebensraum einstellt. Die Materialien sind plastikbillig, Formen und Farben poppig und gar nicht natürlich. Stephan Sahm, Jahrgang 1971, besuchte die Fachakademie für Fotodesign in München. Er lebt und arbeitet seit 1998 dort als freischaffender Fotograf.

Den zweiten Preis des Wettbewerbs teilen sich der Australier Tim Griffith und die Britin Jacky Longstaff. Griffith sagt über seine Serie:

Meine vier Bilder sind Teil einer Serie, die während der Renovierung und Erweiterung der Ausstellung in der Africa Hall der California Academy of Sciences in San Francisco entstanden ist. Die Dioramen, die aus den Dreißigerjahren stammen, wurden komplett erneuert, während die Tiere bei einem Präparator in der Nähe der Africa Hall restauriert wurden. Bei der Rückkehr zu ihren entsprechenden Standorten hatte ich das Gefühl, dass die Tiere selbst geschockt und verwirrt waren über die Veränderungen, die um sie herum stattgefunden hatten. Darin drückt sich aus, dass sie das ungewohnte und verlängerte Leben, das vor ihnen liegt, resigniert akzeptieren.  

Tim Griffith fotografiert seit über 20 Jahren Architektur. 2006 wurde er im Rahmen der International Photography Awards zum dritten Mal in Folge zum IPA Architectural Photographer of the Year gewählt. Er kommt aus Melbourne und arbeitet auch in San Francisco und Singapur. Tim Griffiths Website zeigt uns seine vielfältigen Projekte.

Jacks Longstaffs Fotografien sind Teil einer umfassenden Arbeit, die über mehrere Jahre hinweg im Town-Moor der britischen Stadt Newcastle upon Tyne entstanden ist. Das Town-Moor ist eine große, freie Fläche, Grasland. Longstaffs Fotografien zeigen diesen Raum, der sich mit den Jahreszeiten, dem Wetter, den dortigen Festen und Veranstaltungen laufend wandelt. Jacky Longstaff, Jahrgang 1961, studierte von 1986 bis 1991 Fotografie und ist seit 1992 Kursleiterin für Fotografie am Newcastle-College.

Der Europäische Architekturfotopreis wird seit 2005 von dem gemeinnützigen Verein architekturbild mit Sitz in Stuttgart verliehen. Jury-Vorsitzender 2009 war der Publizist und ehemalige Chefredakteur der Leica World, Hans-Michael Koetzle. Auf der Website von architekturbild finden wir eine Dokumentation aller ausgezeichneten Arbeiten des aktuellen und bisheriger Architekturfotopreise.

Neue Heimat – Europäischer Architekturfotografiepreis 2009
Bis 31. Januar
vhs-photogalerie, Rotebühlplatz 28, D-70173 Stuttgart
+49 (0) 711/1873790, ruediger.floege@vhs-stuttgart.de
Geöffnet Montag bis Samstag 8 – 23 Uhr, Sonntag 9 – 18 Uhr

architekturbild
Tim Griffith
vhs-photogalerie Stuttgart

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“Fotografisch begeistere ich mich für Menschen, deren inneres Strahlen, Hoffen oder Suchen ich in einer Geste oder Haltung sehen kann”, sagt Donata Wenders, Ehefrau des Filmregisseurs Wim Wenders. Aktuell sind ihre Werke in Ulm zu sehen.

Donata Wenders würdige den Menschen, indem sie ihn auf ihren fotografischen Streifzügen beobachtet, so heißt es in der Presseinfo: Sie begibt sich auf eine Spurensuche, bei der Porträts, Stadt- und Landschaftsaufnahmen fern jeder Inszenierung entstehen. Dabei übersetze sie selbst flüchtige Impressionen in einen poetischen Raum kleiner Ewigkeiten.

Unwesentlich erscheint, ob Donata Wenders Persönlichkeiten wie Pina Bausch, Milla Jovovich und Yohji Yamamoto oder aber unbekannte Menschen porträtiert – sei es in Alltagssituationen, auf Reisen oder aber am Filmset von Wim Wenders: der Betrachter soll in den Bildern das Geheimnis eines Blickes oder einer Geste spüren.

Neben der klassischen Schwarzweiß-Photographie experimentiert Donata Wenders auch an der Grenze von Fotografie und Malerei. Ihre Serie “Fresken”, die in einem speziellen, handgefertigten Entwicklungsverfahren entstehen, sind Bilder der Stille, die vom Pikturalismus Edward Steichens inspiriert sind.
Nach vielen Einzelausstellungen im In- und Ausland gibt es nun Donata Wenders’ erste umfassende Werkschau in einem größeren Ausstellungshaus: Das Stadthaus Ulm zeigt rund 150 der Schwarzweiß-Aufnahmen, die zwischen 1995 und 2009 entstanden.

Donata Wenders, Jahrgang 1965, studierte Kamera, Film und Theater in Berlin und Stuttgart. Viele Jahre arbeitete sie als Kameraassistentin und drehte selbst als Kamerafrau Spiel- und Dokumentarfilme. Seit 1995 ist sie als Fotografin und Dozentin für Fotografie tätig. Donata Wenders Arbeiten erschienen unter anderem in der New York Times, Vogue, Marie Claire, The Rolling Stone Magazine, Stern, Esquire. Sie wurden auch 2006 in ihrem Buch Islands of Silence (Affiliate-Link) im Prestel-Verlag herausgegeben. “Ich fotografiere besser, und auch lieber, als ich schreibe”, ist auf Donata Wenders Website notiert. Dort finden wir ihre Bilder und einiges mehr an Infos über sie.

Donata Wenders – Kleine Ewigkeiten
Stadthaus Ulm, Münsterplatz 50, D-89073 Ulm
+49 (0)731-1617700, stadthaus@ulm.de
Geöffnet Montag bis Samstag 9 – 18 Uhr, Donnerstag 9 – 20 Uhr, Sonntag 11 – 18 Uhr

Donata Wenders
Stadthaus Ulm

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Die Bilder waren schon da, bevor sie aufgenommen wurden, so Boris Becker – in der eigenen visuellen Erinnerung. Aktuell können wir uns Beckers Werk in Köln anschauen.

“Finden sich nicht oft die Bilder, die man aufnimmt, die man zeichnet oder malt, scheinbar wie von selbst und zwar nicht in dem Sinn, daß es aus einem reinen Zufall (obwohl der nicht auszuschließen ist) heraus zu diesem Bildfindungsprozess kommt, sondern aus einer Art unterbewusstem Bildfundus, der ein intuitives Signal zu solch einem Prozess ausgibt”, fragt Boris Becker.

Beckers Aufnahmen entstehen vornehmlich in Deutschland, Italien, Belgien und Polen. Ein Projekt führte ihn auch in den Westen Algeriens. Generell geht es ihm aber nicht um die Dokumentation landesspezifisch bedeutsamer Orte, Bauwerke oder Aufnahmen von Menschen, sondern um eine kontinuierlich durchgeführte fotografische Studie von ihm entdeckter Facetten, die oft übersehen, Aussagen über die menschliche Existenz, ihren Umgang mit ihrem Lebensumfeld, Natur- und Kulturraum, Wahrnehmung und Medienreflexion treffen. Verschieden abgestuft setzt er auf Farb-, Flächen- und Strukturwerte konzentrierte, zeichenhaft abstrakte Bilder um.

Behält er auch technisch die von seinen Lehrern Bernd und Hilla Becher bevorzugte Methode der Großbildphotographie bei, die ein kompositorisch gelungenes und ein detailgenaues Abbild der Wirklichkeit begünstigt, sieht er seine Aufgabe weniger in der Wiedergabe objektiv wahrgenommener Umstände, sondern vielmehr darin, das Vertrauen in die Wirklichkeit sowie in auf sie Bezug nehmende Bilder auf den Prüfstand zu stellen.

1999 sagte er: „Ich habe den Glauben an die Möglichkeit fotografischer Realitätsdarstellung verloren. Daraus ergab sich meine Idee, fotografierend die Balance zwischen Sichtbarem und Nichtsichtbarem zu halten. Der Betrachter soll sich nicht so sicher sein, ob, was er erkennt, wirklich dem Gezeigten entspricht, und ob da überhaupt eine Aussage über das Abgebildete vorliegt.“ Beckers Arbeiten sind insofern ein Appell zur genauen Vergewisserung des Betrachters.

In der frühen schwarzweiß- und farbig ausgearbeiteten Bildreihe von Hochbunkern zeigt sich seine kritische Sicht auf die Dinge. Auch hier richtet sich sein Blick weniger auf das Offensichtliche. Fortsetzung findet dieser Ansatz in Boris Beckers Auseinandersetzung mit der Wohnarchitektur, mit Reihen- und Hochhäusern, die er farbig und auch in verschiedenen größeren Formaten ausarbeitet.

Auch hier zeigt sich, dass Architektur kein statisches Phänomen ist, ein originaler Zustand, kaum dass er hergestellt ist, bereits individuellen Veränderungen anheim fällt.

Widmet sich Boris Becker technischen Baukonstruktionen, Gerüsten, Rohbauten oder Ruinen, so fasziniert ihn auch hier die vom Entstehungs- und Alterungsprozess gezeichnete Form. Auch hier geht es ihm weniger um die Funktion als die ästhetische Qualität.

Beckers Landschaften, Ackerflächen und Wiesen lassen die menschlichen Eingriffe in die Natur erkennen. Reisen und Unterwegssein bedeutet für Boris Becker Erfahrungen sammeln und Bildern begegnen — unabhängig, ob in Deutschland, im europäischen Ausland oder in der Ferne. Und doch ist sein Werk nicht auf das Reisen angewiesen. Tatsächlich beginnt die Reise im Kopf, oder mit den Worten von Boris Becker: “Die Kunst geht durch den Kopf.”

Die Ausstellung in der Kölner Photographischen Sammlung(Stiftung SK Kultur zeigt einen Querschnitt durch Beckers Arbeit. Auf Boris Beckers Website können wir uns einen Teil online anschauen. Das Buch erschien im DuMont-Verlag: Boris Becker. Photographien 1984 – 2009 (Affiliate-Link)

Boris Becker – Photographien von 1984 – 2009
Photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur, Im Mediapark 7, D-50670 Köln
+49-(0)221-226 59 00, photographie@sk-kultur.de
Geöffnet täglich 14 – 19 Uhr, Mittwoch geschlossen.

Boris Becker
Photographische Sammlung/Stiftung SK Kultur

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