Wer sich dafür interessiert, wie junge Fotografinnen und Fotografen ticken, der bekommt hier einen Überblick. Die Arbeiten entstanden im Rahmen des neu ins Leben gerufenen European Photo Exhibition Award – kurz Epea genannt.

Der Epea will einen Raum eröffnen, in dem talentierte junge Fotografen gesellschaftlich relevante europäische Themen entwickeln und diskutieren können. Das ist wörtlich gemeint: Die insgesamt vier Kuratoren begleiteten die Fotografen bei der Erstellung ihrer Arbeiten und diskutierten die Werke gemeinsam in Workshops. Ausgewählt wurden die zwölf Fotografen in diesem Jahr unter anderem von Ingo Taubhorn, Kurator am Haus der Photographie der Deichtorhallen in Hamburg.

Der Epea ist ein Gemeinschaftsprojekt verschiedener Stiftungen aus Italien, Portugal, Skandinavien und der deutschen Körber-Stiftung. Hervorgegangen ist diese europäische Initiative aus dem 1999 ins Leben gerufenen „Körber-Foto-Award“. Die aktuelle Ausstellung zeigt Essays der Fotografen Catarina Botelho, José Pedro Cortes, Gabriele Croppi, João Grama, Monica Larsen, Frederic Lezmi, Pietro Masturzo, Hannah Modigh, Davide Monteleone, Linn Schröder, Marie Sjøvold und Isabelle Wenzel.

Die Hamburger Deichtorhallen sind Auftakt einer Wanderausstellung durch Europa: Ab Herbst 2012 werden die Foto-Essays in Ausstellungshäusern und auf Foto-Festivals in Paris, Lucca und Oslo zu sehen sein.Zu der Ausstellung erschien ein Bildband in der Reihe Photo-Art beim Kerber-Verlag, Bielefeld/Berlin unter dem Titel Epea – European Photo Exhibition Award 01: European Identities (Affiliate-Link), Preis in der Ausstellung 20 Euro.

European Identities
Bis 3. Juni
Haus der Photographie / Deichtorhallen Hamburg, Deichtorstrasse 1 – 2 . D-20095 Hamburg
+49 (0)40 321030, mail@deichtorhallen.de
Dienstag bis Sonntag 11 – 18 Uhr, jeden ersten Donnerstag im Monat 11 – 21 Uhr, Führungen jeden Samstag und Sonntag um 15 Uhr

European Photo Exhibition Award Epea
Deichtorhallen Hamburg

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Sieger ist der spanische Fotograf Samuel Aranda mit dem Bild von Fatima al-Qaws, die ihren Sohn Zayed während der Proteste gegen den jemenitischen Präsidenten Saleh umsorgt. fokussiert hat bereits über das Bild berichtet. Die 3×2 Tickets, welche von KEYSTONE zur Verfügung gestellt wurden, gingen an Andi, Miau und Hans-Dieter. Wir hoffen, sie hatten Freude an der Ausstellung.

Zur Zeit gastiert die Wanderausstellung in Zürich, insgesamt wird sie in rund 100 Städten in weltweit 45 Ländern zu sehen sein und Zürich ist einer der ersten Austragungsorte. Das Besondere an dieser Ausstellung sind die Führungen unter der Leitung von Nicole Aeby, Freelance Photography Consultant & Kuratorin, und Lea Truffer, Picture Editor, sowie die zusätzlichen Rahmenveranstaltungen. Besonders aufmerksam machen möchten wir auf die Lecture des in Südafrika lebenden Amerikaners Roger Ballen am 15. Mai. 2012.

Roger Ballen fotografiert ausschliesslich in Schwarzweiss. Seine Aufnahmen beleuchten menschliche Abgründe in inszenierter Umgebung und schaffen so eine Realität, die mit der gewohnten visuellen Wahrnehmung bricht. Ballens Werke wurden in Institutionen auf der ganzen Welt ausgestellt und sind in Sammlungen renommierter Museen wie Tate/ London und Museum of Modern Art/ New York vertreten. Anfang Juni eröffnet das Musée de l’Elysée in Lausanne eine Einzelausstellung mit seinen Arbeiten.

Datum
03.05.2012 – 28.05.2012
Veranstaltungsort
im Papiersaal im Shilcity, 8045 Zürich
Eintrittspreise
Ausstellung: CHF 10.-, ermässigt CHF 5.-
Lecture und Ausstellung: CHF 15.-, ermässigt CHF 10.-
Kinder und Jugendliche bis 16 Jahre gratis

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Swiss Photo Award 2011: Verbrannte Erde Meinrad Schade ist der Gewinner des Swiss Photo Award 2011. In seiner Serie "Verbrannte Erde" ging er auf "Spurensuche an den Rändern der Konflikte". (21. Mai 2011) Südafrikanische Fotografie: Apartheid - Widerstand - Freiheit Südafrika steht 2010 im Fokus - und wir bekommen so auch Gelegenheit, die Fotografie aus dem Gastgeberland der Fußballweltmeisterschaft kennenzulernen. (4. Juni 2010) Jochen Lempert: Das Auge des Biologen Mit dem Auge des Biologen fotografiert Jochen Lempert die Natur und die Tiere. Seine Beobachtungen zeigen das Spannungsfeld zwischen Natur und Kultur. (26. April 2010)

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Merkwürdige und stille Orte sind es, die Wim Wenders auffallen und interessieren. “Wenders’ Welt” sehen wir aktuell in Hamburg unter dem nämlichen Titel: “Places, strange and quiet”.

“Wenn man viel unterwegs ist”, schreibt Wim Wenders, “wenn man gern umherstreift, um sich zu verlieren, kann man an den merkwürdigsten Orten landen. … Es muss wohl eine Art eingebauter Radar sein, der mich oft in Gegenden führt, die entweder sonderbar ruhig oder auf eine ruhige Art sonderbar sind.”

Jedenfalls sind es die verschiedensten Gegenden, in die es ihn treibt: vom amerikanischen Westen in den deutschen Osten, nach Australien, Südamerika, Südostasien, Armenien, Italien oder Japan. So ergibt sich für die Ausstellung in der Hamburg-Harburger Sammlung Falckenberg/Deichtorhallen eine kunterbunte MIschung aus rund sechzig großformatigen Bildern, die fast alle erstmals in Deutschland gezeigt werden.

Nicht von ungefähr erinnern uns etliche Bilder an Filme von Wim Wenders. Für “Paris,Texas” etwa war der Regisseur vor Drehbeginn mit der Fotokamera auf Motivsuche im Wilden Westen Die daraus entstandene Fotoserie heißt “Written in the West”.

Wim Wenders, Jahrgang 1945, lebt mit seiner Frau Donata, die Fotografin ist (fokussiert.com: Kleine Ewigkeiten) in Berlin. Auf Wim Wenders offizieller Website finden wir unter anderem die Bilder und Haikus zu seiner großen Serie “Pictures from the Surface of the Earth”, die Bilder von der Oberfläche der Erde. Die “merkwürdigen und stillen Orte” der aktuellen Hamburger Ausstellung sind im im Bildband Places, strange and quiet (Affiliate-Link) wiedergegeben, der bei Hatje Cantz, Ostfildern 2011 erschienen ist.

Wim Wenders – Places, strange and quiet
Bis 5. August – Update: verlängert bis 19. August
Sammlung Falckenberg / Deichtorhallen Hamburg, Phoenix Fabrikhallen, Wilstorfer Straße 71, Tor 2, D-21073 Hamburg – Harburg
+49 (0) 40 32103-0, mail@deichtorhallen.de

Der Besuch der Sammlung Falckenberg in Hamburg-Harburg und der Ausstellungen ist nur zu im Rahmen von Führungen möglich. Führungen finden mittwochs und donnerstags um 18 Uhr, freitags um 17 Uhr sowie samstags und sonntags um 11 und 15 Uhr statt. Wegen der großen Nachfrage ist das Führungsangebot durch die Ausstellung von Wim Wenders auf 15 öffentliche Führungen erweitert worden. Termine und die Möglichkeit zur Buchung finden gibt’s auf der Website der Sammlung Falckenberg unter dem Button Besuch. Anmeldung auch über Telefon +49 (0) 40-32506762 oder E-Mail besuch@sammlung-falckenberg.de

Wim Wenders
Deichtorhallen Hamburg
Sammlung Falckenberg Hamburg-Harburg

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Amazonen: Lebenskraft pur Der Bildband «Amazonen - Das Brustkrebsprojekt von Uta Melle» (Kehrer Verlag) ist eine Wucht. Fotografisch, wie inhaltlich. Ein Buch, das schonungslos eine Seite des Lebens präsentiert, die oft genug verdrängt wird. (20. November 2011) Stadtschnappschuß: Auch Spontanfoto braucht Finesse Egal, wie das Foto entstanden ist - auch ein spontanes Bild darf nachbearbeitet werden, insbesondere, wenn es unter nicht idealen Lichtbedingungen entstanden ist. (26. Mai 2011) Christer Strömholm: Offenbarte Geheimnisse Dass die Menschen seinem Blick ihre Geheimnisse offenbaren - das wiederum ist vielleicht das Geheimnis von Christer Strömholms Bildern. (4. Mai 2012)

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Berühmt wurde der Altmeister der schwedischen Fotografie mit seinen Arbeiten von der Place Blanche im französischen Vergnügungsviertel Pigalle. Aber das ist noch längst nicht alles.

Der Hasselblad-Preis des Jahres 1997 war im Nachhinein gesehen die Würdigung seines Lebenswerks, denn fünf Jahre später – 2002 – ist Christer Strömholm mit 83 Jahren gestorben. Seine fotografische Entwicklung begann erst nach dem Zweiten Weltkrieg. Während des Krieges war er Widerstandskämpfer gegen die deutsche Besatzung in Norwegen. In Paris – seiner zweiten Heimat – konnte er nach ersten Anfängen vor dem Krieg endlich Kunst studieren – an der Académie des Beaux Arts. Von 1949 bis 1954 war Strömholm Mitglied in Otto Steinerts Gruppe Fotoform. Mit dem Schriftsteller Peter Weiss (“Die Ästhetik des Widerstands”) drehte er einen Film. Und Anfang der Sechzigerjahre übernahm er von diesem in Schweden lebenden Peter Weiss Kurse in Bildgestaltung. Daraus entwickelte Strömholm die Fotoschule “Fotoskolan”, die sich zu einem internationalen Anziehungspunkt entwickelte und zur Ausbildungsstätte der besten Fotografen Skandinaviens wurde.

Im Paris der Fünfziger- und Sechzigerjahre begann er, Transvestiten und Transsexuelle von der Place Blanche zu fotografieren. Sechs Jahre lang kehrte er immer wieder dorthin zurück und machte Aufnahmen, die von großem Respekt, Nähe und wachsender Vertrautheit sprechen – kein voyeuristischer Blick, sondern ein Eingehen auf das Gegenüber, dessen Rollenspiel Strömholm auch als Hinterfragen seiner eigenen Betrachtungsweise begriff. Strömholm fühlte sich hingezogen zu jenen, die von der Gesellschaft ausgestoßen wurden oder sich bewusst für ein Leben außerhalb der Norm entschieden. Christer Strömholm sagte: “Sie setzen sich mit ihrer eigenen Identität auseinander und das war auch der Ausgangspunkt meiner Arbeit.“ Damals formulierte er auch seine fotografischen Prinzipien, die er in etlichen Bücher auch erläuterte: „Available light“ – das vorhandene Licht, „Exposure moment“ – der Augenblick der Aufnahme und „Personal responsibility“ – die persönliche Verantwortung.

Das Werk Strömholms ist stilistisch nicht eindeutig zuzuordnen. Er entwickelte seine Vision von der Welt, in die die thematische Vielfalt seines Werks eingebettet ist. Er betrachtete sein Umfeld mit den Augen eines Künstlers, der zugleich die Konfrontation mit der Wirklichkeit sucht und die Nähe zu seinem Gegenüber herstellt. Das sah er als ein Grundprinzip der Fotografie: Nicht das heimlich Beobachtete ist es, was seinen Bildern Leben einhaucht, sondern das Geheimnis, das sich seinem Blick bewusst offenbart. Die Jury des Hasselblad-Awards schrieb damals 1997 in ihrer Laudatio: “Er entwickelte eine fotografische Sprache, die dem Existenzialismus vergleichbar ist.”

Christer Strömholms Bilder von der Place Blanche werden aktuell in Berlin bei Swedish Photography gezeigt. Mehr Informationen über ihn und Bilder online finden wir auf Christer Strömholms offizieller Website und bei Wikipedia. Einen Bildband dazu – Les amies de Place blanche (Affiliate-Link) – gibt es nur in französischer Sprache. Im Steidl-Verlag, Göttingen 2006, gibt es eine Erinnerungsbuch an ihn: In Memory of Himself (Affiliate-Link) (in englischer Sprache).

Christer Strömholm – Place Blanche
Bis 26. Mai
Swedish Photography, Karl-Marx-Allee 62, D-10243 Berlin
+49 (0) 30 8147 3709, info@swedishphotography.org
Geöffnet Mittwoch bis Samsatg 12 – 18 Uhr

Christer Strömholm
Wikipedia-Eintrag zu Strömholm
Swedish Photography Berlin

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Wie nutzen Menschen die Natur, wie gestalten sie sie, entfremden sie von ihrem Ursprung? Simone Nieweg stellt uns das mit großer Sorgfalt und kompositorischer Genauigkeit vor.

Simone Nieweg, Meisterschülerin von Bernd Becher an der Düsseldorfer Kunstakademie, fotografiert seit ihren Anfängen Agrarland an den Rändern von Siedlungen und Städten, so wird zu ihrer Ausstellung im Josef-Albers-Museum Bottrop mitgeteilt. Es sind unspektakuläre Motive, denen sie eine große ästhetische Kraft verleiht – weniger zu spüren in der Online-Abbildung, mehr vor den großen Abzügen an der Wand.

Der Mensch, so zeigen es Simone Niewegs Bilder, lebt in einer eigenartigen Symbiose mit der Natur in unserer Kulturlandschaft. Die Bearbeitung mit den Gartenwerkzeugen, eher handfest mit Spaten und Hacke als mit Maschinen, lassen die Spuren menschlicher Tätigkeit direkt erkennen.

Die Gegenwart des Menschen hat sich eingeschrieben und eine Menschen-Kultur-Natur geformt.

In der Ausstellung ist ein weites Spektrum des landwirtschaftlichen Anbaus von kleineren Feldgärten mit Gemüsebeeten und Obstbäumen bis hin zu Wiesen und Brachland, Waldrändern, Ackerflächen und Getreidefeldern versammelt. In diesem Spektrum finden Schönheit, dokumentarische Genauigkeit und Kritik zum Gleichgewicht einer geschlossenen Bildvorstellung.

Simone Nieweg fotografiert durchweg in einem sanften, fast schattenlosen, dennoch leuchtenden Licht, das die Feinstruktur der Bilder zur Geltung bringt. Ihre Langzeitbelichtungen setzen Windstille voraus, um Pflanzen und Landschaften in großer Schärfe und reichen Details aufs Bild bannen zu können.

So erhält das Vertraute, an dem wir des Sonntags gewöhnlich ohne Aufmerksamkeit vorbeispazieren, Alles in Simone Niewegs Fotografien, eine besondere, sonst achtlose Gegenwärtigkeit.

Leider hat Simone Nieweg, Jahrgang 1962, keine eigene Website. Zur Ausstellung im Albers-Museum Quadrat erschien bei Schirmer/Mosel 2012 ein Katalogbuch: Natur der Menschen: Begleitbuch zur Ausstellung in Bottrop (Affiliate-Link).

Simone Nieweg – Natur der Menschen. Landschaftsfotografie
Bis 27. Mai
Josef Albers-Museum Quadrat Bottrop, Im Stadtgarten 20, D-46236 Bottrop
+49 (0)2041 29716, quadrat@bottrop.de
Geöffnet Dienstag bis Samstag 11 – 17 Uhr, Sonntag 10 – 17 Uhr

Albers-Museum Quadrat Bottrop

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Blumenfoto: Stengel im Fokus Blumenfotografie mal anders: Statt immer nur von oben auf die Blüte zu zielen, kann auch die Fokussierung auf eher weniger beachtete Pflanzenteile wie den Stengel reizvolle Fotos ergeben. (26. April 2012) Blätter im Gegenlicht: Aufs Wesentliche konzentrieren Auch, wenn man den Wald vor lauter Bäumen nicht sieht, oder wie hier den Strauch vor lauter Blättern, sollte man sich in der Komposition auf das Wesentliche konzentrieren. (11. April 2012) Peter Bialobrzeski: Lebens(t)raum des Menschen Peter Bialobrzeski, neuer Träger des Erich-Salomon-Preis 2012, beschäftigt sich mit dem Lebensraum des modernen Menschen: mit Zivilisation und Natur, mit der Globalisierung und den damit verbundenen Umwälzungen. (30. Januar 2012)

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Stephen Frears, Mike Leigh oder Ken Loach – sie stehen mit ihren Sozialdramen für das New British Cinema seit der Thatcher-Ära. Paul Graham steht in für die Fotografie dieser Linie.

Der Jury des Hasselblad-Preises gehörte in diesem Jahr auch Ute Eskildsen an, die Chefin der Abteilung Fotografie im Essener Folkwang-Museum. Die Preisvergabe wird wie folgt begründet.

Paul Graham ist einer der brillantesten Fotografen seiner Generation. Über eine fast vierzigjährige Karriere hinweg zeigt er ein extrem konzentriertes Werk, zugleich perfekt einheitlich und niemals eintönig. Mit Bildern, die zugleich feinfühlt wie unterschwellig politisch sind, macht er belanglose Spuren des Zeitgeistes begreifbar, die wir sonst nicht bemerken. Mit seiner hohen Achtsamkeit gegenüber dem Medium Fotografie entwickelte er ständig innovative Formen für die Arbeit mit allen Aspekten der Fotografie. Das macht ihn zu einer tiefgreifenden Kraft für die Erneuerung dieser langen fotografischen Tradition der Auseinandersetzung mit der Welt.

Paul Graham, Jahrgang 1956, lebt seit 2002 in New York. International bekannt wurde er schon Mitte der Achtzigerjahre mit einer Reportage über die Zustände in britschen Arbeitsämtern mit ihren trostlosen Wartezimmern. Unter dem Titel Die ungeschminkte Wirklichkeit haben wir hier bei fokussiert.com darüber schon einmal berichtet.

So schrieben wir damals 2009 über Graham: “Die Auseinandersetzung mit den amerikanischen Fotografen Gary Winogrand, Lee Friedlander und Diane Arbus und mit der Farbfotografie von Stephen Shore und William Eggleston hat seine Bilder geprägt. Wie Winogrand oder Arbus blickt er auf gesellschaftliche Entwicklungen. Wie Shore und Eggleston widmet er sich auch den alltäglichen Dingen und Situationen.”

In den Achtzigern blickte er auf den Nordirland-Konflikt, in den Neunzigern unter dem Titel “New Europe” auf die Europäische Gemeinschaft. In “End of an Age” – Ende eines Zeitalters – porträtierte er das Nachtleben einer Generation um die Jahrtausendwende. “A Shimmer of Possibility” – das ist im Deutschen nur schwer fassbar: ein Schimmer von Möglichkeit – wurde sein großes Werk der Jahre 2004 bis 2006 in Amerika. Es wurde in zwölf Bänden (25 Stück Auflage, je 6000 Euro!) bei Steidl in Göttingen publiziert und verschiedentlich als “wichtigstes und bestes Fotobuch der letzten 15 Jahre” eingestuft (2011 bei Paris Photo). Mit großer Aufmerksamkeit für das Detail und in dramaturgischer Abfolge zeigt das Werk Abbildungen von anonymen Menschen und ihre alltägliche Umgebung. In Interviews hebt Paul Graham oft seine Vorliebe für den russischen Dichter Anton Tschechow hervor – und die Hasselblad-Jury erkannte diese Dimension in diesem monumentalen Werk.

Was der Hasselblad-Stiftung auch noch wichtig ist anzumerken: Paul Graham habe die volle Kontrolle über sein Medium – die von der Aufnahme bis hin zum Arrangement der Bilder für die Publikation in Büchern oder Ausstellungen reicht. Über seine Karriere hinweg habe er einen eleganten, gar lyrischen Stil entwickelt, der auf mit Feingefühl soziales Bewusstsein und politisches Engagement vereint. Und dem Experiment offen geblieben ist.

Wir finden die vielgestaltige Arbeit auf Paul Grahams Website. Auch als Taschenbuch kostet Shimmer of Possibility (Affiliate-Link) deutlich über 100 Euro. Etwas günstiger erhältlich sind End of an Age (Affiliate-Link) oder Europe, America (Affiliate-Link), Grahams neueste Arbeiten.

Paul Graham
Hasselblad-Stiftung

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Das Siegerbild, welches letzten Oktober in der New York Times abgebildet wurde, zeigt eine Frau in Vollschleier, die in einer zum Lazarett umgebauten Moschee in Sanaa ihren verletzten Sohn im Arm hält. Dieser leidet nach einer Demonstration während der Massenproteste gegen den inzwischen abgetretenen Herrscher Ali Abdullah Salih an den Folgen von Tränengas.

Das Bild ist in Inhalt und Farbgebung sehr schlicht gehalten: nur die beiden Protagonisten sind zu sehen. Die verschleierte Frau lässt aber auf den ersten Blick erahnen, dass es sich hier um eine Szene im Nahen Osten handeln muss. Sie trägt weisse Handschuhe, wie wir sie aus Spitälern kennen, diese lassen auf ein Lazarett schliessen. Man kann weder das Gesicht der Frau, noch das des verletzten Mannes erkennen und dennoch ist spürbar, dass der Mann leidet. Durch diese bildgestalterische Zensur behalten die beiden Menschen auf dem Bild ihre Anonymität – was sie noch zerbrechlicher scheinen lässt.

«Das Foto steht für die gesamte Region», begründete Jurymitglied Koyo Kouoh. Gemäss Jury symbolisiert die Fotografie die Proteste in Jemen, Ägypten, Tunesien, Libyen und Syrien und damit auch den gesamten arabischen Frühling.

Der Sieger ist ein 33-jähriger Fotograf aus Spanien. Mit 19 Jahren begann Aranda für spanische Zeitungen zu fotografieren und bereits in Alter von 21 Jahren reiste er erstmals in den Nahen Osten, um für die spanische Nachrichtenagentur EFE über den Israelisch-Palästinensischen Konflikt zu berichten. Heute arbeitet Samuel Aranda als freier Mitarbeiter für die New York Times und El Magazin de la Vanguardia und berichtet vom aktuellen Weltgeschehen aus Spanien, Pakistan, Gaza, Libanon, Irak, Palästina, Marokko, Westsahara und China.

World Press Photo dank Keystone in der Schweiz
Die Wanderausstellung mit diesem und weiteren prämierten Werken gastiert in rund 100 Städten in weltweit 45 Ländern. Keystone holt die Ausstellung World Press Photo vom 3. 5. 2012 bis 28. 5. 2012 zum fünften Mal nach Zürich – als eine der ersten Stationen der weltweiten Tournee. Grund genug, bei fokussiert den Mai zum Monat der Reportagefotografie zu ernennen. Mit verschiedenen Beiträgen zum Schwerpunkt Fotoreportage stellen wir bekannte Fotoreporter vor und zeigen den Alltag dieser Bildjournalisten auf.

Ausserdem verlosen wir 3×2 Tickets für die World Press Photo Ausstellung: Einfach diesen Artikel kommentieren und mit etwas Glück zwei Eintritte gewinnen.

Datum
03.05.2012 – 28.05.2012

Veranstaltungsort
im Papiersaal im Shilcity, 8045 Zürich

Eintrittspreise
Ausstellung: CHF 10.-, ermässigt CHF 5.-
Lecture und Ausstellung: CHF 15.-, ermässigt CHF 10.-
Kinder und Jugendliche bis 16 Jahre gratis

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Sony World Photography Awards 2012: Dreizehn aus 112.000 112.000 Einsendungen waren eingegangen, dreizehn hat die Jury der Sony World Photography Awards 2012 jetzt als die Besten der einzelnen Sparten ausgewählt. (10. April 2012) Oskar Barnack Preis 2011: Sieger ist Fotograf Jan Grarup Die Entscheidung ist gefallen: Der «Leica Oskar Barnack Preis 2011» geht an den dänischen Fotografen Jan Grarup. Die Jury wählte seine Fotostrecke «Haiti Aftermath» zum Sieger. Den zweiten Preis, den «Leica Oskar Barnack Nachwuchspreis 2011» erhält Jing Huang aus China für seine Fotoreportage «Pure of Sight». (20. Juni 2011) Alice Springs alias June Newton: Die Grippe von Helmut Alice Springs ist der Künstlername von June Newton. Weil ihr Mann Helmut Newton die Grippe hatte, sprang sie für ihn ein - und begann so mit ihrer eigenen Fotografie. (6. Juli 2010)

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Beim Thema “Im Bruchteil von Sekunden” gewann Tobias Bräuning aus Deutschland. Die beiden Gesamtgewinner des Offenen und des Jugendwettbewerbs werden erst bei der Gala am 26. April in London bekannt gegeben.

Die Sony World Photography Awards haben 2012 weltweit ein noch größeres Echo gefunden als in den vergangenen Jahren, so teilt der Veranstalter, die World Photography Organisation (WPO) mit. Die mehr als 112.000 Einsendungen gingen aus 171 Ländern ein.

Das sind die Gewinner der einzelnen Kategorien im Offenen Wettbewerb 2012:

• Architektur: Filippo Di Rosa (Italien)
• Kunst & Kultur: Sanket K (Indien)
• Bearbeitete Fotos: Victor Vargas Villafuerte (Mexiko)
• Schwieriges Licht: Natalia Belentsova (Russische Föderation)
• Natur & wilde Tiere: Giovanni Frescura (Italien)
• Panorama: Denise Worden (USA)
• Menschen: Ana Gregorič (Slowenien)
• Lächeln: Piotr Stasiuk (Polen)
• Im Bruchteil von Sekunden: Tobias Bräuning (Deutschland):
• Reisen: Krzysztof Browko (Polen)

Tobias Bräuning schreibt: “Vor allem mit der Tropfenfotografie habe ich mich in den letzten Monaten beschäftigt. Die Ergebnisse faszinieren mich immer wieder.” Der 29-jährige lebt im baden-württembergischen Reutlingen und fotografiert seit rund zehn Jahren. Mit seinem “Tropfen-Setup” erzeugt er mehrfarbige Wassertropfen. Wir finden eine Menge dieser Bilder auf Tobias Bräunings Website. Dort erklärt er uns auch ausführlich, mit welcher (meist selbstgebauten) Hardware er experimentiert und wie er die Bilder nachbearbeitet: Das geht von den Ventilen für die Tropfen über die Kameratechnik bis hin zur Beleuchtung, das Ganze gesteuert von einem selber programmierten Mikrocontroller für mehrere Blitze und mehrere Ventile. Aber “im Prinzip” ist ja alles einfach, wie Bräuning schreibt:

“Der erste Tropfen fällt ins Wasser. Dabei bildet sich zuerst ein Krater, danach springt aber das Wasser wieder nach oben und bildet eine Säule. Wenn die Säule ihren höchsten Punkt erreicht hat, löst sich manchmal sogar noch ein einzelner Tropfen von der Säule ab und springt noch weiter nach oben. Wenn nun auf die nach oben springende Säule ein weiterer Tropfen von oben fällt, weicht bei der Kollision das Wasser seitlich bzw. kreisförmig aus, es bildet sich das typische ‘Schirmchen’. Über den Zeitpunkt wann der zweite Tropfen die Säule trifft kann bestimmt werden, wie das ‘Schirmchen’ aussieht.”

Und im Jugendwettbewerb (bis 20 Jahre) heißen die Spartengewinner:

• Kultur: Kolyaskin Sergey (Russische Föderation)
• Umwelt: Bernard Pieterse (Südafrika)
• Porträts: Karina Sembe (Ukraine)

Wir finden die Galerie mit den Siegerbildern, auch der Zweit- oder Drittplatzierten auf der Website der World Photography Organisation. Die Sony World Photography Awards zeichnen jährlich die Werke etablierter Meister neben den Arbeiten der nächsten Fotografen-Generation aus. Am Offenen Wettbewerb kann jeder teilnehmen, der sich für Fotografie interessiert. Einstiegshürden gibt es keine. Beurteilt werden von der Jury lediglich die Einzelbilder der Teilnehmer. Insgesamt gibt es zehn unterschiedliche Themengebiete, bei denen ambitionierte Fotografen gegeneinander antreten, drei bei den Jugendlichen.

Als etablierter Meister wird in diesem Jahr für “außerordentliche Leistungen” der Amerikaner William Klein gewürdigt. Er gilt als einer der bedeutendsten und einflussreichsten Fotografen und Filmschaffenden des 20. Jahrhunderts. William Klein wurde in New York geboren und studierte in den Fünfzigerjahren zunächst bei Fernand Léger in Paris Malerei. Zur Fotografie kam er eher zufällig: Während er in Mailand ausstellte, fotografierte er Wandbilder, die er auf drehbare Paneele gemalt hatte, und begann fortan, die Fotografie als eine Möglichkeit der Weiterentwicklung seiner abstrakten Arbeiten zu erforschen. Klein, dessen Karriere sich mittlerweile über mehr als ein halbes Jahrhundert erstreckt, ist heute 83 Jahre alt. Er lebt und arbeitet in Frankreich.

World Photography Organisation
William Klein bei Wikipedia
Tobias Bräuning

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Das Kameramuseum in Vevey veranstaltet über Ostern Labortage für Jugendliche.

Heute betrachten wir unsere Bilder am Monitor, bestenfalls kommen sie aus dem Drucker. Da ist es eine ganz besondere Erfahrung, mit anzusehen, wie ein lichtempfindliches Papier in einer Schale entwickelt wird und wie von Geisterhand langsam ein Bild entsteht. Wahrlich ein Erlebnis – nicht nur für Jugendliche …

Diese Ostern veranstaltet das Fotomuseum in Vevey solche Labortage für Jugendliche, wo sie unter Aufsicht selbst ein Fotogramm erstellen können und dabei lernen, wie das chemische Bildverfahren funktioniert. In den Ausstellungsräumen rund um das grosse Labor wird die Geschichte der Fotografie von den Anfängen mit der Lochkamera bis zum heutigen digitalen Bild mit zahlreichen Exponaten dokumentiert.

Öffnungszeiten
Das Museum ist am Ostersonntag und Ostermontag, sowie regulär von Dienstag bis Sonntag von 11:00 bis 17:30 Uhr geöffnet. Das Fotolabor ist an den Wochenenden, Feiertagen und während den Schulferien von 11:00 bis 17:00 Uhr zugänglich.

Eintrittspreise
Erwachsene (Museum und Fotolabor): CHF 15.–
nur Museum CHF 8.–

Kinder CHF 7.– (Museum und Fotolabor)
(bis 16 Jahre ist die Museumsbesichtigung gratis)

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Ob Marlene Dietrich, Clark Gable, Marylin Monroe oder Anthony Quinn – Eve Arnold hatte sie alle vor der Linse. Mit 99 ist sie Anfang 2012 gestorben – Anlass für eine Hommage mit erster Ausstellung in Deutschland.

In München können wir also jetzt bis Anfang Juni eine Retrospektive des Lebenswerks von Eve Arnold sehen. Präsentiert werden ihre Reportagen – darunter “New York by Night”, “Harlem Fashion Shows” (1950), “Die ersten fünf Minuten im Leben eines Babys”, “Voodoo in Haiti”, “Malcolm X”, “Vogue Fashion Shows” (1977), ihre Reisefotografien aus Afghanistan, China und Indien sowie die besagten Starporträts. Besonders nahe war Eve Arnold dabei Marilyn Monroe,: Sie begleitete und fotografierte sie über einen Zeitraum von zehn Jahren. Nach den strengen Copyright-Richtlinien von Magnum dürfen wir nur zwei Fotos für diesen Beitrag verwenden. Aber im Portfolio auf der Magnum-Website finden sich gleich fünfzig Stück davon.

Über ihre Porträt-Arbeit gibt es von Eve Arnold folgendes Zitat:

Wenn ein Fotograf auf die Menschen vor der Kamera achtet und mit ihnen mitfühlt, ist viel gegeben. Der Fotograf ist das Instrument, nicht die Kamera.”

Eve Arnold wurde in Philadelphia, Pennsylvania, als Tochter russischer Einwanderer geboren. Ihre ersten Fotografien machte sie 1946 als Fotolaborantin in New York. Ab 1948 studierte sie dort Fotografie. Ab 1951 war sie für Magnum Photos tätig, 1957 wurde sie Vollmitglied. 1962 ging sie nach England, um ihren Sohn dort auf eine Schule zu geben. Seitdem lebte und arbeitete sie in England – abgesehen von sechs Jahren, die sie in Amerika und China verbrachte. 1995 wurde Eve Arnold vom International Center of Photography in New York (ICP) zum Master Photographer ernannt, die weltweit vielleicht renommierteste Auszeichnung und sozusagen der Olymp für Fotografen. Jetzt im April wäre sie 100 geworden.

All About Eve/amazon], der Band zu ihrem Lebenswerk, erschien Anfang 2012 im Verlag teNeues. Zur Ausstellung im Kunstfoyer der Versicherungskammer Bayern erschien bei Schirmer/Mosel ein Katalog mit Titel [amazon 382960601X]Eve Arnold – Menschen Orte Jahre: Hommage zum 100. Geburtstag (Affiliate-Link).

Eve Arnold. Hommage
Bis 3. Juni
Kunstfoyer der Versicherungskammer Bayern, Maximilianstraße 53, D-80530 München
+49 (0) 89 21 60-0, service@vkb.de
Geöffnet täglich 9 – 19 Uhr, an Feiertagen geschlossen, Eintritt frei

Eve Arnold bei Wikipedia
Kunstfoyer der Versicherungskammer Bayern

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Wir können schauen, ob wir dieses Paradox für uns selbst auflösen können: in Winterthur, wo aktuell das Lebenswerk der berühmten amerikanischen Fotografin gezeigt wird.

Diane Arbus hat seinerzeit in den Sechzigerjahren die Kunst der Fotografie umgekrempelt. Sie verwandelt uns besonders vertraut erscheinende Dinge in etwas Fremdes und deckt das Vertraute im Exotischen auf. “Ich glaube wirklich, es gibt Dinge, die niemand sehen würde, wenn ich sie nicht fotografiert hätte”, ist ein weiteres Zitat der Fotografin.

Die meisten ihrer Sujets fand Diane Arbus in New York – ihrer Heimatstadt, die sie sowohl etwas Vertrautes als auch ein fremdes Land erkundet und dabei die Menschen fotografiert, denen sie in den Fünfziger- und Sechzigerjahren begegnet. Für sie ist die Fotografie ein Medium, das sich mit den Fakten anlegt. Sie schuf damit hre zeitgenössische Anthropologie mit Porträts von Paaren, Kindern, Jahrmarktartisten, Nudisten, Mittelklassefamilien, Transvestiten, Eiferern, Exzentrikern und Prominenten.

In den Fünfzigerjahren verwendete Diane Arbus eine 35mm-Kamera. Ab 1962 begann sie dann, mit einer Rolleiflex 6×6 zu arbeiten. Sie erklärte diese Veränderung einmal damit, dass sie die Körnung satt habe und in ihren Bildern die echte Textur der Dinge erkunden wolle. Das 6×6-Format trug zur Verfeinerung ihres klaren und einfachen, formal klassischen Stils bei, der seither als ein Markenzeichen ihrer Arbeiten gilt.

Besonders beschäftigte sie sich mit mit den Riten ihrer MItmenschen, mit den Bräuchen und Zeremonien der Amerikaner:

“Ich möchte die beachtlichen Zeremonien der Gegenwart fotografieren, weil wir in unserem Leben im Hier und Jetzt dazu neigen, nur das Zufällige, das Nutz- und Formlose daran wahrzunehmen. Während wir bedauern, dass die Gegenwart nicht wie die Vergangenheit ist, und verzweifelt sind, ob sie jemals die Zukunft wird, lauern ihre unzähligen und unergründlichen Gewohnheiten auf eine eigene Bedeutung. Ich möchte sie sammeln, so wie jemandes Großmutter Marmelade einmacht, weil sie einmal so schön gewesen sein werden.”

“Weil sie einmal so schön gewesen sein werden”: Das Fotomuseum Winterthur zeigt jetzt eine Auswahl dieser Fotografien – rund 200, die es ermöglichen, die Ursprünge, den Umfang und das Streben einer ganz originellen Kraft in der Fotografie kennenzulernen. Die Ausstellung enthält neben den berühmten Aufnahmen auch viele Bilder, die noch nie öffentlich ausgestellt wurden.

Diane Arbus, Jahrgang 1923, nahm sich 1971 mit 48 Jahren das Leben. “Während ihrer nur knapp 15 Jahre dauernden Künstlerkarriere hat sie ein Werk geschaffen, dessen Stil und Inhalt ihr einen Platz unter den bedeutendsten und einflussreichsten Fotografen unserer Zeit sichert”, so kommentiert das Fotomuseum Winterthur. Ein Online-Fotobuch zu Diane Arbus zeigt ihre wichtigen Bilder. Der Buchklassiker erschien vor 40 Jahren bei Aperture und wurde 2011 bei Thames & Hudson neu aufgelegt: Diane Arbus: An Aperture Monograph (Affiliate-Link).

Diane Arbus
Bis 28. Mai
Fotomuseum Winterthur, Grüzenstrasse 44 + 45, CH-8400 Winterthur (Zürich)
+41 52 234 10 60, Infoline +41 52 234 10 34, fotomuseum@fotomuseum.ch
Geöffnet Dienstag bis Sonntag 11-18 Uhr, Mittwoch 11-20 Uhr, Karfreitag geschlossen; Ostern und Pfingsten geöffnet

Diane Arbus bei Wikipedia
Fotomuseum Winterthur

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In den Neunzigerjahren wurde dieser Alltag für viele zur existenziellen Überlebensfrage und Boris Mikhailov zeichnete diese “Krankengeschichte” auf.

Schon vorher unter dem Sowjetregime war der Alltag nicht gerade einfach. Diese Bedingungen spiegeln sich in der Entwicklung des Fotografen Boris Mikhailov, geboren 1938 in Charkov, Ukraine: Fotografie galt in der Sowjetunion nicht als Kunst. Wer mit künstlerischem Anspruch fotografierte, war entweder Amateur oder Journalist. Auch Boris Mikhailov trat während der Zeit des Sowjetregimes als Fotograf öffentlich nicht in Erscheinung. Er verzichtete jedoch nicht darauf, seine künstlerischen Neigungen auszuleben: So durfte er einen Kurzfilm über die Fabrik drehen, für die er als Ingenieur arbeitete. Als jedoch private Aktfotos wegen “pornografischen Inhalts” konfisziert wurden, kostete ihn das die Anstellung. Doch bereiteten die verbotenen Bilder seinen Weg jenseits des anerkannten sozialistischen Realismus’ hin zu einer künstlerisch freien Fotografie.

Der Hasselblad-Preisträger des Jahres 2000 experimentierte als fotografischer Autodidakt seit seinen Anfängen Mitte der Sechzigerjahre mit den vielfältigen Möglichkeiten des Mediums. Einerseits bearbeitete Mikhailov Fotografien mit künstlerischen Methoden, etwa Überblendungen oder Kolorierungen. In vielen anderen Serien dagegen blieb er bei einer dokumentarischen Herangehensweise. Über seine Arbeit sagte Boris Mikhailov:

“Meine Aufmerksamkeit zielt auf das Gewöhnliche und Alltägliche. Ich suche nach formalen Lösungen, dieses Alltägliche in der Fotografie abzubilden.“

Weil Boris Mikhailov während der Sowjetzeit nur inoffiziell im Privaten wirken konnte, begann sein Leben als international anerkannter Fotokünstler erst mit dem Zusammenbruch der Sowjetunion. Mit Hilfe von Stipendien konnte er im Ausland arbeiten und ausstellen. 1996 kam er ein Jahr nach Deutschland und pendelt seit dem Jahr 2000 zwischen seinem Wohnsitz in Berlin und der Ukraine, wo bis heute die meisten seiner fotografischen Arbeiten entstehen.

“Case History” – die Krankengeschichte – ist Mikhailovs vielleicht bekannteste Fotoserie. Wir erfahren dazu aus dem Begleittext zur Ausstellung:

Als Boris Mikhailov nach seinem Berlinaufenthalt 1997 nach Charkow zurückkehrte, fand er eine Stadt vor, die zwar aufgeräumt aussah und anderen europäischen Städten zunehmend ähnelte. Die soziale Schere aber war seit dem Zusammenbruch der Sowjetunion aufgeklappt; eine Mittelschicht gab es praktisch nicht mehr. Dafür hatte sich die Zahl der Obdachlosen drastisch erhöht. Alte Menschen und besonders Kinder hatten alles verloren: ihr Zuhause, ihre Zukunftsperspektive und den Respekt ihrer Mitbürger. Boris Mikhailov und seine Frau Vita näherten sich den Ausgestoßenen an, porträtierten sie und ließen sich von ihnen ihre Wunden und gebrochenen Körper zeigen. In den meisten Fällen bezahlten sie die Obdachlosen dafür. Die Drastik der Bilder der fast 400 Fotografien umfassenden Serie hat viele Betrachter verstört. Erste Präsentationen zogen eine Welle der Empörung nach sich. Boris Mikhailov jedoch wollte mit “Case History“ (Krankengeschichte, 1997-1999) nie provozieren. Ihm lag es vielmehr am Herzen ehrlich zu zeigen, in welchen Abgrund die ukrainische Gesellschaft nach dem Ende des Kalten Krieges gestürzt war und welches Leid jene erdulden mussten, die kein funktionierendes Sozialsystem auffing.

Unter dem Titel “Time is out of joint” – die Zeit ist aus den Fugen – sehen wir aktuell in Berlin einen Überblick über Mikhailovs Werk seit 1966 bis heute. Dazu erscheint Mitte März der Katalog Boris Mikhailov (Affiliate-Link), den die Berlinische Galerie im Distanz-Verlag herausgibt. Das Buch zur Serie “Case History” gibt’s derzeit nur zu Sammlerpreisen, dafür ist aber zum Beispiel das Buch zu The Hasselblad Award, 2000 (Affiliate-Link) günstiger erhältlich.

Boris Mikhailov: Time is out of joint. Fotografien 1966 – 2011
Bis 28. Mai
Berlinische Galerie, Alte Jakobstraße 124-128, D-10969 Berlin
+49 (0) 30-789 02-600, bg@berlinischegalerie.de
Geöffnet Mittwoch bis Montag 10 – 18 Uhr

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Berlinische Galerie

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Aber die Fotos von bizarren Vehikeln, Schaukelpferden, Mobiles und herumstehenden Buchstaben sind real, versichert Peikwen Cheng, nicht digital manipuliert oder erzeugt.

Das “Burning Man”-Festival in der Black Rock-Wüste in Nevada ist legendär. Peikwen Cheng erzählt im Interview mit der Kunstkritikerin Eileen Seifert:

Burning Man ist ein Ort der Selbstdarstellung. Eine experimentelle Gemeinschaft versammelt sich, um eine pulsierende Stadt zu imaginieren und aufzubauen, die nach einer Woche wieder spurlos verschwindet. Ich war am Aufbau von Kunstinstallationen, Art Cars und Sound Camps beteiligt. Diese Erfahrung war transformativ. Sie hat mich inspiriert, größere Träume zu verfolgen und mehr zu tun – auf aufgeschlossene und offenherzige Weise. Das Festival stellt eine sehr gemeinschaftliche Erfahrung dar (mit mittlerweile mehr als 50.000 Teilnehmern) und gleichzeitig eine sehr persönliche. Obwohl diese Serie während des Burning Man-Festivals fotografiert wurde, geht es nicht um Burning Man an sich. Es geht um die Teilhabe an meinen Träumen und den Träumen derer, die mich umgeben.

Kannst du das genauer erklären?

Träume sind etwas Persönliches und stellen die Reflektion der eigenen, inneren Gedanken, Fragen, Ängste und Wünsche dar. Ich werde nicht nur vom Traum an sich inspiriert, sondern auch von der Manifestation der eigenen Träume. Wie werden Träume in Realität verwandelt? “Lost and Found” (so heißen die Serie und die aktuelle Ausstellung im Berliner C/O, d. Red.) zeichnet den Weg an einen fernen Ort nach, wo Menschen uneingeschränkt ihre Wünsche verwirklichen können. Als Erwachsene haben wir oft das Gefühl, dieses oder jenes nicht tun zu können. Möglicherweise fühlen wir uns gebunden durch die Einschränkungen der “realen Welt“; als Kinder jedoch fühlen wir uns schrankenlos. Wir sind nur begrenzt durch unsere Vorstellungskraft. Innerhalb der Grenzen der „realen Welt“ erfindet man nur zu oft Ausreden und redet sich selbst ein, dass ein bestimmter Traum nicht mehr möglich ist. Durch die Fotografien soll sich der Betrachter auf einen Gedanken, eine Gefühlsregung einlassen.

Wir zitieren weiter aus dem Interview:

Welches Equipment hast du benutzt und warum hast du in Schwarz-Weiß fotografiert?

Ich habe mit 35-mm-Filmen (2000 – 2006) und mit Digitalkamera (2009 – heute) gearbeitet. Ich habe in Schwarz-Weiß fotografiert, weil ich das flüchtige Gefühl liebe, welches Schwarz und Weiß in der staubigen Wüste und dem gefilterten Licht hervorruft. Ich werde vom Licht angezogen. In der Wüste mit den wirbelnden Winden und der staubigen Luft gibt es ein magisches, gefiltertes Licht, das surreale Bedingungen schafft. Für mich veranschaulicht der Staub die Unschärfe oder die Klarheit von Gedanken und Erinnerungen sowie den innerlichen Raum. Ich halte mein Verfahren einfach. Ich nutze ein Stativ und einen Kabelauslöser (keine externe Lichtquelle). Ich werde oft gefragt, ob diese Bilder Collagen sind. Das sind sie nicht. Sie wurden traditionell aufgenommen und nur so viel wie nötig in der digitalen Dunkelkammer bearbeitet.

Peikwen Chengs (Jahrgang 1975) und Eileen Seiferts (Jahrgang 1977) Arbeit wird im Rahmen der Ausstellungsreihe “Talents” gezeigt. Das C/O fördert damit bereits seit 2006 angehende Fotografen und Kritiker, die sich an der Schwelle zwischen Ausbildung und Beruf befinden. Begleitet wird jede Einzelausstellung von einer Publikation, in der Bild und Text einen Dialog eingehen – das ist der Beitrag von Eileen Seifert.

Peikwen Cheng hat sich das Fotografieren selbst beigebracht. Bevor er sich der Kunst zuwandte, war er Produktdesigner. Er lebt in Peking. Wir finden die Wüstenträume und weitere Arbeiten auf Peikwen Chengs Website. Eileen Seifert studierte Kunstgeschichte, Deutsche Philologie und Kulturwissenschaft in Berlin. Sie beschäftigte sich mit avantgardistischen Bewegungen und Utopie-Konzepten und verfasst seit mehreren Jahren Texte und Kritiken zu Kunst und Musik. Derzeit arbeitet sie beim KUNST Magazin. Eileen Seifert lebt in Berlin.

Talents 26: Lost And Found – Peikwen Cheng / Eileen Seifert
Bis 24. April
C/O Berlin, Postfuhramt, Oranienburger Straße 35/36, D-10117 Berlin
+49 (0) 30-28 444 16 0, info@co-berlin.com
Geöffnet täglich 11 bis 20 Uhr

Peikwen Cheng
C/O Berlin

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Road Atlas: Spurensuche und Anregung Was macht die Faszination der Straßenfotografie aus? Der Bildband «Road Atlas - Straßenfotografie von Helen Levitt bis Pieter Hugo» (Hirmer Verlag) widmet sich diesen Fragen, indem er 166 Arbeiten von 29 Fotografen mit ihren jeweils eigenen Sichtweisen präsentiert. «Road Atlas» liefert keine fertigen Antworten, aber Hinweise. (4. März 2012) State of the Art Photography: Der Zustand der Fotokunst (29. Februar 2012) Wildlife Fotos des Jahres 2011: Stillleben in Öl "Stillleben in Öl" - so heißt das Wildlife-Foto des Jahres 2011, ausgewählt unter fast 41'000 Einsendungen aus 95 Ländern. (9. Januar 2012)

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Die Straßenfotografie ist Fotografie in ihrer wohl ursprünglichsten Form. Denn – so der einleitende Essay von Freddy Langer – Louis Jacques Mandé Daguerre machte seine ersten fotografischen Versuche, indem er 1838 seine Kamera auf den Pariser Boulevard du Temple richtete. Das Ergebnis:

«Road Atlas - Straßenfotografie von Helen Levit bis Pieter Hugo»

Fotostrecke starten: Klick auf ein Bild (9 Bilder)

Eine Sraßenfotografie. Durch die lange Belichtungszeit erscheint der belebte Boulevard menschenleer, nur ein Mann, der lange genug verharrte, ist noch zu sehen – und gibt Anlass für Fragen.

Bis heute hat die Straßenfotografie nichts von ihrer Faszination verloren. Wohl auch deshalb, weil sie so vieles vereint: Architektur, Landschaft, Menschen. Sie erlaubt Milieu- und Menschen-Studien, Dokumentation, zeit- und sozialkritische Aufnahmen. Sie vermittelt Ernst, schafft Betroffenheit oder kommentiert das Gesehene mit Humor und Ironie. Wie nur wenige andere fotografische Genres erlaubt die Straßenfotografie einen Blick auf die Zeit, die Verhältnisse und auf die Menschen. Sie ist Zeitdokument, Kommentar und Analyse. Das kann in der Stadt sein oder auf dem Land. Das kann spontan oder gestellt sein, heimlich oder offen geschehen, aus der Ferne oder durch unmittelbare Nähe.

«Mit der Straßenfotografie wird etwas weitergeführt, das im Impressionismus und Expressionismus sowie im Realismus Einzug in die Kunst hielt: das Leben auf der Straße abzubilden, so wie es ist; nicht als Historienbild, nicht als gestellte Szene, sondern den Alltag der Menschen beim Flanieren, am Wochenende oder beim Verrichten der täglichen Arbeit», so Mitherausgeberin Christina Leber.

Straßenfotografie ist in der Definition des «Road Atlas» Fotografie, die auf oder am Rande von Straßen, Wegen und Plätzen entsteht. Das ist meist spontan, aber manchmal auch inszeniert. Die Bilder handeln meist von Menschen, aber immer von den Spuren und Zeugnissen der Menschen – meist direkt, manchmal auch nur indirekt. Das zeigen die Arbeiten der 29 Fotografen aus 13 Ländern, die erstmals in dem Band vereint sind. Die Bilder reichen von Helen Levitt (1913-2009) bis zur Gegenwart mit Pieter Hugo (*1976). Jedem Fotograf ist ein halbseitiger einleitender Text gewidmet, in dem dessen Sicht interpretiert wird. Danach folgen meist zwei bis vier Fotos. So entsteht eine Zeitreise durch die vergangenen 70 Jahre in Japan, den USA, Deutschland und Europa.

Den Anfang der alphabetischen Anordnung macht der Japaner Nobuyoshi Araki mit seinen 1963 entstandenen Aufnahmen von spielenden Kindern in den Straßen Tokios. Es folgen unter anderem Ursula Arnold, René Burri, Arno Fischer, Robert Häusser, Barbara Klemm und Beat Streuli. Zu sehen sind auch die hollywoodähnlichen Inszenierungen eines Gregory Crewdson, die in Szene gesetzten Porträt-Aufnahmen in den Straßen amerikanischer Großstädte von Johnny H. C. Pack, die Wasseraufnahmen von Naoya Hatakeyama oder die Zeugnisse der Route 66 von Gerd Kittel.

«Kein anderes Genre ist in der Fotografie so schwierig, wie die Überhöhung und Mystifizierung des Alltags, mit dem Blick auf das vermeintlich Banale», heißt es zu den Arbeiten von Stephen Shore.

«Road Atlas» ist eine Spurensuche. Es ist der Versuch, sich diesem vielgestaltigen und ewig faszinierenden Genre zu nähern. Aber nicht in einem streng wissenschaftlichen Ansatz. Dafür waren die Vorgaben zu begrenzt. Denn der «Road Atlas» sollte aus den Beständen der DZ Bank Kunstsammlung entstehen. Aus dieser Sammlung wurden Arbeiten zum Thema Straße zusammengefasst und präsentiert.

Daher fehlen wichtige Ikonen der Straßenfotografie. Dennoch kann sich das Ergebnis in seiner Vielfalt und Breite sehen lassen. «Road Atlas» gibt auch Hinweise, warum bestimmte Aufnahmen zeitlos sind. Nicht alle künstlerische Positionen werden jeden Betrachter überzeugen. Nicht alle erheben sich für jeden Betrachter über das Banale. Dennoch lohnt sich ein Blick in den Band, der auch für die eigene Erkundungstour der eigenen Umwelt Anregungen liefert. Eine Tour, die zumindest in Deutschland, durch das Recht am eigenen Bild inzwischen ganz neue Grenzen erhalten hat.

«Road Atlas – Straßenfotografie von Helen Levitt bis Pieter Hugo» (Hirmer Verlag) (Affiliate-Link)
168 Seiten, 34,90 Euro

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Mitten im digitalen Wandel zeigen 41 Fotografinnen und Fotografen mit ihren Arbeiten eine Zustandsbeschreibung der Fotokunst. Ausgewählt wurden sie unter anderem von Andreas Gursky oder F.C. Gundlach.

“Die Zukunft liegt nicht in der reinen Fotografie, sondern in der freien Kunst”, so sieht es Andreas Gursky (fokussiert.com: Die “Strufskys”). Er war Teilnehmer am Advisory Board der Ausstellung “State of the Art Photography”. Neben ihm und Gundlach fragte das NRW-Forum außerdem Thomas Seelig, Andréa Holzherr, Thomas Weski, Udo Kittelmann und Werner Lippert nach den Fotografen, die die Diskussion der kommenden Jahre bestimmen werden.

Bei Durchsicht der Ausstellung lässt sich eine Renaissance der klassischen Fotografie-Themen wie Landschaft oder Porträt ablesen. Das hört sich erstmal nach nichts Neuem an. Aber die Blickwinkel und die Konzepte haben sich verändert. So scheinen etwa die Landschaftsbilder von Alex Grein ganz in der Nachfolge von Caspar David Friedrichs zu stehen. Die Bilder sind jedoch aus Fragmenten zusammengesetzt, die die Fotografin etwa bei Google Earth gefunden hat. Wir sehen diese Landschaften auch auf Alex Greins Website.

Ein weiterer Trend sind geradezu “wissenschaftliche” Bildkonzepte, wie eine Recherche auf den Spuren der Menschheit oder den Biografien von Jugendlichen. Diese Fotografien sind vergleichbar mit dem Ergebnis eines Wissenschaftlers und Forschers, sie sind von dokumentarischen Wert und bekennen sich zur ästhetischen Dimension.

So stellt etwas Sanna Kannistos regelrechte biologische Untersuchungen an. Mikhael Subotzky und Patrick Waterhouse erforschten den Wohnturm “Ponte City” in südafrikas Hauptstadt Johannesburug als Ikone der Skyline. Olaf Otto Becker beschäftigt sich mit den Spuren, die die wachsende Überbevölkerung in der Landschaft hinterlässt (fokussiert.com: Im Schlauchboot vor Grönland – und weitere Beiträge).

Zur Ausstellung erschienen ist der Bildband State of the Art Photography (Affiliate-Link), Verlag Feymedia, Düsseldorft 2012. Alle 41 Künstler werden vorgestellt, mit Bio- und Bibliografien und Abbildungen ihrer Arbeiten. Der Band ist damit ein Kompendium zum aktuellen Zustand der Fotokunst.

Weitere Künstler in der Ausstellung:
Peter Ainsworth, Laura Bielau, Miriam Böhm, Elina Brotherus, Bianca Brunner, Stefan Burger, Asger Carlsen, Katalin Deér, Martin Denker, Jan Paul Evers. Daniel Gordon, WassinkLundgren, Harry Gruyaert, Oliver Helbig, Ulrich Hensel, Stefan Hostettler, Pepa Hristova, Annette Kelm, Jeremy Kost, Mischa Kuball, Edgar Leciejewski, Tim Lee, Maziar Moradi, Armin Morbach,Taiyo Onorato / Nico Krebs, Rico Scagliola / Michael Meier, Anja Schori, Jeremy Shaw, Arne Schmitt, Jacob Aue Sobol, Kathrin Sonntag, Mikhael Subotzky / Patrick Waterhouse, Pinar Yolaçan, Anna Vogel, Moritz Wegwerth.

State of the Art Photography
Bis 22. Mai
NRW-Forum Kultur und Wirtschaft, Ehrenhof 2, D-40479 Düsseldorf
+49 (0)211-89 266 90, museum@nrw-forum.de
Geöffnet Dienstag bis Sonntag 11 – 20 Uhr, Freitag 11 – 24 Uhr

NRW-Forum Düsseldorf
Alex Grein

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Der Blick der Kriegsfotografen prägt dabei unsere “Ansichten” über aktuelles, gewaltsames Geschehen in Krisengebieten. Und oft nehmen wir des nur im “Vorbeischauen” wahr.

Deshalb ist es gut, sich im Rahmen einer Ausstellung einmal ganz konzentriert mit den Bildern einer Kriegsreporterin befassen zu können.

Die Deutsche Börse zeigt aktuell in Eschborn rund 70 Schwarzweiß-Fotografien, die in den letzten zehn Jahren in Afghanistan, Gaza, Libyen und dem Irak entstanden sind. Titel: “At War” – im Krieg. Die Fotojournalistin und Pulitzer-Preisträgerin 2005 Anja Niedringhaus hat die Krisengebiete im Auftrag der Agentur Associated Press (AP) bereist. Sie arbeitet meist mitten im Kriegsgeschehen und unter extremen Bedingungen.

Niedringhaus’ fotografischer Blick rückt dabei stets den Menschen ins Zentrum der Beobachtung. So entstehen einfühlsame Zeugnisse vom Alltagsleben der Menschen, von Gefangenen und Soldaten, die immer auch auf Gesten der Menschlichkeit und Hoffnung inmitten des Konflikts verweisen.

Anja Niedringhaus, Jahrgang 1965, ist seit 2002 für Associated Press von Genf aus tätig. In den letzten 20 Jahren war sie bei allen großen Konflikten im Einsatz – vom Balkan in den Neunzigerjahren bis zu den Kriegen im Irak, in Afghanistan und Libyen. Sie fotografiert nicht nur Krisen und Kriege, sondern auch sportliche und politische Ereignisse.

Als Katalog zur Ausstellung erschien jüngst bei Hatje Cantz in Ostfildern der Bildband At War (Affiliate-Link).

Anja Niedringhaus – At War
Bis 16. März
Deutsche Börse Group, The Cube, Mergenthalerallee 61, D-65760 Eschborn
+49 (0)69 211 1 32 83, art@deutsche-boerse.com
Die Ausstellung ist nur mit Anmeldung zur (kostenlosen) Führung zugänglich. Termine der Führungen auf der Website, Anfragen und Anmeldungen unter der genannten Telefonnummer oder E-Mail-Adresse

Anja Niedringhaus bei Wikipedia
Deutsche Börse Art Collection

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Allein für seine Serie “Sea” – das Meer – investierte der Amerikaner Mark Laita über zehn Jahre Zeit. Wir sehen seine Serien zu den Meerestieren, Schlangen und Vögeln aktuell in Berlin.

Seien es das vertraute Beisammensein eines Seepferdchens mit seinem Jungen, der intime Moment zweier Fahnenbarsche oder die anmutige Imposanz einer pazifischen Riesenkrake: Mark Laita zeigt die Bewohner Weltmeere in klar komponierten Stillleben.

Mark Laita benutzt eine aufwendige Aufnahmeinstallation, um die Tiere kompositorisch von ihrem Lebensraum abzutrennen und sie so in ihrer Gestalt, Farbenpracht und charakterlichen Besonderheiten zur Geltung zu bringen.

Für seine Serie “Serpentine” – Schlangen – fotografierte Mark Laita die giftigsten Schlangen – von der Korallenotter über die Milchschlange und Texas-Klapperschlange bis zur Schwarzen Kobra. Er will damit das Wesen dieser Tiere mit ihrer Schönheit, Unberechenbarkeit und Bedrohlichkeit zum Ausdruck bringen.

Im Gegensatz zu den Meeresbewohnern und den Schlangen sind die Vögel in der Serie “Amaranthine” – unvergänglich – bereits tot: präpariert und mit Zetteln an den Krallen, einsortiert in den Museen und den Archiven der Vogelkundler. Hier ist das Stillleben seiner kunstgeschichtlichen Herkunft nahe – der toten Natur, “natura morta”. Die Schönheit und farbige Pracht dieser Vögel bleibt uns also auf diese Weise unvergänglich erhalten.

Mark Laita, Jahrgang 1960, studierte unter anderem an der University of Illinois Fotografie. Danach zog er nach Los Angeles, um als Commercial Photographer für Unternehmen wie Mercedes-Benz, Visa und Adidas Fotokampagnen zu produzieren. Mark Laita war auch über viele Jahre für Werbeaufnahmen von Apple verantwortlich. 2011 veröffentlichte Laita einen Fotoband zur Serie “Sea” (Affiliate-Link)unter dem gleichnamigen Titel, der in den USA zu den elf besten Bildbänden des Jahres 2011 gekürt wurde. In deutscher Sprache erschien WasserFarben: Schönheit aus dem Meer (Affiliate-Link) bei Reich in Luzern. Voraussichtlich im zweiten Halbjahr 2012 wird das Buch zur Serie “Serpentine” erscheinen. Wir können uns diese Arbeiten auch alle auf Mark Laitas Website anschauen.

Mark Laita
Bis 17. März
Galerie Camera Work, Kantstraße 149, D-10623 Berlin
+49 30 31 00 77 – 3, E-Mail-Kontaktformular
Geöffnet Dienstag bis Samstag, 11 bis 18 Uhr. Eintritt frei.

Mark Laita
Galerie Camera Work

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Fast alle großen Fotografen des 20. Jahrhunderts haben Pablo Picasso im Bild festgehalten, unter anderem Richard Avedon, René Burri, Robert Capa, Herbert List, Dora Maar, Man Ray und Irving Penn. Sie alle haben Picasso seit 1916 immer wieder fotografiert, haben mit ihm Zeit verbracht. Manchmal nur sehr kurz, manchmal nur einmalig, manchmal aber auch öfter und über Jahre hinweg.

«Ichundichundich - Picasso im Fotoportrait

Fotostrecke starten: Klick auf ein Bild (7 Bilder)

Manche Bilder sind spontan entstanden oder dienen dokumentarischen Zwecken, manche sind bewusst inszeniert. Aber alle Fotografen eint ein Wunsch: dem Menschen und dem Phänomen Picasso mit der Kamera auf die Spur zu kommen. Das Ergebnis ist ein opulenter Bildband mit über 200 Fotos aus fünf Jahrzehnten, der interessante Einblicke in das Leben dieses spanischen Ausnahmekünstlers gibt.

Picasso war ein genialer Künstler und Selbstdarsteller – davon zeugen auch die Fotografien, die ihn zu einer der meistfotografierten Persönlichkeit des vergangenen Jahrhunderts machen. Die Bilder zeigen mal einen privaten, gelösten, sich unbeobachtet fühlenden Picasso, mal einen sich sehr bewusst in Szene setzenden.

Die Ausstellung und der Katalog «Ichundichundich» setzen sich vordergründig mit dem Spannungsverhältnis Fotograf und Subjekt auseinander, dem Spannungsverhältnis zwischen Selbstinszenierung und Aussensicht. Ein Spannungs- und Wechselverhältnis, um das jeder Fotograf weiß beziehungsweise wissen sollte.

Für Fotografen ist der Katalog noch in anderer Hinsicht äußerst wertvoll. Die Fotos sind Zeugnisse ihrer Zeit und des Künstlers, und sie sind in ihrer quantitativen wie qualitativen Fülle und Bandbreite eine wahre Fundgrube an Möglichkeiten, einen Menschen ins Bild zu setzen, ihn zu porträtieren. Die Arbeiten zeigen – in einem Band vereint – die vielfältigsten Möglichkeiten, einem Künstler und einem Menschen fotografisch auf die Spur zu kommen: Das kann einmal beim spontanen Schnappschuss geschehen, das kann bei einer inszenierten Aufnahme erfolgen oder erst später, wenn der Fotograf das Negativ und/oder den Abzug noch weiter bearbeitet. Der Katalog zeigt auch, wie sehr dabei verschiedene Facetten und Seiten betont werden, wie aber auch Gemeinsamkeiten herausgearbeitet werden.

Dies und der ausführliche Anhang, in dem alle Fotografen mit Kurzbiographien vorgestellt werden, machen «Ichundichundich» zu einem Katalog, der weit über die Ausstellung hinaus interessant und lehrreich ist.

«Ichundichundich – Picasso im Fotoportrait» (Hatje Cantz) (Affiliate-Link)
272 Seiten, 34 Euro

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Ohne das Laub reduzieren sich die Formen auf die Linien von Zweigen, Ästen, Stämmen. In Gestrüpp und Unterholz legt Emanuel Raab einen vielfältigen Formenreichtum offen.

Der Wald – das ist (nicht nur) in Deutschland ja viel mehr als eine Ansammlung von Büschen und Bäumen. Seit je her – und ganz besonders seit der Romantik – ist er ein geheimnisvoller, einsamer, undurchdringlicher, dunkler, gefährlicher – eben ein mythischer Ort und ein Objekt der (modernen) Natursehnsucht. Obwohl Waldsterben und Klimawandel die Wälder bedrohen, es hierzulande fast keinen natürlich gewachsenen Wald mehr gibt, bleibt er doch weiter als Zuflucht bestehen.

Emanuel Raabs Winterwald knüpft an diese Vorstellungen an, wird zur aktuellen Ausstellung in der Berliner Alfred-Ehrhardt-Stiftung mitgeteilt. Seine Bilder einer scheinbar undurchdringlichen Natur wirken entrückt und voller Geheimnis. Eine melancholische Poesie überzieht die winterlichen Ansichten, in der der Keim des nächsten Erwachens unter der Oberfläche schlummert. Gleichzeitig scheint im Dickicht der Natur eine latente Bedrohung herauf. Darin kann man sich verirren, vielleicht verloren gehen. Nichts weist einen Weg.

Bei intensiverer Betrachtung der winterlichen Landschaft offenbart sich also ein überraschend detailreiches Formen- und Strukturgefüge, das sich dem Wesenhaften des Waldes nähert. Hinter der scheinbaren Unförmigkeit von des Dickichts entfaltet sich der Formenreichtum der Natur, die ihrer eigenen Gesetzmäßigkeit folgt. Der scheinbar “toten Natur” stellt Emanuel Raab die Vielfalt der organischen Erscheinungsformen gegenüber und entführt den Betrachter in eine verborgene Sphäre einer ihm vermeintlich bekannten Welt.

Emanuel Raab studierte in Darmstadt Fotografie und Film und ist seit 2001 Professor für Fotografie und Bildmedien an der FH Bielefeld. Er lebt und arbeitet in Wiesbaden. Der Winterwald (Affiliate-Link) ist auch als Bildband erschienen: Kehrer-Verlag Heidelberg, 2011. Auf Emanuel Raabs Website finden wir neben der Winterwald-Serie noch weitere Projekte.

Emanuel Raab – Winterwald
Bis 29. April
Alfred-Ehrhardt-Stiftung, Auguststraße 75, D-10117 Berlin
+49 (0)30-200953-33, info@alfred-ehrhardt-stiftung.de
Geöffnet Dienstag bis Sonntag 11 – 18 Uhr, Donnerstag 11 – 21 Uhr

Emanuel Raab
Alfred-Ehrhardt-Stiftung Berlin

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Es sind also nur zum Schein Fassadenausschnitte, die Carlo d’Orta da festhält. Wir können die Bilder aktuell bis Mitte Februar in Stuttgart sehen.

Carlo d‘Orta ist fasziniert von der Welt im Zerrspiegel moderner Architektur, wie die Ausstellungsmacher mitteilen. Das Gegenüber ist meist nicht sauber gespiegelt, sondern verfremdet, verzogen, verbogen.

Denn auch die Gläser moderner Bauten sind keineswegs perfekt planparallel, sondern den jeweiligen inneren Spannungen folgend gewölbt. Mal nach außen, mal nach innen, mal in Kombinationen davon. Dadurch entstehen grafische Verfremdungen des Abgebildeten – in Farbe und Form. Spiegelbilder ermöglichen im buchstäblichen “Augen-Blick” des Fotografen grafische Variationsmöglichkeiten wie sonst selten. Das Ergebnis ist also genau das, was der Fotograf sehen “wollte”.

Carlo d’Orta, Jahrgang 1955, ist als Fotograf Autodidakt. Er studierte Jura und gehört als Regierungsrat seit 1979 dem Abgeordnetenhaus in Rom an. Er hat dort unter anderem zum Beispiel das Nationale IT-Zentrum der öffentlichen Verwaltung geleitet. Seit 30 Jahren beschäftigt er sich nebenher mit der Fotografie, erhielt schon einige Preise und zeigte seine Arbeiten in vielen Ausstellungen. Wir finden die Spiegelungen und andere Arbeiten auch auf Carlo d’Ortas Website (in englischer und italienischer Sprache).

Carlo d’Orta – Spiegelungen
Bis 17. Februar
Fotogalerie f75, Filderstraße 75, D-70180 Stuttgart
+49 (0)172-71 78 77 6, info@f-75.de
Geöffnet Donnerstag und Freitag 15 – 19 uhr und jederzeit nach Anmeldung unter der genannten Telefonnummer

Carlo d’Orta
Fotogalerie f75

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