Fast alle großen Fotografen des 20. Jahrhunderts haben Pablo Picasso im Bild festgehalten, unter anderem Richard Avedon, René Burri, Robert Capa, Herbert List, Dora Maar, Man Ray und Irving Penn. Sie alle haben Picasso seit 1916 immer wieder fotografiert, haben mit ihm Zeit verbracht. Manchmal nur sehr kurz, manchmal nur einmalig, manchmal aber auch öfter und über Jahre hinweg.

«Ichundichundich - Picasso im Fotoportrait

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Manche Bilder sind spontan entstanden oder dienen dokumentarischen Zwecken, manche sind bewusst inszeniert. Aber alle Fotografen eint ein Wunsch: dem Menschen und dem Phänomen Picasso mit der Kamera auf die Spur zu kommen. Das Ergebnis ist ein opulenter Bildband mit über 200 Fotos aus fünf Jahrzehnten, der interessante Einblicke in das Leben dieses spanischen Ausnahmekünstlers gibt.

Picasso war ein genialer Künstler und Selbstdarsteller – davon zeugen auch die Fotografien, die ihn zu einer der meistfotografierten Persönlichkeit des vergangenen Jahrhunderts machen. Die Bilder zeigen mal einen privaten, gelösten, sich unbeobachtet fühlenden Picasso, mal einen sich sehr bewusst in Szene setzenden.

Die Ausstellung und der Katalog «Ichundichundich» setzen sich vordergründig mit dem Spannungsverhältnis Fotograf und Subjekt auseinander, dem Spannungsverhältnis zwischen Selbstinszenierung und Aussensicht. Ein Spannungs- und Wechselverhältnis, um das jeder Fotograf weiß beziehungsweise wissen sollte.

Für Fotografen ist der Katalog noch in anderer Hinsicht äußerst wertvoll. Die Fotos sind Zeugnisse ihrer Zeit und des Künstlers, und sie sind in ihrer quantitativen wie qualitativen Fülle und Bandbreite eine wahre Fundgrube an Möglichkeiten, einen Menschen ins Bild zu setzen, ihn zu porträtieren. Die Arbeiten zeigen – in einem Band vereint – die vielfältigsten Möglichkeiten, einem Künstler und einem Menschen fotografisch auf die Spur zu kommen: Das kann einmal beim spontanen Schnappschuss geschehen, das kann bei einer inszenierten Aufnahme erfolgen oder erst später, wenn der Fotograf das Negativ und/oder den Abzug noch weiter bearbeitet. Der Katalog zeigt auch, wie sehr dabei verschiedene Facetten und Seiten betont werden, wie aber auch Gemeinsamkeiten herausgearbeitet werden.

Dies und der ausführliche Anhang, in dem alle Fotografen mit Kurzbiographien vorgestellt werden, machen «Ichundichundich» zu einem Katalog, der weit über die Ausstellung hinaus interessant und lehrreich ist.

«Ichundichundich – Picasso im Fotoportrait» (Hatje Cantz) (Affiliate-Link)
272 Seiten, 34 Euro

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Ohne das Laub reduzieren sich die Formen auf die Linien von Zweigen, Ästen, Stämmen. In Gestrüpp und Unterholz legt Emanuel Raab einen vielfältigen Formenreichtum offen.

Der Wald – das ist (nicht nur) in Deutschland ja viel mehr als eine Ansammlung von Büschen und Bäumen. Seit je her – und ganz besonders seit der Romantik – ist er ein geheimnisvoller, einsamer, undurchdringlicher, dunkler, gefährlicher – eben ein mythischer Ort und ein Objekt der (modernen) Natursehnsucht. Obwohl Waldsterben und Klimawandel die Wälder bedrohen, es hierzulande fast keinen natürlich gewachsenen Wald mehr gibt, bleibt er doch weiter als Zuflucht bestehen.

Emanuel Raabs Winterwald knüpft an diese Vorstellungen an, wird zur aktuellen Ausstellung in der Berliner Alfred-Ehrhardt-Stiftung mitgeteilt. Seine Bilder einer scheinbar undurchdringlichen Natur wirken entrückt und voller Geheimnis. Eine melancholische Poesie überzieht die winterlichen Ansichten, in der der Keim des nächsten Erwachens unter der Oberfläche schlummert. Gleichzeitig scheint im Dickicht der Natur eine latente Bedrohung herauf. Darin kann man sich verirren, vielleicht verloren gehen. Nichts weist einen Weg.

Bei intensiverer Betrachtung der winterlichen Landschaft offenbart sich also ein überraschend detailreiches Formen- und Strukturgefüge, das sich dem Wesenhaften des Waldes nähert. Hinter der scheinbaren Unförmigkeit von des Dickichts entfaltet sich der Formenreichtum der Natur, die ihrer eigenen Gesetzmäßigkeit folgt. Der scheinbar “toten Natur” stellt Emanuel Raab die Vielfalt der organischen Erscheinungsformen gegenüber und entführt den Betrachter in eine verborgene Sphäre einer ihm vermeintlich bekannten Welt.

Emanuel Raab studierte in Darmstadt Fotografie und Film und ist seit 2001 Professor für Fotografie und Bildmedien an der FH Bielefeld. Er lebt und arbeitet in Wiesbaden. Der Winterwald (Affiliate-Link) ist auch als Bildband erschienen: Kehrer-Verlag Heidelberg, 2011. Auf Emanuel Raabs Website finden wir neben der Winterwald-Serie noch weitere Projekte.

Emanuel Raab – Winterwald
Bis 29. April
Alfred-Ehrhardt-Stiftung, Auguststraße 75, D-10117 Berlin
+49 (0)30-200953-33, info@alfred-ehrhardt-stiftung.de
Geöffnet Dienstag bis Sonntag 11 – 18 Uhr, Donnerstag 11 – 21 Uhr

Emanuel Raab
Alfred-Ehrhardt-Stiftung Berlin

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Es sind also nur zum Schein Fassadenausschnitte, die Carlo d’Orta da festhält. Wir können die Bilder aktuell bis Mitte Februar in Stuttgart sehen.

Carlo d‘Orta ist fasziniert von der Welt im Zerrspiegel moderner Architektur, wie die Ausstellungsmacher mitteilen. Das Gegenüber ist meist nicht sauber gespiegelt, sondern verfremdet, verzogen, verbogen.

Denn auch die Gläser moderner Bauten sind keineswegs perfekt planparallel, sondern den jeweiligen inneren Spannungen folgend gewölbt. Mal nach außen, mal nach innen, mal in Kombinationen davon. Dadurch entstehen grafische Verfremdungen des Abgebildeten – in Farbe und Form. Spiegelbilder ermöglichen im buchstäblichen “Augen-Blick” des Fotografen grafische Variationsmöglichkeiten wie sonst selten. Das Ergebnis ist also genau das, was der Fotograf sehen “wollte”.

Carlo d’Orta, Jahrgang 1955, ist als Fotograf Autodidakt. Er studierte Jura und gehört als Regierungsrat seit 1979 dem Abgeordnetenhaus in Rom an. Er hat dort unter anderem zum Beispiel das Nationale IT-Zentrum der öffentlichen Verwaltung geleitet. Seit 30 Jahren beschäftigt er sich nebenher mit der Fotografie, erhielt schon einige Preise und zeigte seine Arbeiten in vielen Ausstellungen. Wir finden die Spiegelungen und andere Arbeiten auch auf Carlo d’Ortas Website (in englischer und italienischer Sprache).

Carlo d’Orta – Spiegelungen
Bis 17. Februar
Fotogalerie f75, Filderstraße 75, D-70180 Stuttgart
+49 (0)172-71 78 77 6, info@f-75.de
Geöffnet Donnerstag und Freitag 15 – 19 uhr und jederzeit nach Anmeldung unter der genannten Telefonnummer

Carlo d’Orta
Fotogalerie f75

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Architekturfoto: M.C. Eschers Fotografien Abbildungen der Realität wirken bisweilen surrealer als kreative Verfremdungen. An solchen Motiven sollte man sich jedenfalls ausgiebig versuchen. (16. August 2011) Nachstadtaufnahme: Lichterzauber mit Spiegelung Nächtliche Stadtansichten bieten viele Möglichkeiten. Besonders reizvoll sind Ansichten mit Wasseranteilen und Spiegelung. (18. März 2011) Architektur: Gegensätze auf mehreren Ebenen Gebäude bieten als fotografische Motive mehr als viele Linien und Flächen für die Komposition. Sie bieten Spielraum für historische und ästhetische Kontraste. (27. Oktober 2010)

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Die Trilogie “Habitat” fasst die drei oben genannten Schauplätze zusammen – und wir können diese Bilder aktuell in einer Ausstellung im Kölner Forum für Fotografie sehen. In “Case Study Houses“ porträtiert Bialobrzeski die ärmlichen Behausungen des unmittelbar am Strand von Baseco, nahe dem Hafen Manilas zwischen zwei Containerterminals entstandenen Shantytown, so teilt das Forum für Fotografie mit.. Trotz der Ärmlichkeit dieser notdürftig aus Zivilisationsmüll und Strandgut zusammengeschusterten Hütten spricht aus diesen baulichen Improvisationen ein unbezwingbarer Gestaltungswille, der von der Unermüdlichkeit der Menschen zeugt, sich ein Zuhause zu schaffen und sich darin, so gut es eben geht, wohnlich einzurichten.

Die 2009 entstandene Serie “Informal Arrangements“ widmet sich den Innenräumen der Slumhütten von Kliptown. An diesem Ort beschloss 1955 der “Volkskongress“ die Freiheitscharta, die Demokratie, Gleichberechtigung und Menschenrechte forderte. Diese Charta der Anti-Apartheid-Bewegung gehört bis heute zu den politischen Basisdokumenten des ANC, dessen 100. Geburtstag im Januar eben gefeiert wurde. Bialobrzeskis Fotografien stellen fest, es habe sich zwar politisch etwas getan, ökonomisch jedoch nur sehr wenig.

In seiner neuesten Serie “Nail Houses“ zeigt Peter Bialobrzeski Aufnahmen von baufälligen Häusern in China, die zum Abriss freigegeben sind. Die Ruinen sind aber doch noch bewoht, sie weisen durch ein Licht im Fenster oder einen Lichtreflex unter der Tür darauf hin. Als “Nail Houses” bezeichnet man in China Häuser, deren Bewohner bis zuletzt den Abriss ihres Heims zu verhindern suchen.

Mit dem Erich-Salomon-Preis 2012 ehrt die Deutsche Gesellschaft für Photographie (DGPh) nach ihrem Bekunden einen der profiliertesten und engagiertesten deutschen Photographen, der seit fast 20 Jahren beharrlich die Welt mit der Kamera beschreibt und interpretiert. Zugleich gelte die Ehrung auch einem einflussreichen Photolehrer und Autor, der stets die theoretische Auseinandersetzung mit dem Medium Fotografie gesucht und auch hier wesentliche Akzente gesetzt habe. Gesellschaftliche Relevanz sei ihm genauso wichtig wie die ästhetische Verführung.

Auch wenn Menschen auf seinen Bildern nur selten zu sehen sind, so geht es doch immer um sie, so die DGPh in ihrer Würdigung: Um die Art, wie sie leben und wie sie die Welt verändern oder die Welt sie verändert. Dabei sieht sich der Fotograf eher als Archivar in einer Ära der ständigen Veränderung. Er ist daran interessiert, wie die Dinge von heute als Vergangenheit aussehen, will sich im wahrsten Sinne des Wortes selbst ein Bild machen, die Deutung jedoch dem Betrachter überlassen. Hier steht er in der Tradition eines Walker Evans, zu dem er Bezüge sieht oder Bernd und Hilla Becher, von denen er sich aber in seiner fotografischen Pracht und künstlerischen Absicht abgrenzt.

Peter Bialobrzeski, Jahrgang 1961, begann seine internationale Karriere Ende der 80er Jahre bei renommierten Magazinen wie Stern, Telegraph Magazine, ZeitMagazin und Geo. Er lebt in Hamburg und arbeitet rund um die Welt an seinen zahlreichen Projekten. Neben zahlreichen anderen Preisen erhielt Peter Bialobrzeski 2003 und 2010 den World-Press-Photo Award ausgezeichnet. Seit 2002 ist er Professor für Fotografie an der Hochschule für Künste Bremen. Auch seine Bücher wurden mehrfach preisgekrönt, so 2004 mit dem Deutschen Fotobuchpreis für “Neon Tigers“ und 2006 für “Heimat“. Wir können uns die Serien auch auf Peter Bialobrzeskis Website anschauen. Besonders schön ist auch der Bildband Lost in Transition (Affiliate-Link) (Hatje Cantz-Verlag, Ostfildern 2007). Sein aktuellstes Buch The Raw and the Cooked (Affiliate-Link)erscheint Ende Januar ebenfalls bei Hatje Cantz: Dort präsentiert er eine Essenz aus seinen Beobachtungen der asiatischen Megastädte und deren Slums.

Peter Bialobrzeski – Habitat
Bis 11. März
Forum für Fotografie, Schönhauser Straße 8, D-50968 Köln
+49 (0) 221-340 18 30, mail@forum-fotografie.info
Geöffnet Mittwoch bis Freitag 14 – 18 Uhr, Samstag 12 – 18, Sonntag 12 – 16 Uhr

Peter Bialobrzeski
Forum für Fotografie Köln
Deutsche Gesellschaft für Photographie

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Mario Giacomelli: Orte, Landschaften, Seelenzustände Mario Giacomellis Bilder entstanden im kleinen Radius seiner italienischen Heimat und gingen doch um die Welt. (31. Dezember 2011) Meeresbild: Menschen am Strand Mit ganz einfachen Mitteln können sehenswerte Fotos entstehen. Wenn die Perspektive und das Licht stimmt. (20. Dezember 2011) «İstanbulum»: Eine vorsichtige Annäherung Wer «İstanbulum» ansieht, braucht Zeit - genauso wie es Zeit braucht, um Istanbul, den Handlungsort dieses Bildbandes, zu entdecken. Zeit, die sich auszahlt. (12. Dezember 2011)

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Axel Pfennigschmidt fotografiert Fragmente von dem, was einmal auf Häuserwände geklebt, gemalt oder gesprayt wurde. Unter seinem Blick entstehen daraus abstrakte, malerische Bilder.

Axel Pfennigschmidt nimmt seine Bilder in Städten wie Marrakesch, Buenos Aires, Kapstadt, New York, Rom oder Berlin auf. Plakatreste und andere Hinterlassenschaften in verschiedenen Schichten werden im Spiel von Licht und Schatten zu Collagen.

Axel Pfennigschmidt ließ sich dabei von den Collagen der Kunstbewegung Nouveau Réalisme aus den Sechzigerjahren inspirieren. Die “Neuen Realisten” von damals setzten ihre Collagen aus abgerissenen Plakatstücken oder Zeitungsausrissen zusammen, und es ging ihnen um die “Trivialität” dieser Dinge. Pfennigschmidts Close-Ups sind dagegen real vorhanden (wenn nicht mehr, dann zumindest gewesen). Sein Prinzip ist nicht: „aus Alltäglichem Schönheit machen“. Sondern: „das Alltägliche” ist bereits “Schönheit“.

Bewusst bearbeitet Axel Pfennigschmidt die Bilder nicht digital. Alle Motive, Ausschnitte und Farben belässt er so, wie er sie vor Ort vorgefunden hat. Nur die Vergrößerung der Realität ist für ihn legitim: Damit will er die Aufmerksamkeit des Betrachters in die Ebene des zweiten Blicks auf diese Dinge führen. Die Serie heißt auch “The 2nd Glance”.

Seit seinem Studium arbeitet Axel Pfennigschmidt als Fotograf. Nach dem Diplom an der Universität der Künste in Berlin war er für mehrere Jahre für verschiedene Kommunikationsagenturen in Hamburg, Frankfurt, New York und London tätig. Seit 2006 ist er Mitglied des Kreativ-Netzwerks Pulk mit Sitz in Berlin. Wir finden die Bilder aus der Serie “The 2nd Glance” auf Axel Pfennigschmidts Website und aktuell in einer Ausstellung in der Villa Kennedy in Frankfurt/Main.

Axel Pfennigschmidt – The 2nd Glance
Bis 30. März
Villa Kennedy, Kennedyallee 70, D-60596 Frankfurt (Main)
+49 (0)69 717 120, Info.villakennedy@roccofortehotels.com

Axel Pfennigschmidt
Villa Kennedy – Rocco Forte Hotels

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Natur in Abstraktion: Einfach gespiegelt Für herausragende Fotos braucht man letztlich nur eines: ein gutes Auge. (3. Januar 2012) Amazonen: Lebenskraft pur Der Bildband «Amazonen - Das Brustkrebsprojekt von Uta Melle» (Kehrer Verlag) ist eine Wucht. Fotografisch, wie inhaltlich. Ein Buch, das schonungslos eine Seite des Lebens präsentiert, die oft genug verdrängt wird. (20. November 2011) Landschaftsfotografie: Bilder machen statt aufzunehmen Die Kamera sieht anders als das Auge: Das ist oft ein Vorteil der Fotografin, bisweilen aber auch ein fast unüberwindbares Hindernis. (4. Oktober 2011)

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— C36daily — Der tägliche Newsletter für die Schweizer ICT-Community. Schnell, aktuell und auf den Punkt. Jetzt abonnieren und immer up-to-date sein. — Textanzeige —

Im zweiten Jahr in Folge war auch die Öffentlichkeit zur Abstimmung über ihre Lieblingsbilder aufgerufen. Das gefiel besonders Jurymitglied Thomas Gerwers, Chefredakteur der Fachzeitschrift ProfiFoto: «So findet der Wettbewerb nicht im stillen Kämmerlein statt, sondern alles ist transparent.»

«Hasselblad Masters 2012

Fotostrecke starten: Klick auf ein Bild (11 Bilder)

Die Gewinner werden jetzt eine Bildserie zu dem Thema «evoke» (Vorstellungen erzeugen, evozieren) erstellen. Sie sollen ihre individuellen Ansichten zu diesem Thema bildlich umsetzen.

Die Ergebnisse werden der Öffentlichkeit im September im Rahmen der photokina in einer Sonderausstellung präsentiert. Ebenfalls zur photokina erscheinen die Bilder der diesjährigen Preisträger in Buchform mit dem Titel «Masters Vol. 3 – EVOKE».

(mit Material von Hasselblad)

Weitere Informationen über die neuen Masters 2012 und ihre Fotos unter: www.victorbyhasselblad.com

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Deutscher Fotobuchpreis 2012: Neues Lesefutter für Fotofans Neues Lesefutter für Fotofans: Der Deutsche Fotobuchpreis 2012 ist an 23 Bücher verliehen worden – an Bildbände und Sachbücher, an zeitgenössische Fotografen und an Klassiker-Ausgaben. (23. November 2011) Foto des Monats: Lola und die Ballons Den Fotowettbewerb vom Oktober gewinnt Sally Lazic mit Lola und den Ballons im Park. (18. November 2011) Foto des Monats: Unerhört reduziert Schwarz-Weiss-Bilder stehen hoch im Kurs. Franz Bogners reduziertes Schilfgras hat im August das Rennen der fokussiert-Konkurrenz gemacht. (28. September 2011)

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Der Spanier Daniel Beltrá hat es fotografiert und darf den Titel “Wildlife Photographer 2011″ tragen. Auch Deutsche und Schweizer sind bei den Gewinnern der “Oscars” für die Naturfotografen.

Der Wettbewerb “Veolia Environnement Wildlife Photographer of the Year” wird alljährlich vom Londoner Natural History Museum und dem BBC Wildlife Magazine veranstaltet und gilt international als “State of the Art” in der Naturfotografie für Profis wie Amateure. 108 Fotos hat die Jury beim Wettbwerb 2011 als Gewinner der 17 verschiedenen Kategorien oder mit der Bezeichnung “highly recommended” – sehr empfohlen – ausgezeichnet.

Daniel Beltrá hatte eine Serie über die Ölverschmutzung am Golf von Mexiko eingereicht. Das Bild mit den acht ölverschmierten Pelikanen entstand in einer Station in Fort Jackson, Louisiana, wo gerettete Vögel gereinigt werden. Beltrá gewann als Profi in der Kategorie “Wildlife Photojournalist of the Year”.

Der Förster Klaus Echle aus Freiburg im Breisgau wurde für das Porträt einer Füchsin ausgezeichnet. Dazu gibt es folgende Beschreibung:

Die Füchse, die Klaus im Schwarzwald in der Nähe seiner Wohnung in Freiburg sieht, wahren gewöhnlich Distanz, obwohl sie nicht gejagt werden. Eines Tages begegnete er einer Füchsin, die in seiner Gegenwart erstaunlich gelassen schien. Allmählich lernten sie einander kennen. Klaus legte Wert darauf, an feuchten oder nebligen Tagen in diesen Teil des Waldes zu gehen. Er erklärt: “Das Licht ist dann so besonders. Manchmal habe ich die Füchsin wochenlang nicht gesehen. Doch wenn sich unsere Wege kreuzten, hat sie meine Gegenwart toleriert.” Mit der Zeit gestattete sie Klaus ihr zu folgen, oft für eine lange Zeit. Klaus sagt, dass er mit diesem Bild beabsichtigte, den Eindruck zu erzeugen, wie man sich im Wald fühlt, und zu zeigen.

Thomas P. Peschak (Deutschland und Südafrika) schoss das Bild “Window on new life” auf der südafrikanischen Malgas-Insel, wo bis ins 19. Jahrhundert Guano abgebaut wurde. Inzwischen haben die Wildtiere sich die Insel zurückerobert. Das Foto entstand an einem Fenster der alten Gebäude, in dem Tauben hausen – die Vögel bewohnen nun die menschlichen Relikte. Peschak wurde noch mit einem weiteren Bild ausgezeichnet: Lachse, die sich unterhalb eines Wasserfalls zum Sprung sammeln. Thomas Peschak klemmte sich unter dem schnell fließenden Wasser in einer Felsspalte fest und hing dort mehr als zwei Stunden, während er auf den Moment wartete, in dem sich genug Lachse angesammelt hatten, um das Bild auszufüllen.

Sandra Bartocha aus Potsdam gewann in der Kategorie “Pflanzen und Pilze” mit ihrem Bild “Vorboten des Frühlings”. Die Schneeglöckchen fotografierte sie am Tollensesee in Mecklenburg. Sie sagt: “Das ist meine Lieblingszeit, wenn die ersten Schneeglöckchen erscheinen. Wenn ich sie sehe, schmeckt die Luft plötzlich frischer und die Sonne fühlt sich ein wenig wärmer an.” Auch für ihr Bild einer Orchidee – des “Zungenstendels” mit “Hasenschwanzgras” verwendete sie eine “In-Camera-Double Exposure”-Funktion, um die Sanftheit des Motivs zu erhalten. Die Scharfeinstellung nimmt sie auf die beiden verschiedenen Schichten innerhalb des Bildes vor. Die Kamerasysten ist eine Nikon D 700 und ein ziemlich ungewöhnliches Objektiv: ein Meier Görlitz Trioplan 100mm. Ihr findet übrigens die technischen Daten aller Bilder in den jeweiligen Bildlegenden der Großansichten.

Die Schweizerin Alessandra Meniconzi wurde für ihr Foto von einer Oase in der Wüste Gobi lobend hervorgehoben. Dazu wird geschrieben:

China ist die zweite Heimat von Alessandra. Seit Kindertagen bereist sie das Land und besucht dessen entlegenste und wildeste Teile, oft mit dem Fahrrad oder per Autostopp. Auf einem Trip durch das Innere der Mongolei reiste Alessandra auch in den Alxa Desert Geopark in der Wüste Gobi, wo es die weltweit höchsten Sanddünen gibt und mehr als 140 Seen aus unterirdischen Quellen und wo es ein Zentrum gibt zur Erforschung der Wüstenbildung. Als sie auf die höchste Düne kletterte, bot sich ihr eine atemberaubender Anblick der Oase. “So etwas hatte ich noch nie gesehen, tausende von kleinen windgeformten Dünen verschmolzen zu einer hohen und der See verdoppelte die Szene durch seine Reflexion. Ich fühlte mich verloren in einem riesigen Ozean aus Sand. Die einzigen Geräusche waren ein sanftes Pfeifen des Windes und der frühmorgendliche Gesang der Vögel. Ich fühlte mich wie neu geboren.

Unter den jungen Fotografen wurde Mateusz Piesiak aus Polen als Wildlife Photographer des Jahres 2011 ausgewählt. Er startete in der Altersgruppe elf bis 14 Jahre. Sein Foto der Austernfischer enstand am Strand von Long Islang, New York. Er betitelte es mit “Pester Power”, was mit “Quengelei” ungefähr übersetzt ist, und die folgende Geschichte gibt es dazu:

Mateusz hatte sich sich so in das Beobachten der quengelnden Vögel vertieft, dass er gar nicht merkte, wie die Flut zurückkam, bis eine große Welle über ihn hinwegschwappte. “Ich schaffte es gerade noch, die Kamera hochzuhalten. Ich war nass und es war kalt, aber ich hatte mein Bild.

Alle diese und noch viel mehr, teils wirklich wunderbare Bilder finden wir auf der Website des “Veolia Environnement Wildlife Photographer of the Year”. Die Ausstellung ist im Londoner Natural History Museum bis März zu sehen. Termine für Ausstellungen in den deutschsprachigen Ländern gibt es für das Jahr 2012 bisher leider keine, wären aber noch möglich. Aktuelles dazu gibt’s auf der Website. Die Publikation zum aktuellen Wettbewerb mit allen ausgezeichneten Bildern ist unter dem Titel Wildlife Photographer of the Year Portfolio 21 (Affiliate-Link) in englischer Sprache erschienen. Die Einsendefrist für den nächsten Wettbewerb 2012 ist seit Dezember geöffnet und endet am 23. Februar 2012.

Veolia Environnement Wildlife Photographer of the Year

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Naturfotografie: Blumen mit Wasserkraft Es scheint paradox: Blumen zu fotografieren sollte sehr einfach sein. Aber gelungene Blumenbilder sind eine Herausforderung. Hier wurde die Blume in einem Zustand fotografiert, den nicht jeder Fotograf sofort nachmachen kann. (26. Oktober 2011) Langzeit-Wasserfall: Ein- und Ausfluss beachten Fliessendes Wasser ist ein ideales Motiv für Langzeitbelichtungen. Dabei sollte man beachten, dass das Wasser in der Komposition Raum zum fliessen hat. (21. Oktober 2011) "Wüstenbild" mit Tiefe: Auf den Standort kommt es an Der Fotograf hat Kontrolle darüber, was seinen Weg ins Bild findet, auch wenn das manchmal einen Fußmarsch und Warten erfordert. (11. Oktober 2011)

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Grobe Körnung, Unschärfen, Über- und Unterbelichtung – Giacomellis Fotos verstoßen gegen gängige technische Standards. Er verbindet damit grafische Wirkung und realistische Darstellung – diese Seelenzustände, die er damit ausdrücken wollte.

Mario Giacomelli begann Anfang der Fünfzigerjahre zu fotografieren. Bereits 1964 verhalf ihm eine Ausstellung im Museum of Modern Art in New York zu internationaler Bekanntheit, wie die Ausstellungsmacher mitteilen. 1998 war er immerhin im Pariser Louvre zu sehen. Und das, obwohl seine Arbeiten in dem schmalen Radius in und rund um seine Heimat Senigallia in der Region Marken entstanden ist.

Über seine spezielle Methode der technischen Bildgestaltung sagte Mario Giacomelli:

“Das Unscharfe, das Lebhafte, die Körnung, das sich verschluckende Weiß, das geschlossene Schwarz – all dies ist wie eine Explosion der Gedanken und gibt ihnen ein dauerhaftes Bild. In der Fotografie treffen Harmonie des Materials und Realität aufeinander und dokumentieren in ihrer ewigen Wiederkehr das Drama des Lebens.“

Mario Giacomelli fasst seine Einzelbilder zu Bildserien zusammen, bestimmt immer wieder neu deren Abfolge und nimmt so Bezug auf das Medium der Erzählung. In Geschichten – so Giacomelli – lassen sich eher Ideen entwickeln als in Einzelbildern. Die Serie „lo non ho mani che mi accarezzino il viso“ – “Ich habe keine Hände, die mein Gesicht streicheln“ , entstanden zwischen 1961 und 1963, bildet tanzende, spielende, arbeitende und musizierende Priester ab. Allen Bildern gemein ist das Moment der körperlichen, ausgelassenen Bewegtheit. In der Wiederholung dieses Moments formt sich Giacomellis Idee eines Geistlichen als ganzheitliches Wesen. Die Priester auf seinen Bildern unterdrücken entgegen der vatikanischen Lehre eben nicht ihre Körperlichkeit und ihre Affekte.

Vor diesem religiösen Hintergrund sind auch die Serien „Verrà la morte e avrà i tuoi occhi“ – “Es wird der Tod kommen und er wird deine Augen haben“ (1955 bis 1956), “Vita d’ospizia” – Bilder aus dem Altenheim in Senigallia und “Lourdes” – Reisen der Hoffnung (1957 und 1966) zu verstehen, in denen Leiden, Krankheit, Aufopferung, Sterben und Vergehen in ihrer Körperlichkeit erfahrbar werden. In der Draufsicht und der Reduzierung auf reines Schwarz und Weiß werden die Figuren zu schwirrenden Flecken auf weißem, unbestimmten Grund. Giacomelli verbindet so auf seine einzigartige Weise eine abstrakt flächenhafte und grafische Inszenierung mit einer realistischen Darstellungsweise. Neben den genannten Serien sind in der Berliner Ausstellung Aufnahmen aus Scanno zu sehen, dem Dorf in den Abruzzen, das schon Cartier-Bresson faszinierte sowie perspektivisch ungewöhnliche Landschaftsaufnahmen. Mit “La buona terra” präsentiert die Schau einen Bildessay über das Leben der Landarbeiter.

Mario Giacomelli, sagte über seine Arbeit:

“Jedes Foto ist wie ein Bild von mir, der Boden hier (Anmerkung: in Senigallia) ist wie ein Spiegel, von dem ich reflektiert werde. Ich bin mit diesem Boden verbunden, ich möchte ihn bewahren, aber gleichzeitig möchte ich auch mich bewahren… Auf diesem Foto herrscht Trauer, denn die Trauer steckt in mir, in meinem Charakter.“

Mario Giacomelli lebte von 1925 bis 2000. Auf der offiziellen Website für Mario Giacomelli können wir uns die Bilder anschauen und erfahren etwas mehr, wenn wir die italienische Sprache lesen können. Das Willy-Brandt-Haus und das Italienische Kulturinstitut Berlin konnten jetzt hundert Originalfotografien von Mario Giacomelli aus der Zeit zwischen 1952 und 1980 ausleihen und zeigen sie aktuell in Berlin. Einen Bildband gibt’s bei Phaidon Press in englischer Sprache – Titel Mario Giacomelli (Affiliate-Link).

Fotografien von Mario Giacomelli – Orte, Landschaften, Seelenzustände
Bis 22. Januar 2012
Willy-Brandt-Haus, Stresemannstraße 28, D-10963 Berlin
+49 (0) 30-259 93 787, E-Mail: Kontaktformular

Mario Giacomelli – offizielle Website (italienisch)
Mario Giacomelli bei Wikipedia
Willy-Brandt-Haus Berlin

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Dokumentation: Störende Wellen Eine auf Aussage getrimmte Fotografie verlangt eine konsequente Komposition. Gegensätze sind dabei ein sinnvolles Werkzeug. (16. Dezember 2011) Konzeptfoto: Geschwindigkeit als Ausdruck Geschwindigkeit und Bewegung kann auf verschiedene Arten fotografisch dargestellt werden. Eine effektive Möglichkeit ist immer wieder die Langzeitbelichtung von fahrenden Autos. (28. November 2011) Yto Barrada: Zwischen Poesie und Politik Ihre Heimatstadt Tanger und die Sehnsucht der jungen Marokkaner nach Freiheit und Wohlstand - das sind die Themen von Yto Barrada in Bildern zwischen Poesie und Politik. (23. Mai 2011)

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Pellegrin will “Aufzeichnungen für unser kollektives Gedächtnis schaffen”, schrieb er einmal selbst. Wir sehen Rückblicke auf seine “Aufzeichnungen” der letzten zehn Jahre aktuell in München und Innsbruck.

Von der Welt, in der wir nicht leben, erfahren wir das meiste durch die Medien. Menschen riskieren ihr Leben, um für ihre Freiheit zu demonstrieren und an die Weltöffentlichkeit zu appellieren. Paolo Pellegrin sieht sich dabei in der Rolle und in der Verantwortung eines Zeugen. Er sucht den direkten Kontakt zu den Menschen im Elend, in Kriegsgebieten, in gefährlichen, unberechenbaren Situationen. Der gebürtige Römer zeigt Sympathie und Respekt für die vielen Namenlosen. In seinen Aufnahmen kommen die grausame Wirklichkeit und die fotografische Komposition zusammen zu drastischen, glaubwürdigen und teilnehmenden Bildern.

Paolo Pellegrin will seine Fotografien offen halten, wie er auf der Magnum-Website ausdrückt: “Unfertige Fotografie interessiert mich mehr, eine andeutendes Bild, das eine Diskussion oder einen Dialog auslösen kann. In geschlossene, fertige Bilder gibt es keinen Weg hinein.”

Bilder allein genügen jedoch noch nicht zum ganzen Verständnis seiner Aufzeichnungen der harten Wirklichkeiten. Deshalb ergänzt Paolo Pellegrin seine Bilder um “glaubwürdige”, schriftliche Erfahrungsberichte und Kommentare – in seinen vielen Büchern zum Beispiel oder auch als als Kolumnist im ZeitMagazin. Seine Reportagen erscheinen regelmäßig im New York Times Magazine und in der Newsweek.

Paolo Pellegrin, Jahrgang 1964, hat vor der Fotografie Architektur und Kunstgeschichte studiert. Bisher gewann er schon acht Mal beim World Press Photo Award und ist seit 2005 Mitglied der Fotoagentur Magnum. Dort auf der Website von Magnum finden wir das Portfolio von Pellegrin, auch einige Bücher. Wegen der strengen Copyright-Regeln von Magnum dürfen wir hier bei fokussiert.com nur zwei Fotos von ihm zeigen.

In der aktuellen Retrospektive bei der Bayrischen Versicherungskammer in München sind auch ganz aktuelle Arbeiten zu sehen, wie die zwölf Meter breite Foto-Installation über die Katastrophe von Fukushima oder die Demonstrationen auf dem Tahrirplatz in Kairo. Einen weiteren Überblick über Pellegrins Arbeit gibt es unter dem Titel “Dies Irae” – Tag des Zorns – im Fotokunst Stadtforum Innsbruck bis 14. Januar 2012. Das Buch Dies Irae (Affiliate-Link) erschien 2011 im Contrasto-Verlag.

Paolo Pellegrin - Retrospektive
Bis 20. Februar 2012
Kunstfoyer der Versicherungskammer Bayern, Maximilianstraße 53, D-80530 München
+49 (0) 89- 21 60-0, service@vkb.de
Geöffnet täglich 9 – 19 Uhr, an gesetzlichen Feiertagen geschlossen, Eintritt frei.

Paolo Pellegrin – Dies Irae
Bis 14. Januar
BTV Fotokunst Stadtforum Innsbruck, Stadtforum 1, A-6020 Innsbruck
+43 (0)50 53331417, info@btv-fokus.at
Geöffnet Montag bis Freitag 11 – 18 Uhr, Samstag 11 – 15 Uhr

Pellegrin bei Magnum
Ausstellungen der Versicherungskammer Bayern
BTV Fotokunst Stadtforum Innsbruck

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Paolo Pellegrin: Der Zeuge des Leidens Als Zeuge des Leidens und manchmal des Todes anderer empfindet sich Paolo Pellegrin. Der Magnum-Fotograf stellt in Mannheim aus. (30. September 2008) Thomas Hoepker:Sein Lebenswerk Thomas Hoepkers Lebenswerk gibt es vom 14. Juni an den ganzen Sommer über in Oberhausen zu sehen: Fotografien aus fünf Jahrzehnten. (14. Juni 2008) Paolo Woods/Serge Michel: Der wirkliche Iran Wie leben die Menschen im Iran wirklich - ungeachtet aller Vorurteile? Das wollten Paolo Woods und Serge Michel mit ihrer Arbeit "Land des Lachens - Land der Tränen" herausfinden. (7. Dezember 2011)

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Weinberger fotografiert denselben Ort zweimal – bei Tag und bei Nacht. Das Übereinanderblenden beider Aufnahmen ergibt diese malerische Verschmelzung, die ihrem Wesen nach immer noch Fotografien sind.

Beim Betrachter ergibt sich jedoch eine Desorientierung: Ist es Tag oder Nacht? Ähnlich wie bei René Magritte bekommen die Bilder eine surreale Wirkung. Thomas Weinberger sagt dazu:

Wo Fotografie ihrem Wesen nach nach “Wahrheit” und “Realität” zu streben scheint, wollte ich eine Verdichtung von Zeit und Licht. Also Dichtung statt Wahrheit. So führe ich den Anspruch der Abbildung von “Realität” ad absurdum, der zumindest teilweise und in Abgrenzung zur Malerei, von der Fotografie gefordert, oder besser gesagt ihr unterstellt wird.

Einer der Kernaspekte der Fotografie – das Festhalten eines Augenblicks – entfällt in Weinbergers Arbeiten jedoch komplett. Über seine Arbeit sagte er in einem Interview:

Der Ursprung meiner Synthesen-Serie war zwar durch die Reflexion über das Medium Fotografie an sich geprägt, aber ich hätte sicher nicht daran weitergearbeitet, wenn das Ergebnis meines Spiels mit Licht und Zeit mich nicht emotional bewegt hätte. Ich finde die Lichtstimmung in meinen Arbeiten ähnelt einem schwülen Sommertag, an dem ein Gewitter aufzieht: Die Gewitterwolken verdunkeln den Himmel, und trotz des Tageslichts schalten die Sensoren die Straßenlaternen an. Ich erlebe in solchen Momenten ein befreiendes Gefühl der Desorientierung und gleichzeitig der Vorfreude auf ein Schauspiel zerstörerischer Naturkräfte, die den aufgeheizten Sommertag kühlen und klären. Für mich ein surreales Bild von großer Schönheit.

Und über sein Lebensgefühl, das sich darin ausdrückt:

In gewisser Weise entspricht diese Stimmung auch meinem generellen Lebensgefühl der letzten Jahre. Die auf den Finanzmärkten – gerade wieder in diesen Tagen – heraufziehenden Gewitterwolken drohen den Konsens unserer Gesellschaft zu beschädigen. Es ist Zahltag, aber die Staaaten haben das Geld für die Party der letzten Jahre ausgegeben. Die westlichen Industrienationen stecken in einer systemischen Krise, aber Politiker mit nationalem Mandat haben keine Lösungen für globale Probleme. Ich möchte allerdings nicht als Weltuntergangsprophet missverstanden werden, sondern hoffe, dass dieses bevorstehende Gewitter eine abkühlende und klärende Wirkung haben wird für eine Gesellschaft, die ich in vieler Hinsicht als “aufgeheizt” empfinde.

Thomas Weinberger, Jahrgang 1964, ist von seiner Ausbildung her Architekt, lebt und arbeitet in München. Die Bilder sind unter dem Titel “Licht und Zeit” aktuell in Berlin ausgestellt. Wir finden sie und andere Arbeiten auch auf Thomas Weinbergers Website.

Thomas Weinberger: Von Licht und Zeit
Bis 31. Dezember
Galerie Martin Mertens, Brunnenstraße 185, D-10119 Berlin
+49 (0) 30-44043350, info@martinmertens.com
Geöffnet Dienstag bis Samstag 13 – 18 Uhr und nach Vereinbarung (von 21. bis 26. Dezember geschlossen)

Thomas Weinberger
Galerie Martin Mertens

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«Man tut gut daran, hier der Täuschung gleich als Freundin und nicht als Feindin zu begegnen, denn sie bleibt eine ständige Begleiterin: Die vermeintlich typisch türkische Süßigkeit kommt aus Syrien, in den Basaren werden unter internationalen Labelnamen «türkische Originale» angeboten, und die schönsten Frauen entpuppen sich als Männer», schreibt einleitend Réka Gulyás und ergänzt: «Es dauert seine Zeit, bis sich ein Raumgefühl einstellt, bis man sich im Gewirr dieser orientalischen Weltstadt zurechtfindet.»

«İstanbulum»

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Andrea Künzig hat sich diese Zeit genommen. Sie hat sich für die Menschen Zeit genommen, hat sich ihnen behutsam genähert. Sie lebt in dieser Stadt, streift immer wieder durch ihre Straßen und Gassen und hält Momente in Fotografien fest.

Die Aufnahmen sind Bilder einer professionellen, erfahrenen Fotojournalistin. Ungestellt, unbearbeitet, den Augenblick einfangend. Sie halten Alltagsszenen fest, heben sie damit aus dem Lauf der Zeit heraus und richten den Blick auf die Menschen, ihre Umgebung und die Wechselwirkung. Sie machen damit Istanbuls Stellung zwischen Tradition und Moderne, zwischen Islam und Christentum, zwischen Europa und Asien deutlich.

Zum Beispiel das Titelbild. Hier sitzen junge und alte Frauen, mit und ohne Kopftuch zusammen, blicken auf den Bosporus, reden miteinander. Und direkt neben ihnen sitzt ein Paar, das öffentlich seine Zuneigung zeigt.

Istanbul wandelt zwischen den Zeiten und den Welten. Istanbul und seine Einwohner sind nicht zu fassen. Es ist nur eine vorsichtige Annäherung möglich. «Das Schlüsselwort zu Istanbul ist eher die Zeit als der Raum. Die Seele der Stadt fließt durch die Zeit hindurch», meint Oya Baydar in ihrem Nachwort.

Andrea Künzig hält diese Zeit in Alltagsszenen fest: der Wasserträger, die Parade, die Demonstranten. Straßen- und Stadtbilder, das Leben auf den Straßen, morgens, mittags, abends und nachts. Und immer wieder der Bosporus, diese Lebensader der Stadt – die gleichzeitig Grenze und Nahtstelle ist.

«İstanbulum» ist ein sensibler, unspektakulärer Bildband. Er ist ein persönliches Album und eine ausführliche Fotoreportage über die Stadt und ihre Menschen, Die Bilder sind durch den gemeinsamen Aufnahmeort vereint. Sie erzählen keine stringente Geschichte, sondern werfen immer wieder Schlaglichter auf die Menschen und ihre Leben. Schlaglichter, die sich zu einem Gesamten fügen. Ein schöner Bildband, der das moderne Istanbul einfängt, abseits von Touristenattraktionen und gängigen Klischees.

«Es ist das Gesetz des Lebens: Die Zukunft besiegt stets die Vergangenheit, die Hoffnung die Nostalgie. Istanbul ist die Stadt, in der die Nostalgie der Vergangenheit sich der Hoffnung der Zukunft geschlagen gibt», so Oya Baydar.

Andrea Künzig: «İSTANBULUM» (Kehrer Verlag) (Affiliate-Link)
128 Seiten, 36 Euro

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In 45 Einzelporträts haben der Fotograf Woods und der Journalist Michel ein Puzzle dieser Kulturnation mit dem Image eines “Schurkenstaates” geschaffen. Ihr Buch vereint Bilder und Interviews. Die Fotos sind aktuell in Köln ausgestellt.

“Walk on my Eyes” hat Paolo Woods seine Porträtserie mit englischem Titel genannt:.

“Wandle auf meinen Augen“ – das ist eine der vielen blumigen Redensarten, mit denen die Iraner ihrem Gegenüber Ehrerbietung und Respekt ausdrücken; er ist eine Floskel, die “Höflichkeit und Heuchelei in den Rang eines Kunstwerks erhebt“,

sagt der Schweizer Journalist Serge Michel darüber.

Als Mahmoud Ahmadinejad 2005 zum iranischen Staatspräsidenten gewählt wurde, begannen Woods und Michel ihr Buchprojekt, für das sie der Verbindung zwischen Glück und Islam im Iran nachspürten, so wird dazu mitgeteilt. Es entstand ein fotografisches und sprachliches Porträt von Iranerinnen und Iranern. Es zeigt reiche Händler, junge Rebellen, mächtige Mullahs, Popstars und Prostituierte – ein ganzes Puzzle des modernen Iran.

Die Fotografien und Texte geben einen Einblick in eine Gesellschaft, die sich weit differenzierter und humaner zeigt, als die stereotypen Bilder über das Land zu sagen scheinen. Paolo Woods und Serge Michel befragten die Menschen über ihren Alltag, das Glück und andere Befindlichkeiten und zeigen, dass es trotz sozialer Diskriminierungen und politischer Repression ein ganz normales, also auch glückliches Leben im Iran gibt. Und das unterscheidet sich nicht so sehr von dem in anderen Ländern. Glück bedeutet für die Iraner vor allem Familie und die Freiheiten, die sie sich im Privaten erlauben.

Paolo Woods und Serge Michel blickten mitten in einer politisch turbulenten Zeit – die Entstehung der “Grünen Opposition”, der “Wiederwahl“ Ahmadinejads – bewusst auf das Unspektakuläre und Alltägliche. Sie grenzen sich damit ab von einem Fotojournalismus, der sich in erster Linie für die Darstellungs des Leids, von Gewalt und Unterdrückung interessiert.

Ihr Werk macht deutlich, dass die “schlechten Nachrichten” nur ein Ausschnitt der komplizierten Realität sind, nur ein Aspekt des Lebens neben vielen anderen, ohne die das Bild vom Iran einseitig, schief oder falsch ist. Die klare Sprache von Paolo Woods lädt den Betrachter ein, zu verweilen und Details zu entdecken. Diese erlauben einen kaum bekannten Blick in die iranische Gesellschaft.

Paolo Woods, 1970 in Amsterdam geboren, ist als Sohn einer holländischen Mutter und eines kanadischen Vaters in Italien aufgewachsen. Heute lebt und arbeitet er auf Haiti. Ende der Neunzigerjahre lernte er den Magnum-Fotografen Paolo Pellegrin kennen und begleitete diesen in den Kosovo. Von dort aus reiste Woods nach Albanien und andere Länder für eine erste Fotoreportage (“Un Monde de Brut“). Seither konzentriert Woods seine Arbeit auf Langzeit-Projekte wie “Chinafrica“ oder “American Chaos“. Die realisiert er stets zusammen mit dem Schweizer Journalisten Serge Michel. Wir können uns die Bilder auf Paolo Woods Website anschauen. Der deutschsprachige Bildband Land des Lachens – Land der Tränen (Affiliate-Link)ist 2011 im Riemann-Verlag erschienen.

Paolo Woods – Walk on my Eyes
Bis 18. Dezember
Forum für Fotografie, Schönhauser Straße 8, D-50968 Köln
mail@forum-fotografie.info, +49 (0) 221-340 18 30
Geöffnet Mittwoch bis Freitag 14 – 18 Uhr, Samstag 12 – 18 Uhr, Sonntag 12 – 16 Uhr

Paolo Woods
Forum für Fotografie Köln

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Die Namen reichen von Slim Aarons bis Piet Zwart. Dazwischen finden sich natürlich Größen wie (die Auswahl ist nicht repräsentativ) Ansel Adams, Nobuyoshi Araki, Diane Arbus, Richard Avedon, Werner Bischof, Robert Capa, William Claxton, Peter Lindbergh, Man Ray, Robert Mapplethorpe, Helmut Newton, Irving Penn, Bettina Rheims, Leni Riefenstahl, Jeanloup Sieff, Bert Stern, Mario Testino, Ellen von Unwerth, Andy Warhol, Bruce Weber und viele, viele mehr. «Aufnahme gefunden haben (…) Fotografinnen und Fotografen, deren Beitrag zu einer Kultur des fotografischen Bildes außer Frage steht, deren Werk international rezipiert, präsentiert und diskutiert wird – durchaus auch kontrovers», so der Herausgeber Hans-Michael Koetzle.

Der Münchener Publizist Hans-Michael Koetzle hat sie alle in dem Buch versammelt und stellt sie auf ein oder zwei Seiten vor. Es gibt einen nüchternen, lexikalischen Text mit den wichtigsten Lebensdaten, ein Zitat, das den Fotografen und seine Bedeutung verortet. Hinzu kommt eine Auswahl der wichtigsten Ausstellungen sowie Publikationen. Natürlich gibt es auch Bildbeispiele. In diesem Fall als Faksimiles aus Büchern und Zeitschriften. Sie vermitteln einen Eindruck vom künstlerischen Schaffen sowie von dessen Präsentation.

Fotografen A-Z

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Das Ergebnis ist ein prachtvoller Über- und Einblick in die Fotografie des 20. und des 21. Jahrhunderts rund um den Globus. Wobei der Schwerpunkt natürlich auf Europa und den USA liegt.

«Fotografen A-Z» soll, so Koetzle in seinem Vorwort, «Lexikon und Tafelband in einem, nützliches Nachschlagewerk und zugleich sinnliches Erlebnis» sein. Das ist dem Herausgeber und dem Taschen Verlag gelungen. Die Bilder vermitteln einen ersten Eindruck vom Schaffen der Fotografinnen und Fotografen. Die Texte ermöglichen eine erste Orientierung und geben Hinweise, für die Reise in die Tiefe. Das ist angesichts der Fülle und Vielfalt der Fotografie schon eine enorme Leistung – und sowohl für Anfänger, als auch für Profis der Fotoszene eine wichtige und schön gestaltete Hilfe.

«Fotografen von A-Z» erlaubt das kursorische Blättern und hilft den eigenen Horizont zu erweitern. Kurz: Es ist eine gelungene und schön gestaltete Einladung, die Welt der Fotografie neu und weiter zu entdecken.

Hans-Michael Koetzle: «Fotografen A-Z» (Taschen Verlag) (Affiliate-Link)
444 Seiten, € 49,99

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Amazonen: Lebenskraft pur Der Bildband «Amazonen - Das Brustkrebsprojekt von Uta Melle» (Kehrer Verlag) ist eine Wucht. Fotografisch, wie inhaltlich. Ein Buch, das schonungslos eine Seite des Lebens präsentiert, die oft genug verdrängt wird. (20. November 2011) Mona Kuhn: Behutsame, intime Akte Mona Kuhn ist mit «Bordeaux Series» (Steidl Verlag) ein Akt-Fotobuch gelungen, in dem die Nacktheit wieder das ist, was sie immer war: Das natürliche Kleid des Menschen und kein Mittel, um Skandale und Aufmerksamkeit zu provozieren. (2. November 2011) Bieler Fototage: Der Zahn der Zeit Die Bieler Fototage feiern dieses Jahr ihren 15. Geburtstag. Und wenn das auch noch nicht so sehr alt ist, so lautet das Thema dieses Mal doch: " Le temps fait son oeuvre (der Zahn der Zeit)". (9. September 2011)

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«Mit Freunden über die Welt zu philosophieren, sich Geschichten zu erzählen und die Zukunft zu erträumen – das war ein Stück angenehmer, anregender Alltag in der DDR. Nacktheit war Teil des Lebensgefühls und bedeutete Freiheit, Ungezwungenheit und Selbstbestimmtheit», schreibt Herausgeber Hans-Jürgen Korn in seinem Vorwort. Und gegen Ende ergänzt er: «Aktfotografie in der DDR war kein Aufreger, sondern Anreger für Geist, Seele und Herz – erotischer Genuss, der nicht als Anzüglichkeit missverstanden wurde. Wie das Nacktbaden und der FKK-Strand gehörte sie zum ungezwungenen ostdeutschen Alltag.»

«Schöne Akte - Fotografien aus der DDR»

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24 namhafte DDR-Fotografen hat Korn in dem Bildband versammelt und alphabetisch geordnet. Jedem Abschnitt ist ein Zitat des Künstlers und der Künstlerin vorangestellt, in dem sie ihre Intention erklären. Auf den 192 Seiten entsteht so ein weiterer Einblick in die Aktfotografie der DDR von den 1960er Jahren bis zum Ende des ostdeutschen Staates. Ein Einblick, der viele künstlerische Positionen darstellt, der die Vielfalt der Handschriften sowie Qualitäten wiedergibt: von ambitionierter Hobbyfotografie bis zu ausgefeiltem künstlerischen Ausdruck.

«Schöne Akte» präsentiert – wie es der Titel sagt – schöne Aktaufnahmen. In den allermeisten Fällen werden junge, schlanke Frauen abgebildet. Natürliche Körper, weder retuschiert noch operiert, nur selten rasiert. Die Aufnahmen provozieren nicht. Sie sind meist klassisch harmlos. In der präsentierten Auswahl wirkt die Aktfotografie der DDR überwiegend bieder und unkritisch. Vielleicht mag das auch daran liegen, dass die ausgewählten Fotografen alle Jahrgang 1958 oder älter sind – mithin eine ganze Generation an Nachwuchskünstlern nicht vertreten ist.

Doch zum Glück gibt es in dem Band auch Arbeiten von Hans-Ludwig Böhme, Klaus Elle, Joachim Kirchmair, Günter Rössler, Monika Schulz-Fieguth, Norbert Vogel sowie einzelne andere Highlights. Das sind Arbeiten, die heute noch ansprechen und berühren, Arbeiten, die universeller sind. Aufnahmen, Motive und Kompositionen, die auch heute noch frisch, die mehr als nur schön sind.

Bleibt die Frage: War die DDR in Sachen Nacktheit wirklich so viel unverkrampfter als der Westen? Keine Ahnung. Es war wohl anders. Und trotzdem sind die fotografischen Intentionen der Ost-Fotografen nicht so viel anders wie die ihrer westlichen Pendants. Auch in Sachen Ausdruck, Stil und Sprache sind durchaus Gemeinsamkeiten, Anklänge und Parallelen zu erkennen – über den Eisernen Vorhang hinweg. Die Aktfotografie der DDR war anders, aber nicht komplett anders. Es gab auch Gemeinsamkeiten mit dem Westen. Und das ist wohl das interessanteste an «Schöne Akte – Fotografien aus der DDR».

Schöne Akte: Fotografien aus der DDR (Das Neue Berlin) (Affiliate-Link)
192 Seiten; 19,95 Euro

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Zu den prämierten Klassikern zählen Ausgaben von Lyonel Feininger oder W. Eugene Smith, bei den Zeitgenossen sind es Michael Wolf oder Wolfgang Tillmans. “Fine Art Printing für Fotografen” ist eines der ausgezeichneten Sachbücher, “Eyes on Paris” ein weiteres.

Die 23 nach Meinung der Jury besten Fotobücher erhielten Prädikate in Gold und Silber. Hinzu kommen 179 weitere Titel, die mit dem Prädikat “Nominiert 2012“ versehen wurden. Die Siegertitel und eine Auswahl aus den nominierten Büchern werden gerade bei den Stuttgarter Buchwochen bis zum 11. Dezember ausgestellt. Im nächsten Jahr wandert diese Ausstellung durch ganz Deutschland und ins Ausland. Orte und Termine finden sich auf der Website des Deutschen Fotobuchpreises.

Drei Kategorien hat der Wettbewerb: erstens Fotobildbände, zweitens Fotogeschichte/Fototheorie und drittens Fotolehrbücher. Herausragende fotografische Qualität, ein überzeugender ästhetischer Gesamteindruck und eine hervorragende fototechnische oder fotogeschichtliche Leistung, das sind die Kriterien der Jury. Die Jury in diesem Jahr: Lutz Fischmann (Freelens, Verband der Fotojournalistinnen und Fotojournalisten e.V., Hamburg), Karin Girlatschek (Gestalterin, Ahrensburg), Werner Götze (Lindemanns Fotobuchhandlung, Stuttgart), Ralf Hanselle (Journalist, Schwerpunkt Fotografie, Berlin), Claudio Hils (Prof. für Fotografie und Design; FH Vorarlberg, Österreich), Andreas Langen (Fotograf, Stuttgart), Ulrich Lobstädt (Imageservice Werbeagentur, Stuttgart), Bettina Michel (raum für fotografie, Stuttgart), Thomas Seelig (Fotomuseum Winterthur), Norbert Waning (BFF Bund Freischaffender Foto-Designer, Stuttgart). Ausgerichtet wird der Wettbewerb vom Börsenverein des Deutschen Buchhandels, Landesverband Baden-Württemberg.

Hier dokumentieren wir die Liste mit den Siegertitel, einige davon mit der Begründung der Jury. Das eine oder andere Buch werden wir hier bei fokussiert.com noch genauer vorstellen.

Kategorie Bildbände – Auszeichnung in Gold

Hatte Cantz-Verlag:

Aus der Begründung der Jury:

Dieses eher unscheinbare Buch fiel der Jury genau deswegen auf: einen ganz Großen der Moderne – Lyonel Feininger eben – dermaßen zurückhaltend zu präsentieren, in einem Buchformat noch kleiner als ein DIN- A-4-Blatt, das weckte unser Interesse. Und tatsächlich handelt es sich um einen kleinen, aber funkelnden Schatz der Kunstgeschichte. Es handelt sich um die erste Publikation der Fotografien von Lyonel Feininger, und sie erschließt dieses unbekannte Terrain in vorbildlicher Weise. Die Texte sind verständlich, das Layout klar, der Druck exzellent und das auffallend kleine Format nicht aus der Luft gegriffen, sondern gut begründet.

Andreas Gefeller. The Japan Series (Affiliate-Link)
Bildautor und Gestaltung: Andreas Gefeller, Textautor(en): Celina Lunsford, Christoph Schaden, ISBN: 9783775729949, 39,80 €

Sight-_Seeing: Bildwürdigkeit und Sehenswürdigkeit – “In Tirol” oder “Entscheidungen zum Bild der touristischen Landschaft” (Affiliate-Link)
Bildautor(en): Michael Danner, Dominik Gigler, Monika Höfler, Verena Kathrin, Jörg Koopmann, Andrew Phelps, Matthias Ziegler, Textautor(en): Gero Günther, Walter Klier, Wolfgang Scheppe, Gestaltung: Wolfgang Scheppe, ISBN: 9783775730181, 35,00 €

Verlag Hermann Schmidt:

Anleitung zum Ausbrechen, Art Helps! Kreativtraining mit Favelakindern (Affiliate-Link)
Bild, Text, Gestaltung: Thomas Lupo, ISBN: 9783874398145, 49,80 €

Steidl-Verlag:

The Ruins of Detroit
Bildautor(en): Yves Marchand, Romain Meffre, Textautor(en): Robert Polidori, Thomas J. Sugrue, Gestaltung: Yves Marchand, Romain Meffre, Sarah Winter, Jonas Wettre, ISBN: 9783869300429, 88,00 €, derzeit nicht verfügbar.

Kategorie Bildbände – Auszeichnung in Silber

Hatte Cantz-Verlag:

Wolfgang Tillmans. Abstract Pictures (Affiliate-Link)
Bilder, Text: Wolfgang Tillmans, Gestaltung: Wolfgang Tillmans, Karl Kolbitz, ISBN: 9783775727433, 49,80 €

Kehrer-Verlag:

Alles in Ordnung (Affiliate-Link)
Bildautor(en): Andreas Meichsner, Textautor(en): Ann-Christin Bertrand, Rolf Nobel, Gestaltung: NODE Berlin Oslo, ISBN: 9783868282429, 36,00 €

Aus der Begründung der Jury:

Andreas Meichnsers farbige, luftige Bilder nehmen uns mit in den Urlaub, nach Spanien, Portugal, die Türkei, Ägypten, Österreich und die Niederlande. Das vermeintliche Paradies “Arkadia“, irgendwo hinterm Deich in den Niederlanden, ist nicht so schrill wie die Costa Iberica, nicht so ‘schenkelklopferisch’ wie die Vergnügungen im Cluburlaub, nicht so exotisch wie der Skifahrer auf einer Düne in Fuerteventura. Nein, in Arkadia ist alles genau so, wie es der Titel verspricht: in Ordnung, normal, sortiert, proper, aufgeräumt. Und genau deshalb ist manches auf diesen Bildern schier unvorstellbar.

Stellar Landscapes (Affiliate-Link)
Bildautor(en): Thomas Ruff, Textautor(en): Melanie Bono, Thomas Palzer, Gestaltung: Kehret Design, ISBN: 9783868282610, 36,00 €

W. Eugene Smith – Realer als die Realität (Affiliate-Link)
Bildautor(en): W. Eugene Smith, Textautor(en): W. Eugene Smith, Britt Salvesen, Erica Viganò, Gestaltung: Chema Conesa, ISBN: 9783868282559, 39,80 €

Kerber-Verlag:

Roger Ballen – Fotografien 1969-2009 (Affiliate-Link)
Textautor(en): Ulrich Pohlmann, Angela Strecken, Gestaltung: Andreas Koch, Bielefeld, ISBN: 9783866784277, 44,80 €

Peperoni Books:

A Series of Unfortunate Events
Bildautor(en): Michael Wolf, Textautor(en): Marc Feustel, Steven Harris, Gestaltung: Hannes Wanderer, ISBN: 9783941825109, 24,00 €

Begründung der Jury

Colossal Youth
Bildautor(en): Andreas Weinand, Gestaltung: Hannes Wanderer, ISBN: 9783941825291, 25,00 €

Verlag Scheidegger & Spiess:

Sites & Signs – Fotografien von Georg Aerni
Bildautor(en): Georg Aerni, Textautor(en): Stephan Berg, Moritz Küng, Nadine Olonetzky, Gestaltung: electrosmog Zürich, ISBN: 9783858813206, 95,00 €

Steidl-Verlag:

Makulatur (Affiliate-Link)
Bildautor(en): Paulo Nozolino, Gestaltung: Paulo Nozolino, Sarah Winter, ISBN: 9783869303277, 24,00 €

Aus der Begründung der Jury für die drei Bücher Eyes on Paris, Schweizer Fotobücher und Deutschland im Fotobuch:

Alle drei Bücher umfassen in etwa das gesamte zwanzigste Jahrhundert bis zur neuesten Vergangenheit und haben jeweils 500 – 600 Seiten und noch deutlich mehr Abbildungen. Konzeptionell gibt es Unterschiede: Im Deutschland-Buch ist die Materialmenge nach inhaltlichen Kapiteln wie z.B. “Menschen, Arbeit, Zeitgeschehen” etc. geordnet; die Paris-Bücher sind eher chronologisch geordnet, und im Schweizer Band werden siebzig Bildbände analysiert, die zwar von Schweizern stammen, aber Themen in aller Welt behandeln. Wichtiger als die Unterscheide erscheinen der Jury aber die Gemeinsamkeit der drei Projekte: Bücher über Bücher. Die Hochgebildeten nennen dergleichen “selbstreferenziell”, weniger vornehm: Nabelschau. Doch egal, wie man es bewertet: das Phänomen ist bemerkenswert.

Kategorie Fotogeschichte/Fototheorie – Auszeichnung in Gold

Hatje Cantz-Verlag:

Aus anderer Sicht – Die frühe Berliner Mauer (Affiliate-Link)
Autoren: Annett Gröschner, Arwed Mesmer, Gestaltung: Carsten Eisfeld, ISBN: 9783775732079, 49,80 €.

Siehe dazu den Beitrag bei fokussiert.com: Die frühe Berliner Mauer.

Hirmer-Verlag:

Eyes on Paris – Paris im Fotobuch 1890 bis heute (Affiliate-Link)

Textautor(en): Hans-Christian Adam, Hans-Michael Koetzle, Christoph Schaden, Thomas Wiegand, Gestaltung: Detlev Pusch, Berlin, ISBN: 9783777441313, 49,90 €

Lars Müller Publishers / Fotostiftung Schweiz:

Schweizer Fotobücher 1927 bis heute – Eine andere Geschichte der Fotografie (Affiliate-Link)
Textautor(en): Martin Gasser, Sabine Münzenmaier, Peter Pfrunder, Gestaltung: Integral Lars Müller, ISBN: 9783037782606, 75,00 €

Steidl-Verlag:

Deutschland im Fotobuch, 287 Fotobücher zum Thema Deutschland aus der Zeit von 1915 bis 2009 (Affiliate-Link)
Bild und Text: Thomas Wiegand, Gestaltung: Manfred Heiting, Jonas Wettre, Ger Hudepol, ISBN: 9783869302492, 88,00 €

Kategorie Fotogeschichte/Fototheorie – Auszeichnung in Silber

Jonas-Verlag für Kunst und Literatur:

Karl May und die Fotografie – Vier Annäherungen (Affiliate-Link)
Textautor(en): Rolf H. Krauss, Gestaltung: Simone Tavenrath, ISBN: 9783894454562, 20,00 €

Aus der Begründung der Jury:

Dass Winnetou ein edler Wilder ist, dürfte allgemein bekannt sein, dass er nach dem
Willen seines Schöpfers Karl May aber eine wahrhaftige Himmelfahrt angetreten hat, und zwar durch fotografische Mittel, das gehört zu den Überraschungen, mit denen dieses Buch aufwartet. Der Stuttgarter Kunsthistoriker Rolf H. Krauss befasst sich seit langem mit den Wechselwirkungen von Fotografie und Literatur, und im Fall von Karl May sind diese Beziehungen besonders vielschichtig und interessant.

Steidl-Verlag:

The Protest Box (Affiliate-Link)
Bildautor(en): Diverse, Textauror(en): Gerry Bader, Gestaltung: Martin Parr, ISBN: 9783869301426, 380,00 €

Kategorie Fotolehrbücher – Auszeichnung in Gold

BFF Bund Freischaffender Fotodesigner:

BFF Handbuch Verträge
Textautor(en): Wolfgang Maßen, Gestaltung: Regelindis Westphal Grafik-Design, Berlin, ISBN: 9783933989451, 78,00 €

Kategorie Fotolehrbücher – Auszeichnung in Silber

dpunkt-Verlag:

Wie Bilder wirken – 52 große Fotografien und was sie einzigartig macht (Affiliate-Link)
Bildautor(en): Diverse, Text: Georg Barr, Gestaltung: Petra Strauch, ISBN: 9783898647458, 39,90 €

Aus der Begründung der Jury:

Eine Plauderei über Bilder, zusammengestellt von dem leidenschaftlichen Amateurfotografen und Autodidakten George Barr … 52 Beispiele hat er ausgesucht und kommentiert, meist von eher unbekannten Kollegen. Das Spektrum der Stile und Motive ist breit: Porträt und Landschaft, Akt und Still-Life, Montage, Dokument, mal romantisch verklärt, dann wieder nüchtern und präzise. Barr gibt engagierten Amateuren anregende Beispiele, in einem klar strukturierten und gestalteten Buch. Klar ist auch seine Sprache, in der niemals akademische Überfrachtung droht.

Fine Art Printing für Fotografen – Hochwertige Fotodrucke mit Inkjet-Druckern (Affiliate-Link)
Bild und Text: Jürgen Gulbins, Uwe Steinmüller, Gestaltung: Jürgen Gulbins, ISBN: 9783898647427, 44,90 €

Deutscher Fotobuchpreis
Stuttgarter Buchwochen

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«Amazonen - Das Brustkrebsprojekt von Uta Melle»

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Uta Melle hat ihr Brustkrebsprojekt bewusst «Amazonen» genannt. Denn dieser Titel beschreibt die Frauen äußerst treffend – über das rein Äußerliche hinaus. Amazonen sind ein Frauenvolk aus der griechischen Sagenwelt. Sie waren Kriegerinnen und amputierten sich eine Brust, um besser mit Pfeil und Bogen kämpfen zu können. Die Amazonen waren Frauen, die gekämpft und gewonnen haben.

Das macht auch die abgebildeten Frauen zu positiven modernen Amazonen: Sie kämpften und kämpfen gegen den Brustkrebs. Mussten teilweise ebenfalls eine oder beide Brüste amputieren, um in diesem Kampf bestehen zu können – ein Kampf, den sie nicht aufgeben, in dem sie ihr Leben teilweise neu ordnen mussten, aber ihre Lebensenergie, Lebenskraft und Lebensfreude nicht verloren haben.

Und so präsentieren sie sich auch den Fotografinnen Esther Haase und Jackie Hardt: stolz, selbstbewusst und lebensbejahend, aber verletzlich, melancholisch und gezeichnet. Sie zeigen sich im ersten Teil auf den Farbfotos von Jackie Hardt in Einzelportraits als kriegerisch stolze Amazonen. Meistens verdeckt die Rüstung noch die amputierte Brust.

Im zweiten Teil, den Esther Haase überwiegend in Schwarz-Weiß fotografierte, ändert sich das radikal. Die Frauen sind nicht mehr im Studio. Sie sind in einem alten Fabrikgelände, sind ungezwungen und lassen so viele Hüllen fallen, wie sie selbst wollen. Und meistens sind das alle. Die 20 Frauen sind in den sehr sensiblen Fotografien mal verletzlich, mal melancholisch, immer von der Krankheit gezeichnet, aber überwiegend lebensstrozend, sinnlich, und sinnenfroh.

Bildband, der die Sicht verändert

Uta Melle hat das Projekt «Amazonen» ins Leben gerufen, nachdem sie selber im Alter von 38 Jahren die Diagnose Brustkrebs erhalten hatte. Damals machte ihre Freundin Jackie Hardt mit ihr Vorher-Nachher-Fotos. Der Keim für «Amazonen» war gelegt. Später suchte Uta Melle über das Internet Frauen für das Projekt. 20 Frauen zwischen 37 und 54, aus ganz Deutschland und aus allen sozialen Schichten machten mit, ließen sich fotografieren, erzählten Sophie Albert von ihrem Schicksal und ihrer Definition von Schönheit.

«Amazonen» soll Mut machen und eine Schweigemauer aufbrechen. Brustkrebs ist die häufigste Krebsdiagnose bei Frauen. Allein in Deutschland bekommen über 50.000 Frauen jährlich diese Diagnose. Es ist die häufigste Krebsart bei Frauen und die häufigste Todesursache der Dreißig- bis Sechzigjährigen. Jede zehnte Frau bekommt im Laufe ihres Lebens Brustkrebs. Zu der Diagnose selber kommen oft noch die körperlichen und sozialen Folgen hinzu: der Verlust von einer oder beiden Brüsten, Haarausfall, Chemotherapie und eine vollkommene Umwälzung des bisherigen Lebens und sozialen Umfeldes. Und es bedeutet vor allem eines: ein Kampf gegen den Tod.

Die «Amazonen» von Uta Melle haben diesen Kampf aufgenommen – und daraus auch neue Stärke gewonnen. Das Ergebnis ist ein sehr berührender Bildband mit sehr persönlichen Texten und Fotos. Ein Bildband, der die Sicht verändert. Auf das Leben und die Definition von Schönheit. Wirken die offenherzigen Aktaufnahmen anfangs noch abstoßend, so ändert sich das sehr schnell. Die Narben, die fehlenden Brüste, die Prothesen treten in den Hintergrund. Was hängen bleibt und die Blicke auf sich zieht, sind die gezeichneten, die sensiblen, die herzlichen Gesichter. Das offene Lachen. Die Lebensfreude. Aber auch die Verletzlichkeit und Melancholie.

Das liegt vor allem an den schwarz-weiß Aufnahmen von Esther Haase. Diese sind oftmals sehr kontrastreich, düster, rauh, roh und herb. Aber in Gestaltung und Lichtführung äußerst sensibel und intim.

Die «Amazonen» sind vom Leben gezeichnet, aber sie haben sich nicht unterkriegen lassen. Es sind mutige und selbstbewusste Frauen. Frauen, die zu ihrer Krankheit und zu deren Zeichen stehen, die damit offen umgehen. Frauen, die sagen: «Take it or leave it!» Und genau das verleiht ihnen ihre faszinierende Ausstrahlung. Eine Ausstrahlung, die in den Bildern und Texten bestens zum Ausdruck kommen. «Amazonen» – ein Buch und vor allem Frauen, die schlicht faszinieren.

Amazonen – Das Brustkrebsprojekt von Uta Melle (Kehrer Verlag) (Affiliate-Link)
128 Seiten; 30 Euro

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Die Jury hat diese Sieben aus 95 Einsendungen von 36 Institutionen ausgewählt, alles Hochschulen für Fotografie oder Kunstakademien. Die Auswahl will eine Zusammenschau dessen zeigen, was im letzten Jahr an junger Fotografie entstanden ist.

Sebastian Lang (HBK Braunschweig) beleuchtet in seiner seriellen Arbeit “Behaviour Scan” in dem von der Gesellschaft für Konsumforschung (GfK) als bundesdeutsche Norm eingestuften Dorf Haßloch in der Pfalz den vermeintlichen deutschen Durchschnitt.

Er offenbart dabei, wie Büro von Gute Aussichten mitteilt, verblüffende Details, die den gehegten Wunsch nach dem repräsentativen – und somit berechenbaren – Querschnitt der Gesellschaft ab absurdum und uns in eine fast gespenstische Realität führen.

Christian Karl Gerhartsreiter führte 30 Jahre lang u.a. als Clark Rockefeller in den USA ein Leben als Hochstapler, bis er im Jahr 2008 vom FBI entlarvt wurde.

Sara-Lena Maierhofer (FH Bielefeld) folgt in ihrem Zyklus “Dear Clark” seinen Spuren und erzählt in 66 Bildern und einem Objekt die Geschichte seines Lebens. Zugleich wagt sie eine phänomenologische Betrachtung der Gestalt des Hochstaplers, die zu kleinen Teilen in jedem von uns schlummert.

Kurzerhand durchschnitten hat Johannes Post (HfbK Hamburg) in “Inform”, was er und wir so am Leib tragen: Unsere Kleidung – die Uniform. 36 Bild-Querschnitte angeordnet in zwei großformatigen Tableaus mit je 18 Abbildungen zeigen unsere “zweite Haut”, wie wir sie noch nie gesehen haben – fotografisch-surreale, modische Schnittmuster einer ganz und gar neuen Art.

Den beiden großen zerstörerischen Einschnitten der Stadt Dresden – der Luftangriffe durch die Alliierten im Februar 1945 und der Jahrhundertflut vom August 2002 – ist Luise Schröder (HGB Leipzig) in “Arbeit am Mythos” auf den Grund gegangen. Künstlerische Antworten auf die Fragen, wie die Wahrnehmung von Geschichte entsteht, wie Erinnerungen konserviert werden und wo die Schnittstellen von Wahrheit und Mythos liegen könnten, erarbeitete Luise Schröder sich in sieben Archiv-Prints, einem Video und einer Zeitung.

Ganz dem Zufall verschrieb sich Miriam Schwedt (Kunstakademie Düsseldorf) in ihrer fünfteiligen, aus 20 Einzelmotiven bestehenden Arbeit ohne Titel. Die Schnittmenge ist dabei nicht nur die Verfremdung der Wirklichkeit, sondern auch jene Bildpoesie, die aus dem Herstellungsverfahren herrührt.

Um Abschnitte, Zuschnitte und irgendwann den Aufschnitt ganz anderer Art geht es Julia Unkel (FH Dortmund) in ihrer Arbeit “Im Angesicht”. Sie hat Schlachthöfe und Schlachtereien besucht und dokumentiert auf beinahe erschreckend klinisch-saubere Weise in elf Fotografien und einem Buch das blutige Geschäft der Fleischindustrie ohne jeglichen sichtbaren eigenen Kommentar.

Auf die Suche nach Schnittflächen bzw. Flächenschnitten hat sich Franziska Zacharias (HGB LEIPZIG) in ihrer Serie “Le Noire Familier” begeben. Mit Hilfe eines selbst gebauten Modells und der Fotografie erschafft sie fünf großformatige Bildräume, die sowohl als Räume wie auch als abstrakte Bilder gelesen werden können.

Die Initiatorin von “Gute Aussichten”, Josefine Raab, sagt über die diesjährige Auswahl aus der jungen deutschen Fotografie:

“In der wie immer mit Spannung erwarteten Sitzung konnten wir beobachten, dass sich die bereits im letzten Jahr hervorgetretene Tendenz, das Medium Fotografie ebenso experimentell wie spielerisch und ungezwungen einzusetzen, in diesem Jahr fortgesetzt hat. Das fotografische Erbe der Bild prägenden Schulen führt bei den Nachwuchsfotografen zu einer phantasievollen Erkundung und Erweiterung ihres Instrumentariums. Die Konstruktion von Bildern bleibt nach wie vor ein großes Thema, wobei die totale Inszenierung von Bildwelten mit den unterschiedlichsten Mitteln in den Vordergrund gerückt ist. Weiterhin virulent ist die Auseinandersetzung mit politischen, gesellschaftlichen, sozialen und kulturellen Themen unserer Zeit und hat – zumindest vorläufig – die narrative Selbstbestimmungs- und Selbstverortungsthematik in den Hintergrund gedrängt.

Bei “Gute Aussichten” gibt es keine Siegertreppchen, kein Preisgeld, keine Rangliste, sondern einfach “nur” Gewinnerinnen und Gewinner. Die Ausstellung mit deren Arbeiten tourt jetzt durch ganz Deutschland und auch ins Ausland.

Den Auftakt macht das Museum für Fotografie in Berlin, wo die Bilder bis 29. Januar 2012 zu sehen sein werden. Danach geht’s unter anderem nach Washington DC, nach Innsbruck, nach Hamburg, Straßburg oder Köln. Alle Infos dazu und Bilder der Preisträger finden sich auf der Website von “Gute Aussichten”.

Gute Aussichten
Museum für Fotografie Berlin

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100’000 Aufnahmen hat Vivian Maier hinterlassen, teils noch nicht einmal entwickelt. Entdeckt wurden sie in vielen Kisten – bei einer Zwangsversteigerung.

Über Jahrzehnte fotografierte die Amerikanerin Vivian Maier bei ihren Spaziergängen durch die Straßen Chicagos und New Yorks Porträts und Stadtlandschaften. John Maloof heißt der junge Immobilienmakler und New Yorker Hobby-Stadthistoriker, der bei der Zwangsversteigerung die Kisten erworben hatte und die Entdeckung machte. Jetzt leitet er das Vivian Maier-Archiv.

Maiers Fotografien zeigen eindringlich das urbane Lebens in den USA der Fünfziger- und Sechzigerjahre, so sollte John Maloof nach und nach feststellen. Die 48 aktuell im Münchner Amerikahaus präsentierten Aufnahmen zeigen Vielfältigkeit und Talent der Amateurfotografin. Als unangepasste Frau, so die Mitteilung des Amerikahauses, die sich mit breitkrempigen Herrenhut durch die Stadt bewegte, gelang es Maier, kleine und große Ereignisse, stille Momente und Szenerien festzuhalten. Neben der Lebhaftigkeit der Stadt zeigt sich in den Fotografien Maiers großes Mitfühlen mit den Menschen. Selbst ein sehr zurückgezogener, eigenwilliger Mensch, porträtiert sie häufig Menschen, die am Rande der Gesellschaft leben. Die Brüche und Widersprüche urbanen Zusammenlebens, die sich in Maiers Arbeiten finden, haben zu einem neuen Interesse für die Straßenfotografie beigetragen.

Vivian Maier wurde 1926 geboren, vermutlich in New York, und sie verbrachte einige Jahre in Frankreich, dem Ursprungsland ihrer Familie. In den Fünfzigern zog sie nach New York und zog dort mit ihrer Kamera, die sie erst zwei Jahre zuvor entdeckt hatte, durch die Straßen. Einige Jahre später siedelte sie nach Chicago um, wo sie fast 40 Jahre als Kindermädchen arbeitete und später verarmte. Sie starb 2009. Auf der Website für Vivian Maier finden wir ihre Bilder und viele weitere Informationen über sie.

John Maloof war auf der Suche nach alten Fotografien von Chicago, als er 2007 auf einer Auktion die Kisten mit Negativen und Filmrollen erwarb, die aus einem Lager zwangsgeräumt wurden. Welch einen Schatz er geborgen hatte, realisierte er erst nach und nach. Jetzt hat er das Buch Vivian Maier: Die Straßenphotographin (Affiliate-Link) herausgebracht, das im September 2011 bei Schirmer/Mosel in München erschienen ist.

Vivian Maier: A Life uncovered
Bis 9. Dezember
Amerikahaus München, Karolinenplatz 3, D-80333 München
+49 (0)89-55 25 37-0, info@amerikahaus.de
Geöffnet Montag bis Freitag 12 – 17 Uhr; Mittwoch 12 – 20 Uhr, Eintritt frei

Vivian Maier
Amerikahaus München

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Joachim Schmid: Die Fotos anderer Leute Joachim Schmid nimmt sich aus der unendlichen Bilderflut die Fotos anderer Leute und setzt sie neu zusammen. So entstehen Muster und Zusammenhänge. (5. November 2011) Kinderporträt in Schwarzweiß: Den besonderen Augenblick abwarten Warten lohnt sich, insbesondere bei vielfotografierten Motiven. Dann bekommt man oft ein Motiv geboten, das sich von Gewöhnlichen, das man schon hundertmal so gesehen hat, abhebt. (23. September 2011) Architektur: Licht und Bauten Altstädte sind für Fotografen ein bisschen wie Wald: In allen Lichtsituationen schwierig zu fotografieren. Umso mehr fallen gute Fotos auf. (3. August 2011)

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“Other People’s Photographs” sind Amateurbilder aus verschiedensten Bereichen unseres Netzlebens. Gesammelt und geordnet ergeben sich neue Beobachtungen und Einsichten.

Zwischen 2008 und 2011 stellte Joachim Schmid eine Serie von 96 Print-on-demand-Büchern mit Amateurbildern aus verschiedensten Bereichen des Alltagslebens zusammen. Bilder aus Fotonetzwerken wie Flickr wurden in einem Archiv angelegt. Jedes Buch – jeweils mit 32 Fotografien auf 36 Seiten – behandelt einen Anlass für Bilder oder Bildideen und verdeutlicht wiederkehrende Muster in der populären Fotografie.

Die Themenpalette reicht dabei von “Happy Birthday” über “Currywurst” bis zu “Sex” und “Sunset”. Die Auswahl Schmids ist aber weder systematisch noch folgt sie einem festen Konzept. Die Grundstruktur seines Projekts spiegelt einen heute ganz normalen Umgang mit Bildern. Das Motto: beobachten und eine ganze Menge dabei wahrnehmen. Wir finden Einblicke in die Bücher auf Joachim Schmids Website Other People’s Photographs. Schmid hat sich in weiteren Projekten mit der digitalen Bilderwelt auseinandergesetzt, wir finden das auf Joachim Schmids Blog.

Die österreichische Kunsthistorikerin und Kuratorin Ruth Horak stellt zu Schmids Arbeit die Frage:

Was bringt das www der Fotografie? – Ein neues Kapitel in der Geschichte der Amateurfotografie inklusive endloser Ressourcen zur Veröffentlichung, eine Imagebank ohne Ende, die zur Aneignung ohne Ende anregt, schlecht aufgelöste Bilder – die meisten davon immateriell und ohne redaktionelle Betreuung, den lückenlosen Blick von oben auf unsere Welt und in unsere Gärten – Wie folgenlos ist das Internet noch für die Fotografie?

Ja – das Netz und die digitale Bilderflut, was macht das mit uns Amateurfotografen? Eine spannende Frage, die sich hier zu diskutieren lohnen würde. Die Ausstellung mit Joachim Schmids Büchern in der Salzburger Galerie Fotohof dauert noch bis zum 19. November.

Joachim Schmid hat Visuelle Kommunikation an der Fachhochschule für Gestaltung in Schwäbisch Gmünd und an der Hochschule der Künste Berlin studiert und lebt in Berlin.

Joachim Schmid: Other People’s Photographs
Bis 19. November
Galerie Fotohof, Erhardplatz 3, A-5020 Salzburg
+43 662 84 92 96, fotohof@fotohof.at
Geöffnet Montag bis Freitag 15 bis 19 Uhr, Samstag 10 bis 13 Uhr, Eintritt frei

Joachim Schmid
Other People’s Photographs
Galerie Fotohof

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102 Seiten hat dieser wunderbar gemachte Bildband. Schon die Aussenhülle dieses quadratischen, edlen Buches wird dem Titel gerecht: Sie fühlt sich an wie mit Stoff bespannt. Und im Inneren finden sich dann ebenso schöne, edle Aktaufnahmen, die eher Portraits denn Figurenstudien sind. Das Ergebnis ist ein sehr persönliches, feinfühliges Fotobuch mit einer sehr poetischen Bildsprache.

Fotostrecke starten: Klick auf ein Bild (5 Bilder)

Die deutsche Fotografin Mona Kuhn, die inzwischen in den USA lebt, hat in den vergangenen Jahren immer wieder Freunde, Bekannte und Verwandte in ihrem abgelegenen Landhaus in Bordeaux fotografiert. Entkleidet, aber nicht nackt. Mit einfachsten Mitteln, ohne großen technischen Aufwand. Als Lichtquelle reichte eine große Terrassentür. Als Requisiten genügten ein Stuhl, eine Liege und ein klassischer bordeaux-roter Stoff. Das war‘s.

Kuhns Fotomodelle zogen sich aus und suchten sich selber die Pose, in der sie sich vor der Kamera und der Freundin am wohlsten fühlten. Mit weichen, aber keineswegs kitschigen Farben hielt Mona Kuhn diese intimen Momente in klassischen quadratischen Aufnahmen fest. Die Freunde, Bekannten und Verwandten standen ihr sichtlich gerne Modell. Sie vertrauten ihr, sie genossen es – egal ob Mann, Frau oder Paar, ob kindlich jung oder im Greisenalter. Alle sind natürlich, ungezwungen, präsentieren sich selbstverständlich und voller Würde.

Dazwischen hat Kuhn immer wieder fotografische Skizzen des Hauses und der Umgebung eingestreut. Diese Schwarz-Weiß-Aufnahmen – zum Beispiel vom einem See, von Feldern, Wegen und Gebäuden – geben dem Ganzen Buch den Flair von einer traumhaften Reise in eine unwirkliche Welt.

«Bordeaux Series» ist ein stiller Bildband. Ein stimmungsvolles Buch, das von der ersten Aufnahme bis zum Druck von höchstem handwerklichen Können zeugt. Von einem Können, das zur Kunst wird. Ein Buch, das man am besten bei guter Musik und bei einem Glas edlen Weines genießt – am besten bei einem Glas Bordeaux.

Mona Kuhn: «Bordeaux Series» (Steidl Verlag) (Affiliate-Link)
102 Seiten, EU 58,00 €

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Aktfotografie: Unkurvig Aktfotografie gilt oft als Königsdisziplin der Fotografie, denn es ist schwer, den menschlichen nackten Körper vorteilhaft aussehen zu lassen, ohne dass er dabei jedoch billig, vulgär oder obszön wirkt. (11. Juli 2011) Herb Ritts: Nacktheit in Schwarz und Weiss Der Amerikaner Herb Ritts hat in den 80erund 90er Jahren Akt- und Porträtfotografie in Schwarz-Weiss zu einer neuen Blüte gebracht. (15. Mai 2011) Ruben Brulat: Nackt und ausgeliefert Der französische Fotograf Ruben Brulat will selbst Teil seiner Bilder sein: Nackt und bloß liefert er sich den Szenerien aus. (12. Juni 2010)

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