Sofie Dittmann

Auch wenn Sofie die Fotografie etwas später entdeckt hat, ist ihr Enthusiasmus, was das Medium angeht, nicht weniger groß. Ihr Interesse gilt vor allem Kunstporträts und Stilleben, aber auch der Street Photography. “Ich glaube, ich bin vor allem vom Spontanen fasziniert, vom Situationellen, weswegen ich auch Szenen und Situationen bevorzuge, die von anderen geschaffen wurden.”

Nicht, daß sie die Dinge nicht selbst zusammenstellen könnte, aber auf diese Weise einen Augenblick einzufangen schafft ihres Erachtens etwas wesentlich Anregenderes, etwas Einzigartiges, sowohl für sie selbst als auch für diejenigen, die später das betrachten, was ihre Kamera eingefangen hat. Es ist wie eine Rede aus dem Stehgreif, spontan, aber im Augenblick eingefroren, mit einem Objektiv eingefangen.

Sofies hauptsächliche Inspiration und Bewunderung gilt den frühen Fotopionieren und ihrem experimentellen Stil, der so gekonnt sowohl die Zeit, in der sie lebten, als auch die Begeisterung über das neue Medium Fotografie widerspiegelte. Vor ein paar Jahren geriet Sofie durch Zufall in die “Foto”-Ausstellung in der Nationalgalerie in Washington, D.C., und dieser Moment veränderte ihr Leben. Zu sehen waren Aufnahmen und Collagen von 1918 bis 1945 aus Mitteleuropa. “Ich entschied damals, daß das, was ich gesehen hatte, mein kreatives Ziel sein würde. Ich weiß nicht, ob ich es jemals erreichen werde, aber ich arbeite hart daran.”

Sofie ist in Deutschland aufgewachsen und lebt in Wooster, Ohio, in den USA. Sie arbeitet unter anderem als Auftrags-Porträtfotografin und bloggt regelmässig auf ihrem Privatblog.

 

Alle 224 Artikel von Sofie Dittmann auf fokussiert.com:

Leserfoto – „Vergessener Pickup“:
Beschnitt und Nachbearbeitung

Radikale Bildformate können funktionieren. Allerdings nur dann, wenn man sich der Regeln genug bewußt ist, um sie zu brechen.

(c) Steffen Heeckt

(c) Steffen Heeckt

Im Jahr 2011 bin ich für 7 Monate durch Australien gereist. In dieser Zeit habe ich unter anderem für 3 Monate auf einer Farm gearbeitet wo dieses Bild entstanden ist. Ich war mir lange unschlüssig ob es in Farbe oder S/W besser wirkt schlussendlich habe ich mich für den Vintage Look entschieden, da so, wie ich finde, der 50er Jahre Pickup am besten zur Geltung kommt. Als Neueinsteiger im Bereich Fotografie und gerade in den verzwickten Bereich Schwarzweiß würde ich mich über euer professionelles Feedback sehr freuen.
Gruß Steffen

Erst einmal sei gesagt, daß ich Dich glühend darum beneide, Dir die Zeit genommen haben zu können, sieben Monate durch Australien zu reisen. Das war sicherlich eine Erfahrung, die man nie vergißt.

Du hast uns von diesem Trip das Bild eines Pickupwracks, gesehen irgendwo im Nirgendwo, mitgebracht. Es könnte so auch in der Wüste in Texas stehen. Der Pickup befindet sich radikal am linken Rand, während der Rest des Panoramas nur öde Landschaft zeigt. Die Sonne steht schon relativ tief, und Du hast in einer Gegenlichtsituation fotografiert. Die Aufnahme entstand laut EXIF mit einer Canon PowerShot S95, wobei es sich um eine Kompaktkamera mit einem Formatfaktor von 4.6 handelt. Die verwendete Brennweite von 6 mm enspricht demnach etwa 28 mm im Vollformat.

Die Sonne wurde als großer heller Fleck abgebildet, was der Blende von f/3.2 geschuldet ist. Trotz der sich verringernden Lichtverhältnisse hast Du mit ISO 80 und einer Belichtungszeit von 1/1000s fotografiert. Ich nehme mal an, Du hast im Vollprogrammmodus gearbeitet, und in der Nachbearbeitung hast Du das Foto radikal beschnitten.

Was mir gefällt, ist die Athmosphäre in Deinem Bild. Es ist trostlos, öde – aber auch irgendwie cool – wie dieses Auto in der Sonne so vor sich hin verrottet. Du vermittelst mir einen Eindruck von Ort und Zeit. Was den Braunton angeht, ist das Geschmackssache. Ich selbst bevorzuge kontrastreiches, neutrales Schwarzweiß – und ich weiß, wie schwierig es ist, das gekonnt hinzubekommen. Du hast für die Nachbearbeitung Photoshop benutzt. Wenn Du Nik Silver Efex Pro noch nicht entdeckt hast, kann ich Dir diesen Filter nur wärmstens empfehlen. Er ermöglicht Zonenbearbeitung und hat mehr Regler, als man normalerweise braucht.

Worauf ich vertiefter eingehen möchte, sind die Aufnahmeeinstellungen und der Beschnitt.

Meine Reisekamera ist schon seit einiger Zeit eine kleine Pentax Lumix, vergleichbar mit Deiner PowerShot. Sie war mit mir schon an einigen Orten hier in den USA, in der Türkei, in Mexiko, Deutschland… Ich bevorzuge es, leicht bepackt zu sein, und dafür ist sie gerade richtig. Wie die PowerShot kann man Seitenverhältnisse wechseln, und die kleinste Blende, die ich wählen kann, ist f/8. Dafür hat auch sie eine extreme Weitwinkellinse.

Du hast durch die Wahl des Aufnahmemodus zwar mit einem sehr geringen ISO fotografieren können, aber dafür ist die Sonne hier ein großer, heller, unregelmäßiger Fleck, anstatt eines etwas kleineren hellen Fleckes, was ich als störend empfinde. Der helle Fleck zieht nämlich, obwohl nur teilweise zu sehen, alle Aufmerksamkeit auf sich, die doch dem Pickup gelten sollte. Das hättest Du vermeiden können, indem Du in Zeitautomatik f/8 einstellst. Hier stößt man zwar an die Grenzen der Kamera, aber es war bei den Gegenlichtverhältnissen noch hell genug, um nicht entweder das Bild zu verwackeln oder in höhere ISO-Bereiche zu geraten.

Als Beispiel habe ich Dir hier eine Aufnahme hochgeladen, die als Schnappschuß 2013 in Mexiko auf der Pyramide in Cholula entstanden ist; zu sehen ist im Hintergrund der Popocatepetl. Ähnliche Lichtverhältnisse, Blende f/8 vorgewählt, und trotzdem habe ich mit ISO 100 und einer Belichtungszeit von 1/1250s arbeiten können. Die Sonne hätte hier ein noch größerer Fleck sein können, der den Berg optisch verschluckt. Statt dessen ist sie rechts als perfekter Kreis im Hintergrund zu sehen und komplementiert ihn:

Cholula

Cholula

Du hast weiterhin das Bild extrem beschnitten. Der für Dich so interessante Pickup „klebt“ nicht nur am linken Bildrand, Du hast ihm auch die Reifen/Räder unten gekappt. Ohne die Originalaufnahme vor mir zu haben, kann ich keine Aussage dazu machen, was genau wo nachträglich entfernt wurde, sondern muß mich darauf beschränken, was ich sehe.

Ich hätte dem Auto zunächst einmal mehr Raum gelassen. Es ist zu sehr an die Ränder gedrängt worden durch diesen Beschnitt. Wenn in der ursprünglichen Version noch Raum ist, würde ich diese Entscheidung allein dort noch einmal überdenken. Durch die Anordnung des Autos und der Wahl des Bildformates gerät es zum Statisten. Man schaut zuerst einmal auf den hellen Sonnenfleck, wie oben schon bemerkt, dann erst entdeckt man das Auto; insbesondere auch, weil es so dunkel gehalten ist. Das kann man als absichtlichen Effekt so einbauen, aber wenn Dein Ziel war, das Auto zum Hauptbildgegenstand zu machen, hast Du selbiges hier verfehlt.

Ein Panorama dieser Art hat seinen Platz, etwa im Webdesign oder als Facebook-Coverfoto. Um etwas zu produzieren, was man sich an die Wand hängen möchte, solltest Du den Beschnitt des Bildes wieder aufgreifen. Ich persönlich hätte bei der Aufnahme ein 16:9 Format gewählt, was Dir ein Panoramaformat gibt, ohne daß Du hinterher radikal beschneiden mußt (oder eine Aufnahmereihe zusammensetzen). Ich hätte auch das Autowrack etwas aufgehellt:

Vergleichsfoto

Vergleichsfoto

Beschnitten würde das dann so aussehen:

Vergleichsfoto mit Beschnitt/aufgehelltem Fahrzeug

Vergleichsfoto mit Beschnitt/aufgehelltem Fahrzeug

Du hast immer noch genug trostlose Landschaft im Bild, aber der Pickup bildet jetzt das Hauptmotiv.

Leserfoto – Grand Canyon at Navajo Point:
Der Vorder-/Hintergrund vor lauter Bäumen

Landschaftsbilder leben von der visuellen Einteilung in Ebenen.

(c) Jörg Langer

(c) Jörg Langer


Hallo alle, anbei ein Bild aus unserem letzten USA-Urlaub. Wir hatten extrem schlechtes Wetter mit Regen und Nebel erwischt. Zwischendurch ist der Himmel immer wieder mal aufgeklart. Dabei ist dieses Bild entstanden. Im Canyon hinter mir war nur Nebel. Dafür war die “andere Seite” des Canyons umso interessanter. Das RAW-Bild ist in Aperture entwickelt und mit den NIK-Tools sparsam bearbeitet. Außerdem habe ich das Bild beschnitten. Ich mag die Stimmung, nach links abziehender Nebel, rechts kommt der Himmel durch, helle und dunkle Szenen, tote und lebende Vegetation. wie findet Ihr das Bild? Ganz herzlichen Dank vorab für Eure Arbeit und Zeit.

Etwas, das ich immer predige, ist, sich beim Fotografieren auch an das nicht Offensichtliche heranzutasten. Besonders bei totfotografierten Motiven bietet sich so noch etwas Neues, Frisches. Es gilt, sich nach oben oder unten zu wenden, die Perspektive zu verändern – oder sich wie in diesem Fall umzudrehen.

Genau das war es, was mir bei diesem Bild gefallen hat: Du hast versucht, über den üblichen fotografischen Tellerrand zu schauen und aus den nicht idealen Lichtverhältnissen noch etwas herauszuholen, indem Du Deine Umgebung abgelichtet hast. Es gilt jedoch auch in diesem Fall, nicht einfach drauflos zu fotografieren, insbesondere, wenn die Komposition eine kompliziertere ist und man die Zeit hat, sich Gedanken zu machen.
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Leserfoto – “Sensuality”:
Die Qual der Wahl

Nach welchen Kriterien sollte man Fotos auswählen?

(c) Mario Franke

(c) Mario Franke

Hallo, das ist das 2. Foto vom selben shooting, ich konnte mich nicht entscheiden! :o) Vielleicht könnt ihr ja entscheiden, nochmals DANKE!
Groetjes uit Belgie, Mario

Bevor sich jetzt diejenigen unter unseren Lesern, die vergeblich Fotos eingereicht haben, benachteiligt fühlen, weil von einem Fotografen fast hintereinander zwei mit fast identischem Motiv besprochen wurden, möchte ich erklären, was mich zu dieser Auswahl bewogen hat.

Abgesehen von den Punkten, die bereits in der ersten Besprechung zu „Into the Light“ aufgelistet wurden, war ich der Meinung, daß es mir dieses Bild ermöglicht, einen Bezug zwischen mehreren Aufnahmen desselben Shootings herzustellen und Auswahlkriterien anzusprechen, ohne daß der Text so lang wird, daß man beim Lesen abschaltet.

Hier beide Bilder im Vergleich:

(c) Mario Franke

(c) Mario Franke

(c) Mario Franke

(c) Mario Franke

Zu sehen ist wiederum die junge Frau, dieses Mal links angeordnet. Das Gesicht, der Kamera direkt zugewandt, ist aus dem Goldenen Schnitt heraus verschoben, was hier aber für mich nicht problematisch ist, denn es entspricht dem experimentellen Charakter des Fotos. Du hast wieder dieselbe extreme Vignettierung benutzt, die ich bereits bei „Into the Light“ kritisiert hatte und auch hier für vollständig zuviel und unnötig halte. Man sieht aber hier an den Artefakten am unteren und oberen Bildrand recht gut, daß es Dein Ziel gewesen sein muß, den Hintergrund zu eliminieren. Warum Du allerdings den hellen Streifen oben rechts nicht losgeworden bist, wenn Du Dir ansonsten schon die Mühe gemacht hast, verstehe ich nicht. Das hätte ich auf jeden Fall vor allem anderen korrigiert. Dennoch bleibe ich dabei, daß diese Aspekte bereits bei der AUFNAHME angegangen werden sollten – wenn ein Foto zu viel Herumdoktorei benötigt, stimmt etwas mit Deinem Setup nicht.

Der Hauptgrund für die Auswahl dieses Bildes war aber, daß Du in Deinem Kommentar ansprichst, Dich nicht entscheiden zu können, und darauf will ich hier im folgenden eingehen.

Die schwierigste „Übung“ für jeden Fotografen – egal, in welcher Phase er oder sie sich befindet – ist immer, aus den Fotos, die bei einem Shooting anfallen, die wirklich besten herauszufiltern. Alles, was Du fotografierst, ist automatisch Dein „Baby“. Du hast dafür gearbeitet, manchmal sogar gekämpft, und deshalb hast Du zu allen Bildern ein besonderes Verhältnis. Dir gefallen sie alle gut, und Du möchtest sie alle behalten. Trotzdem möchte der Kunde oder anderweitige Betrachter nicht alle bekommen oder sehen, und einer Gallerie eine CD mit unzähligen Aufnahmen zu schicken, die entweder alle irgendwie gleich aussehen (oder schlimmer: nichts wirklich miteinander zu tun haben), macht einen amateurhaften Eindruck.

Wie und nach welchen Gesichtspunkten sollte man also Fotos auswählen? Welche Kriterien sollte man anlegen?

Ich selbst gehe schon seit Jahren folgendermaßen vor:

  1. Der erste Schritt meiner Bearbeitung ist immer Lightroom, wo bereits die Aufnahmen eliminiert werden, die eindeutig technisch nichts geworden sind.

  2. In Lightroom werden weiterhin Aufnahmen verglichen, die sich nur durch kleine Details unterscheiden und diejenigen ausgewählt, die kompositionell oder technisch besser sind.

  3. Wenn ein Shooting in verschiedene Kategorien eingeteilt werden kann, werden alle Fotos, die dieselben Merkmale aufweisen, zusammen gruppiert und weiter verarbeitet. Sie werden auch von Lightroom in getrennte Ordner exportiert.

  4. Nachdem die gesamte Nachbearbeitung abgeschlossen ist, sollte man auch bei Terminzwang optisch von den Fotos etwas Abstand nehmen, denn wenn man zu lange auf dieselben Motive starrt, kann man am Ende noch weniger objektiv urteilen und sieht auch Dinge nicht, die man sonst gesehen hätte.

  5. Schlußendlich kommt es unter anderem darauf an, ob man eine bestimmte Anzahl von Bildern abzuliefern hat, und welche Aufnahmen speziell gefordert waren (bei einer Hochzeit etwa gibt es regelmäßig bestimmte Motive, die einfach dabei sein müssen).

  6. Habe ich von einem Motiv mehrere Varianten, liegt es an mir, die Auswahl zu treffen. Das bedeutet NICHT, die anderen löschen zu müssen; es bezieht sich nur darauf, was ich dem Kunden letztendlich präsentiere. Vorausgesetzt, Du hast Deine (Nach-)Arbeit gut verrichtet und nur diejenigen Bilder übrig gelassen, die es wert waren, mußt Du Dich jetzt ganz subjektiv entscheiden. Folgende Fragen etc. können als Leitfaden dienen, sind aber nicht in Stein gemeißelt.

  • Paßt das Foto zu den anderen? Wirkt es beispielsweise nur in Farbe, während die anderen in Schwarzweiß besser sind? Ist der Stil der gleiche?

  • Wenn ich bei verschiedenen Variationen immer wieder zu einer zurückkehre, ist das ganz klar ein Grund, sie auszuwählen. Wenn ich umgekehrt bei einer anderen versucht bin, ständig daran noch etwas zu ändern, ist es ein Grund, sie NICHT in die Endauswahl zu nehmen.

  • Hat die Aufnahme einen „Wow-Faktor“, verglichen mit den anderen?

  • Wie wirkt die ganze Serie mit diesem Foto (und wie ohne)?

Im vorliegenden Fall hätte ich mich für das erste Foto entschieden (ohne die extreme Vignette etc.), weil mir die Anordnung der jungen Frau dort besser gefällt. Das ist aber, wie oben erwähnt, letztendlich Deine subjektive Entscheidung.

 

Leserfoto – Beelitzer Heilstätten:
Auf halben Wege stehen geblieben

Bilder kommen selten perfekt aus der Kamera, und deshalb erspart ein attraktives Motiv allein effektive Nachbearbeitung grundsätzlich nicht. Zu einem guten Foto gehört mehr.

(c) Tobias Scheck

(c) Tobias Scheck

Das Bild wurde wärend einer Fototour in den Ruinen der Beelitzer Heilstätten aufgenommen.
Was mich an dem Bild fesselt, sind zum einen die, wenn auch schwach zu erkennen, knalligen Farben
und zum anderen das Ungewisse, was einen hinter der Tür erwarten könnte. Mein Ziel war es
genau diese Ungewissheit einzufangen und im Bild festzuhalten.

Verlassene Gebäude üben auf uns einen Zauber aus, dem wir uns nur schwer entziehen können. Hier kann man Geschichte fühlen und sehen, und der langsam fortschreitende Verfall und etwa zurückgelassene Artefakte bieten sich als Motive regelrecht an. Viele auf „UrbEx“ („urban exploration“) spezialisierte Fotografen nehmen für Aufnahmen sogar in Kauf, wegen unerlaubten Betretens verhaftet zu werden und ein Bußgeld zu kassieren. Orte und Zugang zu ihnen werden oft als „Betriebsgeheimnis“ gehütet.

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Leserfoto – “Into the Light”:
Zu viel “Schliff”

Gute Fotos benötigen nicht viel “Schliff”.

(c) Mario Franke

(c) Mario Franke

Hallo, ich heisse Mario, lebe in Belgien und habe seit 2 Jahren die Leidenschaft zur Fotografie gefunden. Dieses Foto habe ich an einem verregneten Nachmittag geschossen mit der Tochter eines Freundes. Das Wohnzimmer wurde als Studio genutzt und 2 Softboxen haben mich beim Licht unterstützt. Ich bekomme immer positives Feedback von Familie und Freunde aber im Feedback sehe ich keinen Fortschritt,denn schön, toll und super sagt mir nicht ob ich knipse oder ob langsam etwas Qualität im Bezug auf meinen Fotos gibt.
Ich finde das Spiel mit Licht sehr interessant und durch die Haare bekommt das Bild für mich noch etwas mehr Dramatik. Das Spiel mit den Haaren ist zufällig gewollt.
Sorry für mein deutsch!
es wäre schön wenn ich mal eine professionelle Meinung bekommen könnte damit ich Fehler die ich als richtig sehe, abstellen kann und kleinen Schritt zu besseren Fotos nach vorn gehe.
Ich sage schon mal vielen Dank, und wünsche euch noch viel Erfolg und viele schöne Stunden mit tollen Fotos!

Groetjes uit Belgie, Mario

Im Geiste vollkommener Offenheit: ich bin ein Fan von Schwarzweißfotografie, und was Nachbearbeitung angeht eher ein Purist. Was notwendig ist, wie auch was zuviel wird, entscheidest am Ende Du als Fotograf. Jedenfalls halte ich mich schon seit Jahren an die Weisheit, daß Effekte und dergleichen ein schlechtes Foto nicht gut, ein durchschnittliches nicht herausragend, und ein gutes nicht noch besser machen.
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Leserfoto – “Spielender Hund”:
Anfang einer Serie

Serien und Projekte statt lose Bildsammlung

(c) Marcus Leusch

(c) Marcus Leusch

Mainz/Rheinpromenade: Der erste Frühlingstag bei strahlender Sonne und fast schon sommerlichen Temperaturen. Mich zog es am späten Nachmittag weg vom Büroschreibtisch zum Rheinufer. Auf meinem Streifzug hatten es mir die Schattenspiele auf dem Pflaster besonders angetan. Dazu gehört auch diese Zufallsbegegnung, die mich besonders angesprochen hat. Ein Hund tollte mit seiner Beute über die Steinplatten, während ihm eine Mutter und ihr Kind gespannt hinterher blickten. Für mich eine Szene, die ich spontan und in einer gewissen angespannten Hektik einfach festhalten musste …

Aufnahmedaten: Fuji X-E1, 18-55 mm-Objektiv (bei 28 mm ≈ 42mm Kleinbildformat), Belichtungszeit: 1/1500s bei ISO 200 (hatte leider meinen ND-Filter zuhause liegen lassen), Blende: 5, Kontraste angehoben

Du gehst wohl sehr gerne an der Mainzer Rheinpromenade spazieren, denn vor einiger Zeit hast Du schon einmal ein ähnliches Foto eingereicht, das ich zufälligerweise auch besprochen habe. Auch dort der gekippte Horizont („Dutch Angle“), auch dort das Spielen mit geometrischen Formen und Linien in Schwarzweiß.

Hier das andere Foto:

Dame mit Hündchen

Ich habe mich trotz der Ähnlichkeit der Bilder und der Tatsache, daß sie vom selben Fotografen stammen, dazu entschlossen, auch dieses zu besprechen. Denn erstens einmal ist es für mich eine gelungene Aufnahme, und zweitens gibt sie mir die Gelegenheit, projektbezogenes Arbeiten anzusprechen.
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Leserfoto – “Treppe”:
Architektur als Abstrakt

Wenn man mit offenen Augen durch die Welt geht, lassen sich auch aus eher unscheinbaren Motiven außergewöhnliche Fotos herausholen.

(c) Oliver Bedford

(c) Oliver Bedford

Schnappschuss einer Kolonnade in Hamburg – genauen Ort kann ich nicht mehr rekonstruieren. Perspektive korrigiert, in S/W gewandelt, Kontrast erhöht und beschnitten.

Ein Fotografenfreund hat mir einmal gesagt, die Herausforderung in der Fotografie sei oft nicht, spektakuläre Motive angemessen abzulichten (man muß sich beispielsweise regelrecht bemühen, vom Grand Canyon schlechte Bilder zu machen, obwohl es die leider auch zuhauf gibt), sondern im Alltäglichen das Interessante abzubilden. Das ist Dir hier meines Erachtens gelungen. Bei Deiner Aufnahme mußte ich zweimal hinsehen, bis mir die Illusion klar wurde, und das hat mich schließlich zur Auswahl bewegt.
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Leserfoto – “Herbststimmung im Shiawassee National Wildlife Park”:
Bildwirkung und Motivsuche

Bildwirkung liegt im Auge des Betrachters

(c) Michael Heek

(c) Michael Heek

Dieses Bild entstand im Oktober letzten Jahres in Michigan / USA während einer Wanderung am späten Nachmittag. Neben dem, dass mir genügend Hirsche quasi über meinem Fuß gesprungen sind, eine Unzahl von Kanada-Gänsen beobachtet werden konnte, ergab das tiefstehende Herbstlicht einige schöne Aufnahmen. Eine von diesen stelle ich gerne der Kritik zu Verfügung.

Wir leben jetzt bereits seit fast 18 Jahren in den USA. Im Nordosten ist die schönste Zeit der sogenannte „Indian Summer“, wenn die Temperaturen tagsüber noch fast sommerlich warm sind und sich aber ob der kalten Nächte die Bäume bereits verfärbt haben. Durch den hier weit verbreiteten Mischwald bietet sich dem Auge alles von dunkelgrün bis blutrot, und für jeden Fotografen ist es ein regelrechter Festschmaus, an einem schönen Nachmittag durch den Wald zu streifen.

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Leserfoto – „Warten auf den Zug“:
Raum zum „Atmen“

Zu den schwierigsten Tätigkeiten für den Fotografen gehört das Nachbearbeiten und die Auslese hinterher.

(c) Bernd Plumhof

(c) Bernd Plumhof

Aufgenommen im Bahnhof von Monastir (Tunesien), wo diese beiden Studentinnen auf ihren Zug warten. Da sie gerade “isoliert” sind und intensiv mit ihren Studien beschäftigt, fotografiere ich schnell. Ich habe mich für Schwarz-Weiß entschieden, da so der Kontrast von hell zu dunkel deutlicher wird, besonders das “Schwarz” der vorderen Studentin und die dunklen Schatten der weißen Betonpfosten. Ebenso die starke perspektivische Wirkung mit der dominierenden Person gefällt mir. Wie bei allen meinen Fotos komme ich aber über eine sehr subjektive Betrachtung nicht hinaus. Der einstige Erlebniseffekt ist zu groß.
Leica Digilux 2 mit Festobjektiv, F 6,7; 1/500s; BW 22,5mm (KB 45mm); ISO 100

Sehr selten kommen Fotos so aus der Kamera, daß man sie ohne viel Federlesens drucken oder anderweitig benutzen kann. Von bestimmten Grundfertigkeiten wie Abstimmung des Weißabgleiches und Kontrastes zur Angleichung von Helligkeitswerten einmal abgesehen kommen mit den heutigen digitalen Möglichkeiten noch andere Fragen hinzu. Schwarz-weiß oder Farbe? Antiker Effekt? HDR? Und wieviel ist zuviel, wieviel zu wenig?

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Leserfoto – Winterfarbenzauber:
Der letzte Touch ist wichtig

HDR oder „high dynamic range“ sind eine Herausforderung an Fotografen, von der Aufnahmereihe bis zum fertigen Produkt.

(c) Dennis Werkes

(c) Dennis Werkes

Das Foto habe ich in Düsseldorf von meinem Arbeitsplatz aus aufgenommen und zeigt den Rheinturm. Es ist eine HDR Aufnahme aus 3 Einzelbelichtungen, die ich während des Sonnenaufgangs gemacht habe. Interessant finde ich den sanften Farbverlauf und die Tatsache, dass der Sonnenaufgang entgegen der Vermutung, die das Bild entstehen lässt, auf der gegenüberliegenden Seite des Bildausschnitts stattfindet – meinem Rücken zugewendet sozusagen. Unabhängig der vielen sehr unterschiedlichen Diskussionen über HDR Aufnahmen gefallen mir diese einfach ganz besonders und übe mich daher mehr und mehr darin diese Methode angemessen einzusetzen. Mit dieser Aufnahme fühle ich mich auf dem Weg dorthin einen Schritt näher gekommen und bin nun interessiert an Meinungen anderer. Die Fotografie betreibe ich übrigens als Hobby zum kreativen, rein gefühlsgesteuerten Ausgleich entgegen dem Alltags- und Berufsleben.

 

HDR oder „high dynamic range“ sind eine Herausforderung an Fotografen, von der Aufnahmereihe bis zum fertigen Produkt. Sie funktionieren, so wie hier, am besten mit statischen Objekten, denn die Bewegungen im Bild schlagen sich sonst als Schlieren und andere Artefakte nieder. Gut gemachte HDR geben eine „Überwirklichkeit“ wieder, denn da sich die Tonwerte im mittleren Bereich ansiedeln und keine extremen Dunkel- oder Hellwerte vorhanden sind, hätte das Foto so normalerweise nicht entstehen können. Wenn sie gut gemacht sind, haben sie für mich einen gewissen visuellen Reiz.

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